Intyale, Boletín del Grupo Cultural Ettelpesir

Tol-quién?

2009-10-17T02:20:00.000-03:00

Hasta ahora siempre he presentado una faceta emocional, tranquila y creativa de Tolkien, pero la verdad es que también tenía un perfil mucho menos amable, aunque siempre manteniendo la compostura de un “lord inglés”.

Hoy les voy a acercar una de esas facetas: Este pacífico profesor de Oxford se alteraba bastante cada vez que imaginaba que su obra podía ser traducía a otros idiomas y en especial por traductores mediocres (y según él todos lo eran, ya que no podían comprender su literatura tan compleja lingüísticamente hablando). En realidad se topó con esto mucho antes de lo que él pensaba y… ¡sin haber sido consultado! Lo que tomaba como un insulto personal.

Hay un hecho puntual que demuestra esto y es cuando su editor le da la noticia sobre la firma de un acuerdo para publicar El Señor de los Anillos en holandés; a lo que le responde que es la primera noticia que tiene de semejante propuesta, y que le dieran todos los detalles. Los editores le dijeron que estaban contactando editoriales extranjeras para vender los derechos a otros países, y le pedían su conformidad.

Tolkien les responde en una carta:

“Por supuesto deseo que prosigan sus esfuerzos en relación con las ediciones extranjeras… no obstante, resulta sin duda comprensible que un autor, mientras esté vivo todavía, sienta una preocupación profunda por la traducción de su obra. Y éste es, desdichadamente por añadidura, un lingüista profesional, un catedrático pedante que tiene amplias conexiones personales y amistades entre los principales conocedores del inglés del continente. Deseo evitar la repetición de la experiencia de la traducción sueca de el Hobbit…”

Y termina diciendo:

“Considero el texto del Señor de los Anillos (con todos sus detalles) mucho más delicado, no aprobaré alteraciones… a no ser que procedan de mí mismo o tengan mi aprobación”.

Aquí se nota que Tolkien no estaba dispuesto a ceder ni un poco, en relación a la puntillosidad de la traducción de su obra.

No pasó mucho tiempo (unos tres meses de esta carta) para que a principios de Junio de 1956, el Departamento de Derechos en el Extranjero de Allen & Unwin le comunicara a Tolkien que tiene una lista de versiones holandesas de los nombres, lugares y personajes de El Señor de los Anillos confeccionada por el traductor y se la hace llegar para que la apruebe, ¡imagínense! ¡Pobrecito el traductor, sea holandés o de cualquier otro lugar que tuviera que vérselas con tan exigente y vehemente autor!

El resultado fue desastroso y Tolkien se sintió ofendido y hasta enojado, lo que queda plasmado en una carta que le envía a Rayner Unwin el 3 de julio de 1956, la cual comienza así:

“Espero que tú y el Departamento de Derechos en el Extranjero me perdonéis que por fin os escriba sobre la traducción holandesa. La cuestión es importante (para mí); me ha perturbado e incomodado mucho, ocasionándome no poco trabajo innecesario en una época inoportuna del año… en principio objeto tan intensamente como me sea posible la “traducción” de la nomenclatura (aún hecha por alguien competente). Me pregunto por qué un traductor pueda creerse llamado a hacer tal cosa o con derecho para ello. Que éste sea un mundo “imaginario” no lo autoriza para remodelarlo según su fantasía, aún si pudiera en unos pocos meses crear una estructura coherente que a mí me exigió años elaborar… Sin embargo, en realidad, en un país y una época imaginarios como lo son éstos construidos coherentemente, la nomenclatura es un elemento más importante que en una novela “histórica”. Pero, por supuesto si dejamos de lado la “ficción” de antaño La Comarca se basa en la Inglaterra rural y en ningún otro país del mundo, menos que ninguno de toda Europa probablemente en Holanda que es topográficamente del todo distinto…”

La carta continúa con una fatigosa relación o mejor dicho no-relación de cada nombre cambiado al holandés, dejando muy mal parado al traductor al que tacha de incompetente en cada ejemplo y en este párrafo en especial:

“…El Traductor (según es evidente) ha echado una mirada a los Apéndices, pero no los ha utilizado. Entre paréntesis no parece consciente de las dificultades que se está creando para más adelante. El anglosajón de los Rohirrim no se parece mucho al holandés. De hecho está haciendo trizas con dedos muy torpes una red que apenas ha intentado comprender…”

¡Qué duro! En realidad no dejaba ni una letra sin analizar para llegar a este veredicto, pero lo dice sin ningún pudor.

En otra parte de la carta, verdaderamente extensa, dice:

“… Si en una tierra imaginaria se utiliza nombres de lugares reales u otros cuidadosamente construidos para que encajen estos nombres se vuelven integrales “suenan reales” y traducirlos de acuerdo a su sentido analizado es del todo insuficiente. Los nombres holandeses de este holandés deben sonar verdaderamente holandeses. De cualquier modo montones de ellos son disparatados o enteramente erróneos…”

Y termina expresando

“¿…puedo decir ahora de una buena vez que no toleraré una chapucería semejante en el caso de la nomenclatura personal? Ni en el del nombre/palabra Hobbit. No soportaré más Hompen “caso en el que no fui consultado” o Hobbel o lo que sea. Elfos, enanos, Trolls, son meros equivalentes modernos de los términos correctos. Pero Hobbit (y orco) pertenecen a ese mundo y han de permanecer suenen a holandés o no… Si te parece que me comporto de manera absurda lo lamentaría mucho, pero me temo que no alteraría mis opiniones… No soy lingüista pero sé algo sobre nomenclatura y la he estudiado especialmente y estoy muy enfadado, a decir verdad.”

Leyendo estas cartas no puedo dejar de pensar que sentiría hoy Tolkien con todas las “traducciones libres” que se le han hecho a su obra. Creo que para él no era solo una obra, sino parte de su vida misma y cualquier alteración de sus escritos, repercutía de alguna manera en su propia historia.

Hoy conocimos una faceta más del carácter de este escritor. ¡Hasta el próximo encuentro!

Artes Visuales: Ilustración - Oscar Chichoni

2009-10-17T02:16:00.001-03:00

Como el propio Chichoni diría, su mundo fantástico se forjó durante su infancia, cuando pasaba las tardes jugando en un cementerio de máquinas de vapor y talleres abandonados en su pueblo natal, en la provincia de Córdoba.

“Las temáticas de las ilustraciones nacen un poco de la propia experiencia. En mi caso, de un desarmadero de viejas locomotoras, que era para mí un alucinante lugar de juegos, y de los clásicos de ciencia ficción.” Y esta influencia es la marca distintiva de este ilustrador, cuyas obras cargadas de óxido y metal cautivan tanto por su temática como por su ejecución.

Nacido en Corral de Bustos el 14 de julio de1957, estudió en la "Cooper Union for the Advancement of Science and Art" de Nueva York donde se le otorgó el grado de Bachiller en Bellas Artes en el campo de la ilustración gráfica.

Pese a que sus primeras publicaciones estuvieron orientadas al mundo del cómic, acompañando en las páginas de la editorial Record a Alberto Breccia y otros autores de su talla, no es hasta que se introduce en el mundo de la pintura, con el descubrimiento de las texturas a través de los óleos pastel, que adquiere el estilo que lo caracteriza y lo ha hecho mundialmente famoso.

Dos años bajo la guía del pintor Álvaro Izureta le suponen un gran avance en su formación. Fortalece sus conocimientos sobre el color y la composición, y descubre materiales distintos a los que había usado hasta el momento.

Es entonces cuando se hace cargo de realizar portadas para Minotauro (Un mago de Terramar, El Señor de los Anillos y Fundación), Péndulo y Fierro, donde gana el premio de los lectores como el mejor ilustrador de tapa. Posteriormente se traslada a Europa a mediados de los 80, donde trabaja exclusivamente como ilustrador para publicaciones en Italia, España e Inglaterra, donde reside actualmente. De este periodo son destacables sus trabajos en la dirección artística del videojuego “Starship titanic”, y en el film “Restoration”, donde obtuvo su mayor logro al trabajar como diseñador de arte el equipo del gran artista Eugenio Zanetti, ganador del Oscar en Hollywood. También obtuvo los premios “Más Allá” (Argentina), como mejor ilustrador, “Caran d'Ache” en Lucca Comics (Italia), y el “Premio 1984” como mejor ilustrador de tapas y mejor tapa (España).

Las increíbles texturas, logradas a través de una técnica mixta propia, combinación de acrílico y óleos, describen con maestría desde viejos metales hasta delicadas figuras humanas, dando así una fuerte sensación de realidad. En una de sus obras podemos ver a un personaje mitad hombre, mitad robot, y aún así la fusión es tan perfecta, junto con los matices, luces y profundidad, que podemos llegar a percibir a esa persona sacada de su imaginación, como si realmente existiera. La utilización del color por parte de Chichoni es excepcional, singular y llena de matices que se irradian en la ilustración creando esa metamorfosis que se funden en su imaginación y en la nuestra. El autor nos lleva de la mano hacia su mundo ya que los argumentos de sus ilustraciones se mueven en el campo de la ciencia ficción y de la fantasía, donde Chichoni se siente más a gusto. Además, al haber trabajado en portadas de libros fantásticos, nos deja claro que ha entendido lo que es crear un mundo propio y a la vez compartirlo con terceros, hasta lograr que ese tercero se sienta parte de ese nuevo mundo. El hecho de que lo haya logrado, queda demostrado al haber ganado el premio al mejor ilustrador por parte de los lectores. Con respecto a sus trabajos, podemos decir que la utilización del cuerpo humano fusionado con el metal, los seres y máquinas de una imaginación exquisita, hacen florecer unas imágenes deslumbrantes que nos dan otra de sus mayores virtudes, un excelente trabajo de composición.

Mekanika (Norma Editorial, Barcelona, 1999) es su primer libro, un compendio de sus mejores ilustraciones, dibujos a lápiz, diseños y proyectos audiovisuales. Una puerta abierta a la imaginación de uno de los ilustradores más impactantes del momento.

También cuenta con una página web oficial, chichoni.com, constantemente actualizada, que incluye sus trabajos de ilustración, diseño para videojuegos y películas, y exhibiciones.

Glosario: Maravillas de la Primera Edad

2009-10-17T02:14:00.001-03:00

Gondolin

Después de Menegroth, la ciudad más famosa de Beleriand fue Gondolin. La fama de Gondolin, quizás, empezó a surgir sólo tras su destrucción, pues mientras vivió, Turgon hizo todo lo posible para proteger el secreto del emplazamiento de su amada ciudad. Sólo cuando Gondolin fue destruida los Eldar comenzaron a compartir sus secretos, y los recuerdos de Gondolin, al igual que aquéllos de Menegroth, les hacían poca justicia.

Pueden encontrarse algunos detalles sobre Gondolin en algunas otras historias, como cuando Thorondor condujo a Lúthien y Beren al sur de Angband, y Luthien “miró allá lejos, como una luz blanca surgiendo de una joya verde, el resplandor de Gondolin la bella, donde moraba Turgon”. Húrin y Huor vieron la ciudad, pero no revelaron lo que sabían de ella.

La visión que Tolkien tenía de Gondolin cambió con el paso de los años, pero de algún modo persistió como un vibrante sueño. Nunca abandonó la idea de que fue construida en una gran colina, en el valle circular del Tumladen; que contenía un gran número de torres, grandes fuentes con casas construídas alrededor, y campos de cultivo diseminados a lo largo del valle, para alimentar a la ciudad.

Los Eldar (Noldor y Sindar) de Gondolin siguieron a once grandes señores en la antigua historia de Gondolin, aunque en El Silmarillion sólo se nombra a dos de ellos, Ecthelion y Glorfindel. En “De Tuor y su llegada a Gondolin” nos encontramos con Elemmakil, amigo de Voronwë el marinero. Se dice que Egalmoth fue uno de los señores de Gondolin, y su nombre fue incluido en la historia de Tuor, casi en la parte final (corregida por Christopher Tolkien por razones técnicas).

La entrada a Gondolin yacía sobre el lecho de un río seco que en otro tiempo fluyó por entre las montañas. Allí había siete puertas construídas por los Elfos: La Puerta de Madera, La Puerta de Piedra, La Puerta de Bronce, La Puerta de Hierro Forjado, La Puerta de Plata, La Puerta de Oro, y La Puerta de Acero. Las primeras seis puertas fueron construidas al mismo tiempo que la propia Gondolin, pero Maeglin, el sobrino de Turgon, construyó la Puerta de Acero tras la Nirnaeth Arnoediad.

El pueblo de Turgon era diestro en muchas artes, y adornaron las puertas y la ciudad con imágenes de los Dos Árboles de Valinor -Telperion y Laurelin- y con muchas flores y criaturas (incluida una imagen de Thorondor grabada en la cuarta puerta). Gondolin debió haber sido una brillante, centelleante joya en muchos aspectos, adornada con oro, plata, perlas, mármol, e incluso cobre que era “de algún tipo de metal forjado... siempre brillante y que ardía como el fuego con los rayos de las lámparas rojas que se alineaban como antorchas a lo largo de la muralla”.

Aunque no se les permitía salir salvo con un permiso especial del rey, la gente de Gondolin recorrió las montañas y valles que rodeaban la ciudad a causa de su trabajo. Megil, especialmente, abrió muchas minas y cruzó las montañas (y por ello al final fue capturado por los sirvientes de Melkor).

Aunque el valle del Tumladen es descrito como un terreno llano, la propia Gondolin parece haber tenido “montes de mallorns, abedules y árboles de hoja perenne”. Altas murallas rodeaban la ciudad, y los Eldar subían a ellas en ocasiones, para celebrar grandes fiestas. Fue precisamente durante una de esas fiestas, las Puertas del Verano, cuando las fuerzas de Melkor invadieron la ciudad.

Algunas de las torres de Gondolin fueron destruidas en la batalla, y algunas de las grandes casas y los árboles, quedaron devastados por el fuego. La mayoría de los habitantes fueron asesinados mientras intentaban escapar, o defendiéndose. Pero muchos fueron atrapados y capturados, mientras que más o menos un millar escaparon por el camino secreto de Idril, que conducía al interior de las montañas.

Gondolin debe haber sido de todos modos el más fuerte de los reinos de Gondor. Melkor envió muchos Dragones y a los Balrogs contra Turgon, y a pesar de la facilidad con la que le sorprendieron, escaparon más gentes de los de Turgon que las que lo hicieron de Fingolfin, Finrod y quizás incluso de Maedhros.

Khazad-dûm

Nunca hemos podido ver Khazad-dûm en todo su apogeo. En la época en que Tolkien lleva al lector a las grandes mansiones de los antiguos Enanos, los salones están deshabitados, salvo por los orcos. La profunda voz de Gimli debió hacer eco por los túneles y cámaras vacíos, al cantar para sus compañeros una antigua canción tradicional de los Enanos:

El mundo era joven, las montañas verdes,

Aún no se veían manchas en la Luna,

Ningún nombre había sido dado a río o montaña,

Cuando Durin despertó y caminó en solitario.

Él puso nombre a las colinas y valles que no lo tenían,

Él bebió de fuentes que aún no habían sido probadas,

Se inclinó y miró en el Lago Espejo,

Y vio aparecer una corona de estrellas,

Como gemas sobre un hilo de plata,

Por encima de la sombra de su cabeza.

¿Cuán antiguo es este episodio? ¿Cuántos años tenía Durin antes de encontrar esposa (pues claramente así ocurrió, puesto que una vez caminó en solitario)? ¿Cuánto tiempo transcurrió antes de que hallara el Lago Espejo y la entrada a las míticas cavernas de las que hizo su hogar?

Podemos inferir algunos puntos sobre la historia antigua de los Enanos a partir de lo que se nos cuenta de sus relaciones con los Elfos. Por ejemplo, sabemos que los Enanos entraron por primera vez en Beleriand en la Segunda Edad del Cautiverio de Melkor en Valinor. De acuerdo con La Guerra de las Joyas, este era el año 1200 de la Edad de los Árboles, que tuvo lugar unos 200 años tras el despertar de los Elfos (un período de tiempo equivalente a 1900 años del Sol).

Las ciudades Enanas de Nogrod y Belegost, las dos ciudades de las Ered Luin, no fueron fundadas por Enanos del Linaje de Durin, sino que fueron la morada de otros Enanos. Más posiblemente, se trataba de los hogares ancestrales de los Firebeards y los Broadbeams, los dos reinos Enanos que despertaron al norte de las Ered Luin.

Khazad-dûm potenció el comercio con Nogrod y Belegost. Las historias sobre Khazad-dûm llegaron a Beleriand, aunque en El Silmarillion sólo se menciona fugazmente que fue la mayor ciudad Enana de todos los tiempos. El antiguo camino Enano que pasaba a través del bosque del Bosque Verde (posteriormente llamado el Bosque Negro) y a través de Eriador, aparentemente llevaba tráfico desde Khazad-dûm hasta otras ciudades de los Enanos más al este.

Y aún así, Khazad-dûm estaba lejos al sur del Camino Alto, donde los antiguos caminos cruzaban las montañas. Esto resulta algo extraño. Sólo se puede imaginar que los Enanos construyeron un camino hacia el norte, a lo largo del pie de las Montañas Nubladas para llegar al Camino Alto. O tal vez siguieron el Cauce de Plata hasta el Anduin y cruzaron el río en balsa o en barca. E imaginando esto, uno no puede dejar de preguntarse si la gente de Durin fueron amigos de los Elfos Nandorin que vivían en los Valles del Anduin.

Sabemos algo de la vida que llevaban los Enanos en la Primera Edad. Eran, por supuesto, exquisitos mineros y albañiles y su habilidad en este campo no tenía rival. Fundían metales como el oro, plata, hierro, y probablemente cobre y estaño. Trabajaban el cristal, desenterraban gemas de muchos tipos, e incluso aprendieron a hacer instrumentos tales como trompetas y arpas.

La propia ciudad condujo el comercio sobre todo hacia el este. No hubo ninguna Puerta del Oeste hasta aproximadamente el 750 de la Segunda Edad. Los mercaderes Enanos incluso debieron adentrarse en el lejano norte. El camino que cruzaba el bosque llegaba hasta el Celduin, y probablemente cruzaba el río por sobre un puente, al igual que cruzaba el Anduin por otro puente. A partir del cruce con el Celduin, el camino giraba hacia el noreste, dirigiéndose hacia el Emyn Engrin, y desde allí hacia el este, en dirección a los otros reinos enanos de los Ironfists, Stiffbeards, Blacklocks y Stonefoots.

Los Pueblos de la Tierra Media nos cuenta que los Enanos llegaron a habitar bastante al este del Celduin, y que allí había una ciudad o un lugar de reunión para todos los Enanos del monte Gundabad, donde establecieron distintos enclaves. Las tierras de las gentes de Durin fueron escogidas para este honor, pues él era el más anciano de entre los Enanos, y Gundabad fue el lugar donde nació.

¿Llegó a ser muy numeroso el pueblo de Durin en la Primera Edad? Sólo podemos suponerlo. Sabemos que el tiempo transcurrido entre el despertar de los Elfos en Cuiviénen y el fin de la Primera Edad del Sol fue equivalente aproximadamente a 4900 Años del Sol. No hay mención de que lo Elfos encontrasen a los Enanos durante el Gran Viaje. Por otro lado, los Noegyth Nibin (los Enanos Mezquinos) reclamaban haberse establecido en Beleriand antes de que los Elfos llegasen.

Los Enanos debieron despertar poco después que los Elfos, pero eran pocos en número y su población se incrementaba lentamente. Cuando contactaron con Durin, algunos miembros de cada tribu se reunieron con él en Khazad-dûm. Con el paso de los años, algunos pocos exiliados emigraron al oeste, hacia Beleriand. Los Vanyar y los Noldor entraron en Beleriand en el Año 1115 de Los Árboles, unos 622 años Solares tras el despertar de los Elfos. Los Teleri llegaron en el año 1128 de Los Árboles, o unos 124 años del Sol después de los Vanyar y los Noldor.

Los Noegyth Nibin pudieron llegar a Beleriand antes que los Vanyar y los Noldor. Pero también puede que llegasen después que ellos y antes que los Sindar. De cualquier forma, lo que es seguro es que debía haber Enanos en Beleriand en el año 1128 de Los

Árboles, unos 747 años del Sol tras el despertar de los Elfos. Si los Enanos nacieron más o menos 10 Años de los Árboles después que los Elfos, habrían dispuesto del equivalente a unos pocos siglos de las Edades del Sol para encontrarse y desterrar a los Noegyth Nibin.

Como Nogrod y Belegost no fueron fundadas hasta el Año 1250 de los Árboles (casi 2000 Años del Sol tras el nacimiento de los Elfos) parece evidente que tanto los Barbafogosa como los Grandgarrotes debieron emigrar al este poco después de su despertar. Quizá todos los Enanos vinieron primeramente a Khazad-dûm con Durin, y allí construyeron la primera ciudad enana. Cuando llegaron a ser demasiado numerosos, los seis reyes más “jóvenes” (los descendientes de los padres originales) posiblemente sacaron a su gente de Khazad-dûm para establecer otros nuevos hogares ancestrales para su pueblo. Esto podría explicar por qué los Eldar no encontraron Enanos en su viaje. Los únicos Enanos que debieron abandonar Khazad-dûm en esta época debieron ser los Noegyth Nibin.

Así que, ¿a dónde nos lleva esto? Hagamos una estimación de la población máxima de Khazad-dûm a finales de la Primera Edad del Sol (unos 3900 años del Sol tras el nacimiento de Durin). Esto habría dejado unas 45 ó 48 generaciones de Enanos de la línea de Durin para aumentar su número. Al comienzo de la Segunda Edad, podría haber como mucho 100.000 Enanos viviendo en Khazad-dûm, y más de 120.000 en la mayoría de las demás ciudades Enanas (sin incluir Nogrod ni Belegost, las cuales habrían sufrido cuantiosas pérdidas en las guerras con Morgoth y los Elfos).

Al comienzo de la Segunda Edad al pueblo de Durin se le vinieron a unir muchos, si no todos, de los Enanos de Belegost, y gran parte de los Enanos de Nogrod. La población de Khazad-dûm podría haber alcanzado los 500.000 o más al final de la Segunda Edad (pero esta estimación presupone algunos cambios en la tasa de natalidad de los enanos, anunciando el comienzo del declive de la raza de los Enanos).

Estimaciones de población aparte, sabemos que Khazad-dûm creció lentamente a lo largo de muchos siglos. Los Enanos añadían salón tras salón y gradualmente extendieron sus minas hacia el Norte, especialmente tras el descubrimiento del Mithril en algún momento entre el séptimo y el octavo siglo de la Segunda Edad. La Puerta Oeste fue construida en esta época, después de que los Noldor de Eregion establecieran su gran amistad con los Enanos de Khazad-dûm (quienes indudablemente fueron influenciados por las historias de la amistad entre los Noldor y los Enanos de Nogrod y Belegost).

Tolkien escribió que Durin renació en sus descendientes por seis veces. Sabemos que Durin III era rey de Khazad-dûm cuando fueron forjados los Anillos del Poder, y que condujo un ejército contra Sauron en la Guerra de los Elfos y Sauron. Así pues, debió ser Durin II quien era rey cuando Narvi y Celebrimbor levantaron la Puerta Oeste. El rey a finales de la Segunda Edad debió ser Durin IV. Él fue quien marchó con el ejército de la Última Alianza entre Elfos y Hombres.

Khazad-dûm continuó prosperando en la Tercera Edad, incluso aunque los Eldar comenzaban su declive. La Puerta Oeste debió volver a abrirse para permitir el comercio con Arnor y, después, con las gentes de Las Tierras Brunas. Cuando el reino de Angmar surgió en el norte lejano y Amroth de Lórien envió tropas por encima de las montañas para ayudar a los Dúnedain, es posible que los Enanos ayudasen a los Elfos, e incluso permitiesen a los guerreros de Amroth el paso a través de Khazad-dûm.

Pero un día los Enanos despertaron un Balrog en sus excavaciones. Éste debió intentar expulsarlos en un principio, pues pasaron un año luchando con él. Dos reyes Enanos del linaje de Durin perecieron antes de que la ciudad fuese abandonada en el 1981 de la Tercera Edad.

¿Cuántas batallas tuvieron lugar entre los Enanos y el Balrog, y tal vez con otras criaturas que encontraron en las profundidades subterráneas? Durin IV murió en el 1980, y su hijo, Náin I fue asesinado al año siguiente, el Año de la Huida. Los Enanos fueron destruidos o expulsados, y sus ancestrales mansiones quedaron desiertas, salvo por el Balrog y por otras criaturas a las que Gandalf describiera como “criaturas sin nombre” de las que ni siquiera Sauron sabía nada, pues “son más viejas que él”.

El Balrog asumió el control de Khazad-dûm, pero unos 500 ó 600 años después Sauron envió Orcos y Trolls para ocupar la ciudad, posiblemente con el consentimiento del Balrog. Desde aquel momento, Khazad-dûm se convirtió en una fortaleza y refugio para los Orcos, y se la conocía únicamente por su antiguo nombre élfico: Moria (Agujero Negro). El ejército Orco de Moria fue destruido en la batalla de Nanduhirion en el 2799, pero los Enanos carecían de efectivos tras sus 7 años de guerra con los Orcos para reconquistar la ciudad (y posiblemente tampoco podrían haberlo conseguido aunque hubiesen atacado Moria con todo su ejército en primer lugar).

Las crías de Orcos fueron dejadas en la retaguardia, y las malvadas criaturas de Moria recuperaban su número lentamente, pero tal vez nunca llegaron a igualar el número de Orcos que encontraron los Enanos en el 2799. Muchos de los Orcos de las Montañas Nubladas perecieron 142 años más tarde, en la Batalla de los Cinco Ejércitos, y cuando la colonia de Balin se estableció en el 2989 (apenas 47 años después) se habían quedado sólo unos pocos Orcos atrás, para guardar la ciudadela. Debieron retroceder hacia cavernas más profundas, hasta que el Balrog los condujo al ataque contra los Enanos, quizás con refuerzos provenientes de otras guarniciones de Orcos.

Del 2994 al 3018 Khazad-dûm permaneció imperturbable, hasta que Gollum entró en el fuerte para escapar de los espías de Sauron y de los Elfos del Bosque Negro y de Lórien. Puede que los Orcos le permitieran entrar, o tal vez ni se enteraron de que estaba allí. Pero fueron soliviantados poco después por la Comunidad del Anillo. El Balrog debió sentir al Anillo Único cuando entro por los salones del este, si no antes. Los Orcos persiguieron a la Compañía hasta Lórien, pero fueron destruídos o dispersados, y Gandalf fue capaz de derrotar al Balrog en un combate singular que duró 11 días. En el curso de la batalla, parte de las montañas y de Khazad-dûm fueron destruidas.

En algún momento de la Cuarta Edad (probablemente alrededor del año 200), los Enanos del Linaje de Durin regresaron a Khazad-dûm, muy probablemente para consumir allí la última de sus generaciones. Durin VII fue el último rey que llevó ese nombre, y tal vez el último de su orgullosa y antigua raza. O tal vez no. En Los Pueblos de la Tierra Media, Christopher Tolkien advierte que la vida de Durin VII está pobremente documentada, y que aparentemente tuvo descendientes.

Otros Mundos: Maestros de lo Fantástico - Kurt Vonnegut

2009-10-17T02:06:00.001-03:00

Nacido en la ciudad de Indianapolis, Estados Unidos, el once de noviembre de 1922, Kurt Vonnegut jr., es considerado uno de los autores mas relevantes del siglo veinte, ya sea por su innovación temática o por su estilo cáustico y frontal, y como un icono de la contracultura estadounidense.

Difícil de ser encasillado en un genero único, su obra fluctúa entre la ciencia ficción, la comedia negra, con fuertes ribetes irónicos y tonalidades satíricas, en conjunción con su personal crítica a la sociedad de la época, abordando temas como lo son el influyente poder del dinero y por sobre todo la denuncia a los conflictos bélicos, haciendo hincapié en las debilidades humanas y en una particular visión de la realidad donde se entremezclan un escepticismo inamovible y a la vez una leve sensación de esperanza que conviven con el pesimismo en su estado mas puro. Cabe destacar también su gran interés por el pacifismo y otras virtudes altruistas de la humanidad que encuentran lugar, no obstante, en sus novelas. El hábil empleo de elementos vanguardistas y fantásticos serian el cimiento de sus trabajos más prestigiosos.

Hijo de Edith Lieber y de Kurt Vonnegut sr., ambos de origen alemán, poseedores de un importante poder adquisitivo, el cual se ve mermado debido a la grave crisis económica que causó la Gran Depresión de la década del treinta, el pequeño Kurt después de pasar por el colegio Orchad de su ciudad natal, pasó al Instituto Shortridge, en el cual colaboró en la redacción de los diarios escolares, entre ellos The Daily Echo, publicado por la escuela secundaria. Luego estudió en la Universidad Butler, pero abandonó los estudios cuando uno de sus profesores le dijo que sus relatos no eran satisfactorios.

Comenzaría a estudiar bioquímica en la universidad Cornell entre 1941 y 1942, año en el que se alistaría en el ejército después de un breve lapso en el Instituto de Tecnología Carneguie.

Mientras participa en la Segunda Guerra Mundial, su madre se suicida con una sobredosis de somníferos, víctima de una larga depresión.

A finales de ese año, tras la batalla de las Ardennes, Kurt es capturado por los alemanes y trasladado a la ciudad de Dresde como prisionero de guerra, donde los efectos del tristemente celebre bombardeo aliado destruyen por completo la cuidad y causan innumerables victimas. Kurt seria uno de los siete cautivos que se salvarían del raid al ser encerrados en un sótano destinado a empaquetar carne, llamado Matadero Cinco. Causaría secuelas irreversibles en el escritor, experiencia que luego volcaría en su famosa novela "Matadero Cinco"(Slaughterhose-five) la cual es una mezcla de ciencia ficción y realidad con tintes surrealistas arremetiendo contra el drama de la guerra, configurando un panorama crítico no exento de humor, que la convierte en una obra anti bélica por excelencia.

En 1945 retorna a EEUU y es condecorado con el corazón púrpura por los servicios prestados. Pocos meses después se casa con Jane Marie Cox y trabaja como periodista en la ciudad de Chicago en cuya universidad acude a estudios de antropología donde le rechazan una tesis titulada "On the Fluctuations beetwen Good and Evil in Simple Tales".

En 1947 trabajó en la General Electric como relaciones publicas. Tres años después logra publicar su primer relato corto "Report of the Barnhouse Effect", desde donde decide dedicarse a pleno a la literatura. En 1952 aparece su primera novela "La Pianola", distopía y sátira social también conocida como "Utopía 14".

En 1957 fallece su padre. Dos años mas tarde ve la luz su segunda novela "Las Sirenas de Titán" nominada al premio Hugo, continuada por títulos como "Cuna de Gato"(1963), "Canary in a Cat House"(1961), "Madre Noche"(1961), que trata sobre el nazismo y "Dios le Bendiga Sra. Rosewater"(1965) libros que le van otorgando cierta popularidad y suficiente identidad literaria como para empezar a ser conocido en el ambiente.

En 1969 aparece la anteriormente citada "Matadero Cinco", la cual le concede renombre internacional definitivo, pasando a ser best-seller en poco tiempo. Fue nominada a los premios Nebula y Hugo.

En 1970 escribe la obra teatral "Wanda June" y un año después de divorcia de Jane. Luego de la ruptura matrimonial ocuparía plaza de profesor en varias instituciones y escribe títulos como "Desayuno de Campeones"(1973), "Slapstick"(1976), "pajaro de Celda"(1979), la colección de ensayos "Domingo de Ramos"(1981), "Deadeye Dick"(1982) y "Galapagos"(1985).

A mediados de la década de los ochenta Vonnegut se intento suicidar con una sobredosis de somníferos mezclados con alcohol, aunque no lograría su objetivo.

Tras su intento de suicidio continuó con su producción literaria publicando "Barbazul"(1987), "Birlibirloque"(1990), "Time quake"(1997) y "Dios le bendiga Sr. Kevorkian"(1999), su última novela, en la cual se entrevista con personalidades como Newton, Hitler o Shakespeare.

"Un Hombre sin Patria" (2005) fue su última entrega. Se trata de una recopilación de artículos con una visión crítica de su país, ahondando en asuntos artísticos, sociales y políticos.

Vonnegut tuvo tres hijos biológicos con su primera esposa. Además, adoptó a los tres hijos de su hermana Alice cuando esta murió de cáncer, y a otra niña, Lily. Dos de sus hijos, Mark y Edith Vonnegut, han alcanzado celebridad.

Falleció en 2007, a la edad de 84 años, tras sufrir una caída en su domicilio de Manhattan, Nueva York, que le causó una lesión cerebral irreversible.

OBRAS
La pianola (Player Piano, 1952).

Las Sirenas de Titan (The Sirens of Titan, 1959).

Madre Noche (Mother Night, 1961)

Cuna de Gato (Cat's Cradle, 1963).

Dios le bendiga, Mr. Rosewater (God Bless You, Mr. Rosewater, o Pearls Before Swine, 1965)

Matadero Cinco o La Cruzada de los Inocentes (Slaughterhouse-Five, o The Children's Crusade, 1969).

Desayuno de Campeones (Breakfast of Champions, o Goodbye, Blue Monday, 1973)

Payasadas o ¡Nunca más solo! (Slapstick or Lonesome No More) (1976)

Jailbird (1979)

Buena puntería / El francotirador (Deadeye Dick) (1982)

Galápagos(1985)

Barbazul (Bluebeard, 1987).

Hocus Pocus ( 1990)

Timequake (1997)

Otros Mundos: El Pasaje [Cine]

2009-10-17T02:05:00.001-03:00

El Pasaje es una de esas películas que el que la vio no puede olvidar, desde el tema y la forma de ser tratado, hasta su realización.

Llama la atención que siendo una película de Alain Delon (¡sí!) sea la “figurita difícil”, imposible de conseguir a veces ni figura en su filmografía (muy extensa por cierto de 1957 al 2008 filmó 87 películas incluidas dos miniseries), lo primero que me extrañó es quien la realiza; Alain Delon nace el 8 de noviembre de 1935 en Sceaux Francia, destinado a ser uno de los grandes actores franceses (junto a Belmondo), siempre eligió personajes muy masculinos en donde la acción y el honor estaban bien marcados como en sus grandes éxitos El Gattopardo (1963), Adiós al amigo (1968), Borsalino y Cia. (1970), Dos Contra la Ciudad (1973), En la Piel de un Asesino (1981), etc.; siguen ese patrón, y que elija un personaje tan sensible y tan artístico no era de esperarse y mucho menos cuando uno se entera que la historia está escrita por él mismo.

Pocos saben que Delon escribe y que para el año 1985 tenía algo en mente, que sabía que no era comercial (de hecho no lo fue, el film no tuvo éxito y dio pérdidas económicas), y cuando tuvo el guión completo buscó un director que aceptara el reto, ¿porqué hablo de un reto? ; Ésta es sin duda una película que se adelantó veinte años a su tiempo y no podía ser apreciada ni comprendida.

Así es que da con René Manzor, un joven director que prometía mucho, y El Pasaje se convierte en su “opera prima”.

La película se estrena el 3 de diciembre de 1986 y una curiosidad es que en España se traduce el título como “Trayecto Mortal” que en realidad no tiene nada que ver con el espíritu ni la trama de El Pasaje.

En este film se combinan las actuaciones con la profesión del personaje, (Jean Diaz) que es ilustrador de historietas, así la película nos hace pasar del mundo real al dibujo o el paisaje surrealista con guiños para entendidos (la casa a donde va de vacaciones con su hijo es un cuadro de Magritte hecho realidad!).

La historia gira a través de un personaje encapuchado con una voz cavernosa que frente a una computadora está eligiendo a su próxima víctima, aburrido de gente importante decide buscar entre los artistas y aparece entre muchos otros Jean Díaz, un ilustrador y realizador de cine que está haciendo un film sobre la muerte y como ésta elige los peores métodos para acabar con los humanos.

Este personaje encapuchado no es otro que la muerte y mientras Jean va con su hijo David de vacaciones, hace que tengan un accidente, los dos terminan mal heridos en el hospital, allí se le presenta la muerte y le propone un trato, si realiza su película para ella, salvará la vida de su hijo, una vida por otra un trato más que justo!

Lo que más ama en la vida este personaje es a su hijo, por lo tanto no tiene opción y acepta el trato, es aquí donde realmente empieza la película, ya que la muerte solo querrá separarlos y el trabajo de su vida, esa película que Jean Díaz quería hacer para que la gente tome conciencia de como están destruyendo el mundo, mostrar desde lo peor para sacar lo mejor de cada uno, será utilizada de la manera más cruel, es allí donde el personaje se entera de El Pasaje.

No contaré nada más solo les diré que este film se mueve siempre entre los dos mundos y entre las dos técnicas. Es una historia para personas sensibles y concientes, con un fuerte mensaje ecológico que está orientado más al interior que al exterior de cada uno y por sobre todo trata del amor más allá de la conveniencia, más allá del apego, más allá de lo social y más allá de la muerte…

Aquí va la ficha técnica:

Nombre: Le Passage (El Pasaje)

Género: Ciencia Ficción

Dirección: René Manzor

Música: Jean-Felix Lalanne

Guión: Alain Delon

Producción: Alain Delon

País: Francia

Año: 1986

Estudios: Adel Producciones

Calificación: Apta para mayores de 13 años

Duración: 90 minutos

Interpretes:

Alain Delon…………….Jean Diaz

Christine Boisson....Catherine Diaz

Jean-Luc Moreau.....Patrick

Alain Musy..............David Diaz

Sé que no conté demasiado sobre la trama es que espero que les intrigue y la vean, ya que el desarrollo y el final son verdaderamente sorprendentes. Y voy a terminar con una frase de Jean Diaz:…”Hay cosas demasiado difíciles de entender para los adultos, solo los niños son capaces de hacerlo”

Los Libros del Profesor: Hoja, de Niggle

2009-10-17T01:52:00.001-03:00

Este libro, publicado en 1964 contiene su ensayo "Sobre los cuentos de hadas", el breve cuento "Hoja de Niggle" ("Leaf by Niggle)", en el que Tolkien narra la historia del artista Niggle, de su vida y su muerte, y en el que Tolkien plasma su pensamiento sobre su propia obra subcreativa, y su concepción sobre la subcreación en vida (en su caso, sus ideas sobre Tierra Media), y sobre la realidad que tiene dicha subcreación en el estado después de la muerte; y el poema "Mitopoesía", sobre los mitos.

Frase ¿Qué quiso decir?

2009-10-17T01:35:00.000-03:00

“…No sé qué está pasando. La razón y la mente me dicen que ha ocurrido una terrible catástrofe y que se aproxima el fin de los tiempos. Pero el corazón me dice lo contrario; y siento los miembros ligeros, y una esperanza y una alegría que la razón no puede negar…”

Este fragmento pertenece a una de las obras más importantes de J. R. R. Tolkien, el tomo tres de su trilogía “El Señor de los Anillos”. Se trata de un discurso pronunciado por Faramir, Capitán de Gondor, en Las casas de Curación, en el momento exacto en que Sauron descubre que el anillo esta por ser destruido. El joven no sabe qué es lo que acontece en batalla, ya que se recupera de una herida en la ciudad: es el momento de mayor oscuridad, cuando el Enemigo invoca su máximo de fuerzas, y todos los hombres sienten pena. Pero Faramir ve más allá de lo que divisan sus ojos; ese sentimiento que no se puede comprobar, es la esperanza.

Cuán importante habrá sido el papel que jugo la esperanza en la vida de Tolkien, nunca lo sabremos. Pero se puede suponer por los acontecimientos de su contexto histórico, su constante devoción y lucha por las cosas buenas, por la defensa de lo considerado menor (la naturaleza, la ciencia ficción, entre otras cosas) que una importante cuota de “corazón” hace falta en un hombre de tal trayectoria.

Creo que esta frase condensa mucho del pensamiento del hombre occidental, quien ante todo, pone la razón como parámetro y “calla” percepciones que escapan a lo evidente, pero que provienen del corazón o de cosas que no se pueden comprobar, de sentimientos o presunciones; parte de esto tiene que ver con la esperanza, algo que está más allá de un acto tangible. Esta dicotomía mente/corazón, por llamarla de alguna manera, es propia del hombre; al desplegarla en el texto nos invita a reflexionar. Aunque la razón pueda entregarnos cuestiones fácticas, verosímiles y tangibles, hay otras puertas que pueden ser abiertas: las puertas de la percepción interna.

Otros Mundos: Dream Theater

2009-10-17T01:33:00.001-03:00

Todo comenzó en el otoño de 1985 cuando un grupo de estudiantes (el guitarrista John Petrucci y el bajista John Myug) vieron al baterista Mike Portnoy practicando en un cuarto de ensayo de la prestigiada Escuela de Música de Berklee en Boston. Más tarde se encontraron en la cafetería y supieron que tenían más cosas en común que el gusto por la música.

Durante las vacaciones de la escuela, hicieron ensayos junto al tecladista Kevin Moore (quien tocó con John en un grupo de la escuela llamado Centurion) y un vocalista llamado Chris Collins, de donde más tarde surgió la banda Magesty. Todos decidieron dejar la escuela y concentrarse en la banda, trabajando y dando clases privadas de música. Pronto grabaron un demo con 6 canciones en una 4-track, el cual se vendió localmente a los fans. El trabajo era muy progresivo y complejo, dándole un toque estilo Rush. Magesty fue la primera banda en grabar con una disquera nueva llamada Mechanic Records, donde notaron que en esa época ya existía ese nombre en una banda de jazz. El padre de Mike sugirió el nombre de Dream Theater, el cual tomó de una película casera en Monterey, California. Este no fue el único cambio que se dio, ya que notaron que la voz de Chris no cubría el rango que el álbum necesitaba.

"When Dream and Day Unite" fue grabado en Kajem/Victory Studios en Gladwyne, Pennsylvania en el verano de 1988 con el productor Terry Date. A pesar de su limitada distribución, fue muy bien aceptado en todo el mundo, sin mencionar la Radio Metalera en los Estados Unidos. Lamentablemente la disquera no contaba con fondos para soportar conciertos o un video, pero si tocaron en el área de New York ya que aparte, ellos aun seguían en su trabajo.

Charli Dominici fue despedido de la banda. Lo volvieron a llamar para un cierre de concierto para Marillion, siendo esta banda quien requirió personalmente a Dream Theater que hiciera ese concierto con ellos. Es ahí donde entraron con un nuevo track llamado "Metrópolis", una prueba de lo que la banda había progresado y lo que el futuro les amparaba.

Fue entonces cuando tuvieron un receso de 2 años durante el cual buscaron a la persona que estaría al frente de la banda, dedicándose en esos días a componer. De hecho la mayoría de el contenido de "Images and Words" fue primeramente tocado en vivo de manera instrumental, ya que aun no tenían ni siquiera letras esas piezas. En ese tiempo también incluían en sus presentaciones, material de Led Zeppelin, Yes, Van Halen, Beatles, Queen, y otros.

Llegó a tal grado el punto de frustración por no encontrar a la persona correcta que consideraron irse por un camino instrumental, especialmente por una serie de malas experiencias, pero al final decidieron persistir. Finalmente encontraron a Chris Cintron, quien parecía ser el hombre correcto para el trabajo, eso hasta que llegó una cinta de una banda Canadiense.

El hombre en cuestión era Kevin LaBrie, y la banda (de Toronto) era Winter Rose. Kevin llegó casi al mismo tiempo que Chris y la banda decidió probarlo. Desafortunadamente Chris salió de la banda, pero Dream Theater encontró al vocalista que estaba buscando. Cuando se unió al grupo, Kevin decidió usar su segundo nombre, ya que el primero (John) y tercero ya existían en el grupo, generando suficiente confusión.

Habiendo firmado contrato con la disquera ATCO/EastWest Records, la banda grabó su segundo disco, "Images and Words", con el productor David Prater a finales de 1991, en los estudios Bear Track (del cual era dueño el saxofonista de Spyro Gyra, Jay Beckenstein, que participara como músico invitado en la pieza "Another Day"?.

James LaBrie hizo su debut oficial con la banda el 8 de Junio de 1992 en el Ritz de New York, como soporte de Iron Maiden, coincidentemente en la misma avenida donde fue la última participación de Dominici. Luego realizaron algunos shows en bares pequeños en los cuales muchos de los fans ya se sabían las letras de todas las nuevas canciones aún cuando "Images and Words" todavía no salía en tiendas. James fue recibido por su público con los brazos abiertos.

Después de que saliera el disco, el grupo preparó su primera gira alrededor del mundo, en donde la prensa, la radio, e incluso MTV, les brindaron su apoyo. Sumado a esto, su trabajo en "Images and Words" les valió su primer Disco de Oro, haciendo que la banda sintiera que tenía nivel adecuado.

En Marzo de 1993, la banda realizó el primer show de su gira mundial en New York. Sin banda soporte, Dream Theater tocó alrededor de 3 horas, e incluyó una presentación de material de estreno como "To live Forever" y "Epic" y cerca de 20 minutos de "A Change of Seasons", tema que rara vez tocan en vivo.

Europa fue el siguiente escalón de su gira "Music in Progress" donde grabaron el EP, "Live at the Marquee" en un afamado club de Londres. Su espectáculo en Tokio, Japón en el ’93 fue filmado y vendido para videos caseros haciendo pública su tendencia a introducir material nuevo en el escenario, incluso si sólo eran bosquejos de piezas, improvisándolas en el momento. Por Noviembre de ese mismo año, la banda terminó su gira, restando sólo una presentación en Korea en Enero del año siguiente. Para Marzo de 1994, y después de un corto receso, Dream Theater comenzó a trabajar en su tercer disco, el cual incluyó gran parte de su material hasta entonces inédito.

En Mayo del mismo año, la banda se trasladó por unos meses a Los Angeles trabajar con los productores John Purdell y Duane Baron y obtener lo que necesitaban para sus ideas musicales. Desafortunadamente no todo fue perfecto para la banda: A mitad de la grabación, el tecladista Kevin Moore decide dejar el grupo, un desaire para la banda, especialmente para Petrucci y Myung con quienes él creció.

En 22 de Agosto de 1994 se anunció la desvinculación del el tecladista. Ya que diferencias musicales fueron la causa del rompimiento, todos aseguraron que la separación era amigable. Kevin comenzó un proyecto llamado "Chroma Key" con el cual grabara, ya en Junio del ’98, un álbum llamado "Dead Air For Radios".

La presión de encontrar tecladista se sentía más cerca de lo esperado debido a un concierto que debían dar en Fundations Forum. Después de una serie de audiciones decidieron que Jordan Rudess tocara en el concierto que tenían comprometido y que Derek Sherinian lo hiciera en la Gira. Derek, quien también estuvo en Berklee y tocó con Kiss y Alice Cooper, entre otros, demostró ser lo que la banda necesitaba. Derek fue anunciado como miembro oficial en los últimos eventos por Europa en 1995. Pero hacia 1998, su lugar volvería a ser ocupado por Jordan Rudes.

En 2002 se lanzó el álbum doble, “Six Deegrees of Inner Turbulence” que acentuaría el cambio de estilo musical de la banda hacia un sonido más progresivo.

Para el año 2007 la banda lanza “Systematic Chaos”, álbum con una increíble multiplicidad de sonidos, desde metal sinfónico a música pesada, y temas "In the Presence of my Enemies" que consta de dos partes. En 2008 sale un disco recopilatorio de veintiún canciones llamado “Greatest Hits (...and 21 other pretty cool songs)” compuesto por un "Dark Side", con los temas más pesados y un "Light Side" con los temas melódicos.

En la actualidad podemos encontrar su décimo disco, “Black Clouds & Silver Linings”, lanzado al mercado el 23 de junio de 2009 y esperar que Sudamérica sea incluida en la gira mundial que está realizando la banda.

Discográfica Completa

1989 - When Dream And Day Unite

1992 - Another Day (single)

1992 - Images And Words

1993 - Live At The Marquee

1994 - The Silent Man (single)

1994 - Lie (single)

1994 - Awake

1995 - A Change Of Seasons

1997 - Hollow Years (single)

1997 - Falling Into Infinity

1998 - Once In A LIVEtime

1999 - Through Her Eyes (single)

1999 - Metropolis pt. 2: Scenes From A Memory

2001 - Live Scenes From New York

2002 - Six Degrees Of Inner Turbulence

2003 - Train Of Thought

2004 - Live at Budokan

2005 - Octavarium

2006 - Score

2007 - Systematic Chaos

2007 - Systematic Chaos (Special Edition)

2009 - Black Clouds & Silver Linings

Tol-quién?

2009-10-16T23:59:00.000-03:00

Tolkien escritor, Tolkien dibujante, Tolkien filolólogo, Tolkien herrero, ¿cómo que herrero? Sí, ya que él forjaba cada palabra, cada historia, cada mito. Tomaba la estructura del relato como si fuera un pedazo de hierro, lo fundía cuidadosamente, y le daba forma en la fragua de su idioma, convirtiéndola en fino acero que serviría para forjar una espada o la delicada punta de una pluma que soportaría millones de hermosas gotas de tinta…

Hoy les quiero hablar sobre un cuento tardío, uno que nace de “casualidad” y termina convirtiéndose, consciente o inconscientemente, en la redención que precisaba por la culpa que le generaba escribir literatura fantástica, ya sea por la presión ejercida por los literatos de su tiempo, o por destinarle a esta actividad casi todo el tiempo que tenía para compartir con su familia.

Corría el año 1964 cuando la editorial Pantheon Books de Nueva York, le pide que escriba un prefacio para la nueva edición de The Golden Key de George McDonald, lo primero que les responde es que éste no era su autor favorito y la verdad es que por una serie de razones nunca llega a escribirlo. Pero esto lo lleva a ponerse a trabajar nuevamente en un cuento: El Herrero de Wotton Mayor, que terminará para el año 1965. Cuando lo presenta a su editor, éste le da el visto bueno, aunque le dice que es muy corto para poder publicarlo sólo.

En una carta que le envía a su hijo Michael el 28 de Octubre del 1966 le dice:

“No te avisé de mi charla del miércoles a la noche. Pensé que estarías demasiado ocupado. No di una charla, en realidad, sino que leí un cuento escrito recientemente y no publicado todavía, y que puedes leer cuando tengas tiempo: ‘El Herrero de Wotton Mayor’ (…) El acontecimiento me asombró, y también a los promotores de la serie (…) Era una desagradable noche húmeda. Pero la concurrencia del público fue tal que el refectorio (un recinto largo como una iglesia) tuvo que despejarse y no pudo darle cabida a todos. Hubo que dispone de prisa de unos pasillos fuera. Me dijeron que se dio cabida a más de 800 personas. Todo se puso muy caluroso, y me parece mejor que no hayas venido”.

¡Qué curioso! Este cuento vio la luz en una charla, palabra que suena a confidencias y comentarios personales.

El cuento llega a imprimirse en Octubre del ’67 junto con Egidio, El Granjero del Ham y Hoja de Niggle.

En una carta a Roger L. Green, un amigo suyo que sobre el cuento escribió: “Buscar el significado es cortar la pelota para encontrar el resorte”, el Profesor responde:

“Gracias por tu muy dichoso comentario (especialmente por lo que dices de la búsqueda del resorte del rebote). Aunque he sido mucho mejor tratado de lo que esperaba. Pero la pequeña historia (por supuesto) no estaba destinada a los niños. Es el libro de un hombre viejo sobre el que ya pesa el presagio del ‘desconsuelo”’.

En estas palabras tenemos un atisbo de su intención. Vale decir que realmente El Herrero… es una “pequeña historia”, un cuento de hadas, con un desarrollo tranquilo, sin conflictos. En todo momento uno espera que alguno de sus personajes se salga de las casillas, que suceda algo terrible que cambie el curso de la historia, pero esto no sucede, ni siquiera al final. ¡Así es la vida!, sin grandes éxitos, ni grandes fracasos.

Al menos esto es lo que pensaba Tolkien. A él le hubiera gustado hacer una gran obra sobre la Literatura Medieval o un Tratado Magistral de Filología (cosa que le recomendaban y pedían los decanos de Oxford). Nunca lo realizó, pues invertía ese tiempo (o invertía esos momentos) en escribir literatura fantástica. También sentía que dedicaba demasiado espacio de de sus días a las labores cotidianas; ya sea corrigiendo exámenes (propios o de otros profesores para ganar un dinero extra), dando clases o conferencias, y es por ello que se reconoce a sí mismo en el personaje del Herrero: un hombre común que realizaba artículos de uso cotidiano (ollas, picaportes, cerrojos, cazuelas, etc.), “aunque algunos de ellos exquisitos en su diseño”. Un hombre que nunca llega al puesto de mayor reconocimiento dentro de la comunidad, que vive en el total anonimato, a no ser que alguien precise un utensilio de hierro. Pero es justamente el “no ser importante en su pueblo” lo que le permite realizar sus viajes el País de Fantasía sin que nadie lo note y, al volver, compartirlo sólo con su familia.

¡Qué fuerte era la convicción de su vocación de escritor! En alguna parte de su ser, él sabía que la única manera de poder seguir escribiendo su mundo imaginario era el anonimato, y la única forma de no levantar sospechas sobre sus “viajes” a la Tierra Media, era “haciendo bien los deberes”; es decir, dando clases, corrigiendo exámenes y yendo a misa los domingos.

Hay otra cosa para mencionar de la historia y son los viajes en sí mismos. El Herrero se va metiendo de a poco en el otro mundo, cada viaje le enseña algo diferente, y cada vez se anima a internarse un poco más, alejándose más y más de sus fronteras. Habían pasado muchos años, muchos viajes e innumerables aventuras; y había conocido sólo unos pocos personajes cuando -por primera vez- se encontró con un verdadero peligro: un terrible viento que se ensañaba en quitarle la vida. Y aquí va un párrafo para que se entusiasmen y lo lean todo:

“Tendió los brazos al tronco de un joven abedul y se abrazó a él, y el viento luchó contra ambos con violencia (…) Cuando el viento por fin pasó, se puso en pie y vio que el árbol estaba desnudo. Había quedado despojado de todas sus hojas, y lloraba, y las lágrimas caían de sus ramas como gotas de lluvia. Puso la mano en la blanca corteza y dijo: —¡Bendito seas, abedul! ¿Qué puedo hacer para resarcirte, o para darte las gracias? -Sintió que la respuesta del árbol pasaba a través de su mano: —Nada, -dijo. —¡Vete! El viento te persigue. Tú no perteneces a este lugar. ¡Vete, y no regreses más”

En este párrafo hay dos cosas importantes: La primera es una pregunta ¿a dónde pertenecés? Y la segunda es una advertencia –como queda claro, para sí mismo-, y expresa el peligro de “quedar atrapado o morir en Fantasía” (o tal vez no poder salir de la Tierra Media), marcando que el peligro no es sólo para él, pudiendo llegar a dañar a cualquier ser en cualquiera de los mundos, (ya sea el abedul que lo ayuda o su familia que lo extraña cada vez que él está en Fantasía).

Al escribir este cuento es posible que Tolkien pensara que ya era hora de retirarse y pasar el regalo de las musas inspiradoras a un sucesor y dedicar sus últimos años a escribir las “cosas importantes” que nunca había hecho, o tal vez, disfrutar más tiempo con su familia, conocerlos mejor y estar presente con todo su ser.

Pero él nunca pudo elegir a quien pasarle “la estrellita”, la llave para ser admitido en Fantasía y así fue como hasta sus últimos momentos él siguió escribiendo sobre su mundo imaginario y terminó sus días con un pie en Wotton Mayor y el otro en Fantasía o mejor dicho, con un pie aquí y el otro en Tierra Media.

Otros Mundos: Crisis en Tierras Infinitas [Marv Wolfman]

2009-10-16T23:45:00.001-03:00

En 1985, la Editorial DC Comics sacó a la venta una serie de 12 partes que se llamó Crisis on Infinite Earths (Crisis en las Tierras Infinitas). En esta maxiserie, se intentó resolver el enorme caos ocasionado a lo largo de los años por los editores en el universo DC.

El encargado de escribir esta serie (Marv Wolfman) puso un ejemplo clarísimo de este problema que es el de la Atlántida. La Atlántida de Aquaman es totalmente distinta a la de Lori Lemaris o la de los Sea Devils. Cuando surgieron los Team-Ups (un héroe se junta con otro héroe) tenía que haber cierta consistencia entre sus mundos. En ese entonces, los editores decidieron crear varias Tierras separadas por vibraciones. Así surgieron:

· Tierra 1: En esta Tierra se ubicaban los héroes más populares como La Liga de la Justicia, Los Outsiders, Los Jóvenes Titanes, etc. Esta era la Tierra dónde se desarrollaban la mayoría de las historias DC.

· Tierra 2: En Tierra 2 vivían todos los héroes de la Golden Age como la Sociedad de la Justicia, etc. Entre todos los personajes había versiones de héroes como Superman, Wonder Woman o Flash transformados en ancianos.

· Tierra 2 bis: Esta Tierra es casi idéntica a la Tierra 2, lo único que cambia son algunos detalles ínfimos de Superman.

· Tierra 3: En este mundo se encontraba el Sindicato del Crimen, formado por una versión de la Liga de la Justicia integrada por Ultraman, Power Ring, Super Woman, Johnny Quick y Owlman, pero la diferencia es que éstos en vez de héroes eran villanos y el único superhéroe era Alexander Luthor.

· Tierra 4: DC decidió ubicar en este mundo a los héroes comprados a la Charlton Comics. Aquí se encontraban: Blue Beetle, Captain Atom, The Peacemaker, Nightshade, Question y otros más.

· Tierra 6: Los personajes que habitaban este mundo fueron creados exclusivamente para CRISIS y eran: Lord Volt, Lady Quark y la Princess Fern,

· Tierra 12: En Tierra 12 existía la Freedom Brigade que era un grupo formado por los hijos de la Sociedad de la Justicia.

· Tierra A: Esta Tierra surgió de Tierra 1 y es habitada por la Liga de la Injusticia de América.

· Tierra B: En esta Tierra eran contadas las historias imaginarias, historias que no afectaban la continuidad del universo DC.

· Tierra C: Aquí se encontraban unos héroes animales de caricatura entre los que se encuentran en este mundo se pueden nombrar al Capitán Zanahoria y su pandilla.

· Tierra C minus: La Tierra C minus se encontraba dentro de la Tierra C y era habitada por los Animales de la Justicia.

· Tierra H: En esta Tierra, Krypton sigue con vida y Jor-El es un Linterna Verde, Kal-El se rebela y se vuelve un villano estableciendo su base de operaciones en la Tierra.

· Tierra S: En Tierra S, se situaban los héroes adquiridos por DC de la Fawcett Comics (Capitán Marvel, Familia Marvel, Minute man, etc.)

· Tierra X: En esta Tierra, La IIa. Guerra Mundial terminó en los años 70s. Ahí se alojaban los héroes adquiridos de la Quality Comics (Tío Sam, Dama Fantasma, El Rayo, etc.)

· Tierra Prima: Tierra Prima es el mundo real, donde vivimos nosotros y sólo dos héroes: Ultra (que luego se mudó a Tierra 1) y Superboy (que era el que aparecía en las aventuras de la Legión de Superheroes)

Pero luego surgió otro problema, Habían tantas Tierras y realidades que no había lector que no se desorientara. Entonces DC decidió hacer una maxiserie para unir a todas las realidades y aquí es donde aparece la crisis.

El relato comienza con la formación del Multiverso (varios universos, cada uno con una Tierra distinta) y con la destrucción de la primera Tierra. Una ola de anti-materia se dirige hacia Tierra 3, el hogar del Sindicato del Crimen. Los villanos intentan salvar a la población pero fracasan. Mientras, Power Ring (algo así como un “Linterna Verde maligno”) descubre a un hombre que se hace llamar Pariah y dice estar de luto porque su mundo va a ser destruido.

Al ver que el fin se acerca, Alexander Luthor vuela hacia su casa a morir con su esposa que es nada más ni nada menos que… ¡Lois Lane! pero antes, envía a su hijo Alexander Luthor Jr. en un cohete hacia el satélite de la Liga de la Justicia en Tierra 1. Lo que Luthor no sabe es que el satélite está deshabitado y nadie recibe al niño.

Junto al satélite, hay otro en forma de esfera habitado por un ser misterioso y una mujer llamada Harbinger, que tiene el poder de dividir su ser en veinte copias exactas. Este sujeto, quien le salvó la vida y la crió de muy pequeña, la envía a buscar a héroes y villanos seleccionados por él. Mientras ella va a buscarlos, el extraño ser se encarga de rescatar al pequeño Alex Luthor del satélite de la Liga ya que cree que jugará un papel muy importante en la salvación del mundo.

Mientras todas las versiones de Harbinger hacen lo que se les encargó, una de ellas es poseída por un ser oscuro. Luego, los seleccionados son llevados al satélite. Ellos son: Blue Beetle, Dawnstar, Geo-Force, Cyborg, el rey simio Solovar, Superman de Tierra 2, Obsidian, John Stewart, Firebrand, Arion y Firestorm, del lado de los héroes y Psimon, Psycho Pirate, Dr. Polaris y Killer Frost, del lado de los villanos.

En ese momento, son atacados por sombras vivientes y comienza la pelea. Los convocados se sorprenden al ver el poder de las sombras y piensan que les tendieron una trampa. Luego una luz cegadora hace huir a las sombras y aparece ese ser misterioso quien revela su identidad. Su nombre es MONITOR...

Dos décadas logró sobrevivir el Universo único emergido de la Crisis original. Veinte años a lo largo de los cuales experimentó un evidente proceso de degradación –en lo referente a su cohesión interna-, desde la inicial supremacía de las reglas impuestas en la nueva continuidad DC hasta su colapso durante la segunda Crisis y la saga 52. Su cuestionada hegemonía se vio crecientemente fracturada, como si sus mal cerradas costuras fueran rasgándose para develar el Multiverso oculto en su interior.

El “sabotaje” al Universo post-Crisis provino tanto de autores nostálgicos –o carentes de ideas- hacia personajes y argumentos extinguidos en1985, como de una incoherente línea editorial obsesionada por incrementar las ventas a golpe de macro-crossovers que enredaban cada vez más la madeja. Todo ello envuelto en una creciente aura de mitificada añoranza hacia el Multiverso que se extendida entre parte de los lectores.

Oficialmente vigente hasta la primera década del siglo XXI, el Universo post-Crisis fue progresivamente dejando de ser único –si bien se eludió el concepto tabú de Multiverso con ingeniosos eufemismos como el de Hipertiempo- y, aunque desde su nacimiento padecía de importantes fracturas de continuidad que intentaron subsanarse a posteriori, su incoherencia creció hasta anular la que debía ser su principal función: establecer un mapa ordenado y accesible de la continuidad DC.

El retorno oficial y definitivo del Multiverso se produjo finalmente en dos asaltos: las series Infinite Crisis (Crisis Infinita) y 52, aunque, como es lógico, ello no ha significado un regreso a la situación pre-Crisis, sino una redefinición de aquél Multiverso, incorporando el importante bagaje editorial de las dos últimas décadas.

Glosario: Los Dragones

2009-10-16T23:32:00.002-03:00

1. ¿Cuál fue el orígen de los Dragones?

Los Dragones fueron criados por vez primera por Morgoth, el primer Señor Oscuro, en la Primera Edad. Dado que ni Morgoth ni Sauron pudieron nunca crear nada, es de suponer que los Dragones provienen de alguna forma de vida que Morgoth pervirtió; probablemente algún tipo de reptil. El primer dragón de que se tiene noticia apareció hacia el año 260 de la Primera Edad, en la Batalla de la Llama Súbita. Su nombre era Glaurung y era un urulóki, es decir, un dragón de fuego. Se desconoce si realmente fue el primer dragón que existió (aunque es llamado Padre de los Dragones), pero desde luego fue el más famoso (o infame) de todos. Parece ser que no era simplemente una criatura pervertida, pues tenía raciocinio, y en el Saqueo de Nargothrond se dice por qué:

“Pero en ese momento salió Glaurung por las puertas abiertas y se interpuso entre Túrin y el puente. Entonces por el mal espíritu que lo habitaba habló de pronto y dijo: -Salve, hijo de Húrin. ¡Feliz encuentro!”

El Silmarillion, Pág. 254

Morgoth había colocado en él un espíritu de los que lo servían (un Maia menor, quizás) como hizo Sauron con los Licántropos. Tal vez fue ese el orígen de todos los Dragones, dado que mucho tiempo después, Smaug también era una criatura racional. O tal vez Glaurung, el Padre de los Dragones, adquiriera su capacidad de razonar del espíritu que lo habitaba, y los demás Gusanos simplemente heredaran esa característica.

2. ¿Cuántas clases de dragones existían?

Tres, todas criadas por Morgoth. Los Dragones de Fuego Alados, como Smaug; los Dragones de Fuego, o Urulóki, como Glaurung, que echaban fuego por la boca, pero no volaban; y los Dragones Fríos, que ni volaban ni echaban fuego.

3. ¿Tenían nombre los Dragones?

Pues sí. Tratándose de criaturas racionales, Morgoth decidió bautizarlos a su manera, y es de suponer que más adelante se bautizaron solos. Se conocen los nombres de unos pocos, los de más relevancia en la Historia de la Tierra Media:

- Glaurung: también llamado “el Dorado”, “el Gran Gusano” y “Padre de los Dragones”, un Urulóki.

- Ancalagon: llamado “el Negro”, un dragón de fuego alado, el mayor que nunca existió.

- Scatha: un Urulóki de las Ered Mithrim.

- Smaug: también llamado “el Tremendo” y “la Más Importante y la Más Grande de las Calamidades”, un dragón de fuego alado.

4. ¿Fueron de alguna utilidad los Dragones para Morgoth y/o Sauron?

La verdad es que sí. Glaurung asoló la llanura de Ard-Galen en 260 PE, aunque tuvo que retirarse a Angband, debido a que su piel aún no estaba preparada para resistir el acero de las flechas élficas. Su aparición en la Dagor Bragollach fue decisiva para ganar la batalla, así como en la Nirnaeth Arnoediad, en la que acaudilló a sus congéneres y aniquiló al ejército oriental de los Noldor. Después mató al señor enano Azaghâl, conquistó Nargothrond y hechizó a Túrin y a Nienor. Tal vez el dragón de más éxito (por así decirlo) de toda su estirpe. Los Urulóki intervinieron también en el Saqueo de Gondolin.

Los dragones de fuego alados no tuvieron tanta suerte. Aparecieron por vez primera en la Gran Batalla de la Guerra de la Cólera, en la que se enfrentaron a las Águilas de Manwë, pero fueron vencidos; el mayor de ellos, Ancalagon, se encaró con Eärendil, pero no pudo superarle y cayó sobre los picos de Thangorodrim, destruyéndolos. Una excepción, sin embargo, fue Smaug. Ocupó el reino enano de Erebor y costó mucho tiempo y vidas echarlo de allí. Por fortuna, pudo ser eliminado antes del regreso de Sauron a Mordor; de otro modo, podría haber causado problemas en la Guerra del Anillo.

Pero en la Tercera Edad, los Enanos fueron los que más sufrieron los ataques de los Dragones. El dragón Scatha asoló uno de los reinos enanos de las Montañas Grises en el siglo XXI y se instaló en él. Fue muerto por Fram de los Éothéod, quien fue muerto a su vez por los Enanos, que reclamaban el tesoro del dragón. Un dragón frío mató a Dáin I en 2589 TE. Los Dragones devoraron muchos de los tesoros de los Enanos, incluyendo a tres de los cuatro anillos que Sauron les había dado.

En general, los dragones causaron grandes estragos a los Pueblos Libres, aunque su limitación a territorios septentrionales, y sus debilidades (afición por las conversaciones intrincadas y agresividad incontrolada) les hicieron vulnerables ante sus enemigos. Es interesante hacer notar que sólo los Hombres eran capaces de acabar con los dragones; nadie más era lo bastante hábil, o lo bastante afortunado (Túrin>Glaurung, Eärendil>Ancalagon, Fram>Scatha y Bard>Smaug).

5. ¿Quedaban aún dragones en la Tierra Media tras la muerte de Smaug?

Sí. En ningún lugar se dice que Smaug fuese el último de su especie y no cabe duda de que Tolkien no habría dejado de mencionar un hecho de tanta relevancia, del mismo modo que se dijo de Glaurung que era el “Padre de los Dragones”, aparentemente el primero de todos ellos. Sin embargo, analicemos las evidencias de que disponemos.

Algunos han afirmado que no quedaban ya dragones en la Tierra Media durante la Guerra del Anillo, basándose principalmente en un comentario de Gandalf a Frodo:

“Se ha dicho que el fuego de los Dragones podía fundir y consumir los Anillos de Poder, pero no hay ahora ningún dragón que tenga ese fuego”.

La Comunidad del Anillo, Pág. 86

Es bastante claro que Gandalf no pretende decir que ya no quede ningún dragón, sino tan solo que ya ninguno de los que quedan, o puedan quedar, tiene el fuego necesario para fundir el Anillo Único. Tolkien apoya este punto de vista en una de sus cartas:

“Los dragones no se han detenido, pues permanecieron activos en épocas posteriores, muy cercanas a la nuestra. ¿He dicho algo que sugiriera el final de los dragones? Si es así, debe cambiarse. El único pasaje que se me ocurre es el del Vol.I: “... pero no hay ahora ningún dragón que tenga ese fuego”. Pero eso implica, me parece, que hay todavía dragones, aunque no en su plena estatura primitiva”.

JRR Tolkien-Cartas, Nº 144

Creo que no hacen falta más aclaraciones al respecto. Quizás los últimos dragones (pues es evidente que hoy ya no existen) fueron exterminados por los Hombres durante la Cuarta Edad, o bien acabaron por morir de hambre en los páramos del norte, carentes de la fuerza y el poder de sus antepasados.

6. ¿Cómo se originaba el fuego de los dragones?

Una buena pregunta. Una pregunta que se ha hecho mucha gente durante mucho tiempo, y que incluso va más allá de la obra de Tolkien. Es evidente que el interior de los dragones (hablaré de los Dragones, en general, aunque los Dragones Fríos de las Ered Mithrim no echaban fuego) era capaz de soportar altas temperaturas sin sufrir daño. Veamos primero cómo funcionaba el fuego de Glaurung:

“... y Glaurung lanzó todo su fuego contra las Puertas de Felagund, y las derribó y pasó adentro... y Glaurung rió una vez más, pues había cumplido la misión que le encomendaran. Entonces atendió a su propio placer, y descargó fuego alrededor y lo quemó todo”.

El Silmarillion, Págs. 254/255

“Pero Glaurung tenía conocimiento de todo cuanto hacían, y salió con el calor de la rabia, y se tendió en el río; y se alzaron entonces unos vastos vapores...”

El Silmarillion, Pág. 259

“Y (Glaurung) lo abrasó todo alrededor, y lo aplastó, dejándolo en ruinas, hasta que sus últimos fuegos se apagaron, y murió, y yació inmóvil”.

El Silmarillion, Pág. 265

Parece, pues, que el fuego de Glaurung se originaba en su interior[1], debido a su propio calor espontáneo, y que luego era capaz de expulsarlo violentamente, mediante la fuerza de sus potentes pulmones. Ese calor interno elevaba la temperatura del cuerpo del dragón, de modo que su simple contacto quemaba, como lo demuestra el hecho de que hiciera hervir las aguas del Narog sin necesidad de echar fuego. Pero ese calor se apagaba, claro está, si el dragón moría, debido a que su cuerpo se enfriaba. Los Urulóki eran, pues, termorreguladores, es decir, animales de sangre caliente. Veamos una descripción de los dragones de fuego que nos aclara este punto:

“... los (dragones) más fuertes tienen la sangre caliente y son muy pesados y avanzan lentamente y algunos arrojan llamaradas y entre sus escamas surgen lenguas de fuego...”

Cuentos Perdidos I, Pág. 126

Mi conclusión, pues, es que los dragones calentaban el aire de su respiración (y tal vez los objetos que consumían, como poneys, elfos, enanos o anillos) y creaban así fuego en su interior, probablemente en los pulmones, o en el estómago, o en ambos sitios. Luego retenían ese fuego hasta que consideraban necesario expulsarlo. No obstante, no podían incendiar todo su aire, pues se habrían ahogado; ni toda su comida, pues habrían muerto de hambre.

[1] Es decir, no respiraba fuego, como han sugerido algunos. Los dragones nunca respiraron ni se alimentaron de fuego, de otro modo, se habrían ahogado de no estar envueltos en llamas.

Otros Mundos: Maestros de lo Fantástico - Lord Dunsany

2009-10-16T23:15:00.000-03:00

En un decorado increíble, una fortaleza del siglo XII en el corazón de Ard-Righ, donde vivieron los antiguos reyes celtas, nace el 24 de julio de 1978 Edward John Moreton Drax Plunkett, hijo del Barón de Dunsany. Escritor anglo-irlandés, injustamente olvidado y casi desconocido para la lengua española; su nacimiento estuvo mezclado con el aire de fantasía y leyenda que después lo caracterizaría. Por pertenecer a una familia noble es enviado de pequeño a estudiar a Londres en el Eton College y luego a la Real Academia Militar de Sundhurts. En 1899, al morir su padre, hereda el título de Lord y se convierte en el XVIII Barón de Dunsany.

Termina la carrera militar y es enviado al frente de batalla en Sudáfrica, en la célebre Guerra de Bóer y luego, a la I Guerra Mundial, y aún siendo un escritor conocido y prolífico ya en ese momento, no reniega de lo que él creía una obligación. Era un hombre alto para su época, medía 1,80 m. y era un gran deportista, destacándose en criquet y tenis. No era elegante ni pretencioso en su vestir y llegó a tener el título del “hombre peor vestido de Irlanda”.

Su literatura está reñida de tradiciones populares, épica celta, el mundo elemental, exotismo oriental y elementos oníricos, eso da la idea de qué trata su obra. Se podría decir que es uno de los padres de la literatura fantástica y maravillosa, porque es el primero en usar estos temas más allá de los libros infantiles, convirtiéndolos en mundos verosímiles para los adultos.

De una belleza narrativa increíble, Lord Dunsany ha influenciado a muchos escritores que encontraron en su prosa la musa inspiradora que buscaban. Por ejemplo Robert Howard, Clark Ashton Smith, Sprague de Camp o Friz Leiber, sin contar dos casos que mencionaré en forma especial: uno es J.R.R. Tolkien, quien al leer La Hija del Rey de los Elfos (considerada la mejor novela de Dunsany) se inspira en Lizarel para crear la figura de Arwen y la personalidad general de sus elfos; y el cuento El Herrero de Wotton Mayor, que también tiene algunas alusiones a esa obra. Tal vez podría haber quedado en su memoria la palabra Hobith que en la saga de Los Dioses de Pagana, es uno de los hijos de Tribugie, el Señor Oscuro y encargado de “aplacar al perro”.

El otro caso es aún más famoso, se trata de H.P. Lovecraft; quien considera a Dunsany (así como a a Poe) sus ídolos literarios. A tal punto llega su admiración que deja su encierro para conocer al inglés cuando éste va a Boston en 1919 a dar una conferencia. Allí Lovecraft le lee un poema que había hecho especialmente para él y, si bien el poema no era muy bueno, Lord Dunsany hace gracia de su estilo inglés y lo alaba cortésmente. En una carta Lovecraft escribe: “están mis relatos relatos 'poescos' y mis relatos 'dunsanyanos' pero ¿dónde están mis relatos lovecraftianos? (…) Extraje la idea del panteón artificial y círculo mítico representado en Cthulu, en Yog Sothoth, etc., de Los Dunsany…”; en sus Cartas de Arkham escribe: “Realmente, Dunsany es el autor que más ha influido, junto con Poe. Su lenguaje es rico, su punto de vista cósmico, ese mundo de ensueño encerrado en él, y su exquisito sentido de lo fantástico, me fascina más que todo lo que ha producido la literatura moderna”. Y realmente no podemos tildar a Dunsany sólo de “literatura amable”, ya que en muchos de sus cuentos rondan el terror y los demonios oscuros dispuestos a saltar sobre el lector al dar vuelta la página. En un cuento póstumo, The fourth book of Jorkens, imagina a un médico que inventa una enfermedad para poder encontrar el remedio y enriquecerse de esa forma. La moraleja de la historia es terrible, el médico se contagia y muere sin haber hallado el remedio…

Era un incansable viajero, ya sea por las conferencias que daba o motivado por los parajes exóticos en los cuales respiraba su atmósfera para luego plasmarla en sus histrorias. Así repartía su vida entre Sevenoaks (Kent, Inglaterra), el Castillo Dunsany en Irlanda y viajes a África, India y a cuanto lugar desconocido pudiera llegar.

En 1941 acepta la Cátedra Byron de Lengua Inglesa en Atenas y debe ser sacado por la fuerza cuando los alemanes invaden Grecia. En 1943 da un ciclo de conferencias en el Trinity College de Dublin y en el '45 escribe una serie de ensayos sobre “El Futuro de la Civilización”, fuertemente inspirado en la II Guerra Mundial. Cuando estalla la bomba atómica en Hiroshima y Nagasaki él dice: “Creo que ayer empezó una nueva era… desde ahora somos un pueblo con una misión, una extraña misión, NO DESTRUIR EL MUNDO”.

Es que Dunsany era un amante de lo antiguo, las tradiciones y sobre todo la naturaleza, un árbol, un pájaro o una mariposa eran sus mejores musas. Por ese motivo es que mucho de su extensa producción tiene que ver con lo feérico, ya que él podía escuchar la música de los antiguos reinos encantados, el mensaje de los bosques o podía caminar los senderos del país de la magia. Es también por eso que todos los seres del Pequeño Reino de la Noche eran sus amigos, ya sean hadas, duendes, elfos o genios traviesos. Algo para tener en cuenta es que todas sus obras eran escritas con una pluma de oca para expresar su desacuerdo y desprecio por los avances técnicos de su época.

No sólo escribe prosa, también poemas y sobre todo obras de teatro, junto con Yeats su amigo personal, trabajan juntos para el éxito del Abbey Theater el primer Teatro Nacional Irlandés en Dublín. Por otro lado, viaja frecuentemente a Estados Unidos, donde ya es conocido y logra poner en escena las obras de su libro “Five Plays” con gran éxito y en representación simultánea en cinco teatros de Broadway. No contento con todo esto, también encuentra tiempo para traducir las Odas de Horacio y publicar unas 60 obras de lo más diversas.

Entre 1938 y 1945 publica una trilogía autobiográfica, (1938) Pedazos de Luz, (1944) Mientras las sirenas dormían, (1945) El velatorio de las sirenas.

Su vida se ve segada en forma tan rápida como sorpresiva, como un rayo en una tormenta. Mientras estaba en una cena familiar en su castillo de Irlanda sufre un fulminante ataque de apendicitis y nunca vuelve a recuperar el sentido después de la operación. Muere el 25 de Octubre de 1957 y es enterrado en Shorenham. Pero no me quiero quedar con esta imagen y les voy a citar un pequeño párrafo de un cuento suyo: Bethmoora, para que puedan disfrutar de lo hermoso de su narrativa:

“¡Qué recuerdos, qué fantasías se atropellan en nuestra mente! Una noche acaba de ser arrebatada a Londres por la mano hostil del tiempo. Un millón de cosas vulgares, envueltas por unas horas en el misterio, como mendigos vestidos de púrpura y sentados en sus tronos imponentes. Cuatro millones de seres dormidos, soñando tal vez. ¿En qué mundos han entrado? ¿A quién han visto? Pero mis pensamientos están muy lejos, en la soledad de Bethmoora, cuyas puertas laten en el silencio golpean y crujen al viento, pero nadie las oye, son de color cobre verde, muy bellas, pero nadie las ve. El viento del desierto vierte en sus goznes, pero nadie llega a suavizarlos”.

Bibliografía recomendada:

Prosa:

1905 Los Dioses de Pagana

1906 El Tiempo y los Dipses

1908 La Espada de Welleran

1909 La Puerta Reluciente

1910 Los Cuentos de Un Soñador

1916 Cuentos de Maravilla.

1924 La Hija del Rey de los Elfos

Poemas:

1929 Cincuenta Poemas

1938 Agua de Espejismo

1941 Poemas de Guerra

1949 Para Despertar a Pegaso

Otros Mundos: Memento [Cine]

2009-10-16T23:12:00.000-03:00

"Tengo que creer en un mundo fuera de mi propia mente. Tengo que creer que mis acciones todavía tienen significando... aún cuando yo no puedo recordarlas. Tengo que creer que cuando mis ojos están cerrados, el mundo todavía continúa allí." Tan solo en esta frase se puede apreciar el deseo del protagonista por seguir adelante pese a su condición de amnésico. Memento es una película donde la trama se centra en temas como la memoria, la identidad, el tiempo, la realidad, la confianza, la decisión y la manipulación. Nominada al Globo de Oro por Mejor Guión y a dos Óscar (por guión original y edición), cuenta también con 14 premios a Mejor Guión y más de 20 galardón a Dirección y Actuación.

El rol de director y guionista del film lo cumple Christopher Nolan (ahora más conocido por dirigir las últimas versiones de Batman); y en el caso de esta historia, se basa en un relato llamado Memento Mori (en latín, “Recuerda que eres mortal”), escrito por su hermano Jonathan. Aquí se relata la historia de Leonard, quien tras el asesinato de su esposa sufre un trauma cerebral que le imposibilita acceder a su memoria a corto plazo, y que le deja como último recuerdo la muerte de ella. Desde ese entonces es incapaz de memorizar sucesos recientes, pero sí posee memoria sensorial y sabe cómo realizar las acciones cotidianas. Para tener presente sus acciones, crea un método usando notas y fotos instantáneas en reemplazo de su memoria, con las cuales mantiene un registro de gente con la que se relaciona, dónde vive y demás elementos básicos para el desarrollo “normal” de su vida. Entre estas notas -que se las tatúa en su cuerpo junto con otras cosas importantes que necesita tener siempre presente-, se encuentran las pistas que lo van guiando hacia el asesino,

Una particularidad de la película reside en sus dos líneas temporales: una, que en vez de ser lineal va haciendo saltos hacia atrás en el tiempo, revelándonos según avanza la película, las causas de lo ya visto, en vez de las consecuencias. Y otra que presenta escenas en blanco y negro temporalmente ordenadas, que nos muestran al protagonista situado un par de días antes que las escenas a color. Ambas líneas se encuentran intercaladas a lo largo de la película. De esta manera el espectador se mete en la piel del protagonista, viendo (y viviendo) pequeños lapsos de la historia como si padeciera esa falta de memoria. Como consecuencia, al final de la película, se terminan acoplando los dos tiempos; y justamente es una fotografía la que une las escenas en blanco y negro (las que se mueven hacia delante) con las escenas a color (que se mueven hacia atrás).

Esta es una película de suspenso o thriller, donde no solamente la historia es la que crea el suspenso, sino también el orden en el que está contada. Con un magnífico trabajo de edición y diálogos muy logrados, las escenas en blanco y negro nos presentan un ambiente lleno de nostalgia y confusión. Además de la brillante actuación de Guy Pierce (La Máquina del Tiempo, El Conde de Montecristo), el elenco del film se completa con Carrie-Anne Moss (Matrix) y Joe Pantoliano (Los Soprano).

Memento es una cinta donde se aprecian variados aspectos de la vida humana y las decisiones que cada uno toma. Citando al protagonista: "Todos necesitamos espejos para recordarnos a nosotros mismos quienes somos. Yo no soy diferente." En efecto, Leonard necesita de sus tatuajes (que justamente están escritos al revés para poder ser leídos por él frente al espejo) a fin de conocer su pasado y así poder comprender su futuro y sus próximas acciones. Esa creencia ciega en las notas que se deja a sí mismo (aunque no recuerde ni por qué ni cuándo las escribió) nos muestra la importancia que le da el personaje a la palabra. Esto, bajo ciertas circunstancias, puede no ser algo del todo confiable, ya que él en algún momento podría llegar a influir en lo que quiere recordar. Todos estos dilemas hacen de Memento algo más que una muy buena película de suspenso, sino más bien un medio que nos invita a reflexionar sobre la importancia y el significado del recuerdo, ya que estos son una interpretación de nuestro pasado, no un registro fehaciente. De esta manera, hasta los recuerdos más vívidos pueden desvirtuarse.

Los Libros del Profesor: Árbol y Hoja

2009-10-16T23:11:00.002-03:00

Frase ¿Qué quiso decir?

2009-10-16T23:06:00.000-03:00

“-… he de estar prevenido (…) contra lo que parece más fácil. Contra la tentación de rechazar la carga que me ha sido impuesta. Contra… bueno, hay que decirlo: contra la confianza en la fuerza y la verdad de los Hombres…”

Esta frase se encuentra en uno de los puntos más importantes del Señor de los Anillos: la prueba que debe pasar Boromir ante la tentación del Anillo de poder de Sauron. Intento pensar cómo un hombre valiente, un verdadero guerrero, enemigo de lo Oscuro, sucumbió al fin; pero la “realidad” de la obra supera mis devaneos. El poder del Anillo penetra el corazón de Boromir y lo corrompe, hasta tal punto que ataca a Frodo, el amigo a quien había jurado proteger, para obtener el objeto por la fuerza.

La caída del héroe, es también el quiebre simbólico de la humanidad; débil y corrupta. Frodo, quien es atacado por Boromir, comprende esto por el terrible y noble destino que le ha tocado: destruir aquello que todos codician, el poder en sí mismo, que esconde -después de todo-, la destrucción. Es poder corrupto por el deseo de los hombres, el deseo de querer siempre más y tratar de conseguirlo a toda costa, aunque en eso se traicione a un amigo, o se mate a un inocente. El pequeño hobbit comprende la situación y decide alejarse de sus compañeros que pueden sucumbir; pero luego descubre que ya es tarde para Boromir.

Creo que deberíamos tener en cuenta esta mirada realista de parte de un escritor de literatura fantástica, como lo es Tolkien (más aún, aquellos que ven en este género sólo literatura de evasión), porque esta visión encierra un mensaje para todos aquellos sobrevivientes de las primeras décadas del siglo XX, sobrevivientes de la transformación del mundo por la revolución industrial, sobrevivientes de las dos guerras mundiales, y de mucho más. Tolkien, de alguna manera, exhorta a los hombres para que no sólo sean entes surcando los mismos desatinos del pasado, sino que se den a la reflexión (así como tuvo que hacer Frodo, entendiendo por fin el mal que producía el Anillo) a fin de crear en vez de destruir.

Otros Mundos: King Crimson - In the court of the crimson king

2009-10-16T22:53:00.001-03:00

Pocos discos han marcado historia, pero sin duda alguna, éste es uno de esos casos. Grabado en 1969, la importancia que reside en este disco escapa a su calidad musical, poseyendo el valor de ser no sólo el primer disco de King Crimson, sino también de ser considerado el puntapié inicial del rock progresivo.

La longeva existencia del grupo (alrededor de cuarenta años) hace arduo el trabajo de ilustrar en una breve reseña su notable aporte a la música, por lo que sólo me dedicaré en este apartado a sus primeros años.

Tras un frustrado intento de conformar un trío musical, el guitarrista Robert Fripp y el baterista Michael Giles recurrirían a la inclusión en un nuevo proyecto de Ian McDonald (instruido en diferentes tipos de instrumentos) en los teclados, y de Greg Lake tanto en la voz principal como en el bajo. Finalmente Peter Sinfield participaría desde el sintetizador, aunque su principal aporte se basaría en la profundidad lírica. La nueva formación haría presencia debutando en 1968, como banda telonera de los Rolling Stones en el Hyde Park. Tras la presentación de su álbum debut, realizarían su primera gira por Europa y Norteamérica.

Robert Fripp, Greg Lake y Peter Sinfield continuaron King Crimson momentáneamente como trío, grabando en 1970 su segundo disco, “In the Wake of Poseidon”, en el cual se incorporó al grupo el músico Mel Collins.

Abriendo un paréntesis se debe mencionar que la historia de King Crimson se caracterizaría por los constantes cambios de integrantes hasta la actualidad, manteniéndose Robert Fripp como única constante de sus formaciones. Llegaron a pasar a lo largo de sus cuarenta años de historia más de 18 músicos de distintas especialidades y enfoques, cambios manifiestos en el alcance compositivo del grupo.

Greg Lake abandonó la agrupación en abril debido al “carácter de caudillo” (palabras citadas del mismo Lake) de Fripp y a la constante imprevisión en cuanto a composición y elaboración de sus temas, desprovistos de una línea determinada. Lake pasaría a formar con Keith Emerson y Carl Palmer el trío progresivo “Emerson, Lake & Palmer”, dejando a King Crimson sin vocalista hasta que Gordon Haskell (quien ya había participado en el segundo disco) tomó ese lugar y también el de bajista para Lizard (1970). De esta manera sale el tercer álbum de la banda, identificado con la creciente corriente de jazz-rock.

En 1971 realizaron el cuarto álbum de la agrupación, Islands. Al concluir ese año Peter Sinfield abandonó el grupo, y entonces los miembros restantes realizaron en 1972 una nueva gira llamada Earthbound, con la plena intención de disolver la agrupación al término de ella. Poco después, con el material grabado de esa gira Fripp editó el disco Earthbound, su primer álbum en directo. Tras una nueva fuga de integrantes, Fripp se embarca en una búsqueda de reemplazos. El primer elegido fue el percusionista Jamie Muir, seguido por John Wetton (viejo de amigo de Fripp) como vocalista y bajista. El ex baterista de Yes, Bill Bruford, fue el siguiente elegido. Por último, David Cross fue seleccionado como ejecutante de viola, violín y teclado para reinventar el sonido de la nueva agrupación. Con esta formación se concretaría en 1972 “Larks' Tongues in Aspic”. Esta etapa de King Crimson se caracterizó por la influencia que recibió de la naciente música heavy metal que se desarrollaba principalmente en los Estados Unidos y en Gran Bretaña, deviniendo en un sonido más agresivo del grupo.

A finales de 1973, el grupo preparó su siguiente álbum grabado en conciertos, “Starless and Bible Black”, que estuvo concluido a principios de 1974, con sólo dos temas grabados en estudio (“The great deceiver” y “Lament”), otro de los temas fue sólo parcialmente grabado en estudio (“The night watch”) demostrando la capacidad de King Crimson para capturar la atmósfera y la energía de las presentaciones en vivo.

El disco

Pero he de volver al primero de sus trabajos, al cual pienso abocarme en este apartado: la conjunción de ritmos y estructuras tanto de la música clásica como del jazz (propio de los intereses de Robert Fripp), la experimentación musical, una pulida unión vocal-instrumental, la inmersión capaz de generar en el oyente son signos distintivos de creatividad y talento. En este disco se nos presenta una soberbia unión instrumental demostrada en el empleo total del mellotron (ya introducido años antes por los Beatles), la batería, la guitarra y el bajo, a lo largo de complejos temas, tanto en la confección premeditada como en la improvisación. He aquí una joya de la música.

Los temas

1. 21st century schizoid man: muestra fehaciente de su potencial para conjugar el hard-rock con el jazz; dando a lugar al trabajo más poderoso del grupo. La distorsión marca el frenético impulso con el que han de avanzar los instrumentos hasta llegar a un desenfreno de improvisación notablemente coordinada. En su cruda poesía se nos he mostrado un enfoque pesimista de la una naturaleza humana cargada de violencia, acorde a un contexto signado por conflictos como la guerra de Vietnam.

2. I talk to the wind: como contraparte al primer tema se nos he presentado esta delicada composición, de aire afligido y existencial, el lado sinfónico del grupo. El notable trabajo vocal de Belew es acompañado por una lastimera y bellísima flauta, con el notable aunque furtivo aporte rítmico de la batería.

3. Epitaph: he aquí cómo se llega al clímax del disco, expresado por el desconsuelo y rigor sinfónico que acompañan a esta muestra clara de virtuosismo poético.

4. Moonchild: Psicodelia, jazz y poesía melancólica se combinan en esta balada experimental, induciendo al oyente en un hipnótico y melodioso letargo para luego proceder en un sereno divague instrumental.

5. The court of the crimson king: es con este himno del grupo con el que finaliza el disco; donde la alternancia entre el narrador y la majestuosa demostración coral nos conducen ante un imponente aunque afligido escenario medieval. La sinfonía y el trabajo de vientos entran en contraposición con el constante golpetear rítmico de la batería (aquí más propia del hard-rock), demostrando la mixtura característica del grupo.

Integrantes (1969)

Robert Fripp: guitarra.

Greg Lake: bajo, voz líder.

Ian McDonald: teclados, flauta, clarinete, saxofón, mellotron, coros.

Michael Giles: batería, percusión, coros.

Peter Sinfield: letras.

Barry Godber: ilustración, arte de tapa.

Formación actual

Robert Fripp: guitarra, piano eléctrico, teclado, mellotron.

Adrian Belew: guitarra, voz.

Tony Levin: bajo, chapman stick, backing vocals

Pat Mastelotto: batería, percusiones.

Gavin Harrison: batería.

Bebé Nazgûl, por Uroboros

2009-10-16T19:24:00.003-03:00

Otros Mundos: Apocalyptica - Inquisition Symphony

2009-10-16T19:21:00.002-03:00

Muchas veces hemos presenciado el giro de géneros musicales como el rock o el metal hacia los instrumentos clásicos, desembocando a veces en memorables resultados o por el contrario- en una experiencia a olvidar. Desde los ya conocidos Unplugged hasta el acompañamiento y arreglos orquestales de los temas.

En medio de esa diversidad, encontramos una banda que lleva la adaptación a un nivel completamente diferente, al interpretar su música usando cuatro cellos con distorsión (a veces acompañados de una batería).

Apocalyptica se formó en 1992 en la academia de música clásica Sibelius de Helsinki en Finlandia bajo el nombre de Cello House Band, cuando cuatro amigos hacían covers de sus bandas favoritas sólo por diversión, pero con la diferencia de que los tocaban con sus cellos. Al principio solo tocaban en fiestas, campamentos y frente a sus amigos pero luego empezaron a tocar en clubes

En 1995 tocaron en el Teatro Heavy Metal Club y Kari Hynninen, un representante de Zen Garden, los invitó a grabar un disco. Como la mayoría de sus covers eran de Metallica decidieron grabar el disco exclusivamente con canciones de ellos. Así, en 1996 bajo el nombre de Apocalyptica (fusión de Apocalypse y Metallica) surgió Plays Metallica by Four Cellos, el cual vendió millones de copias alrededor del mundo. Ese mismo año, el 18 y 19 de Noviembre, abrieron para Metallica durante sus dos conciertos en Helsinki.

“Inquisition Symphony” es el segundo álbum de los seis que ya se adjudica esta banda y contiene covers de Faith No More, Metallica, Sepultura, Pantera, además de tres temas originales. Al principio resulta algo chocante, pues al no tener acompañamiento de batería parece perderse algo del ritmo característico de los grupos mencionados. Si nunca se ha escuchado la banda, la primera sorpresa llega al reconocer los acordes de “For whom the bell tolls”. Pero la joya del álbum (a mi parecer, al menos) es “Nothing else matters”, primero por haber desarrollado ritmos y sonidos más acordes a los instrumentos con los que se desempeñan, respetando al cien por ciento el espíritu del tema; y segundo por una interpretación impecable, además de ser un clásico del género.

Ésta es la lista de Temas que contiene el disco, junto con sus autores originales.

"Harmageddon" [Propio]
"From Out of Nowhere" [Faith no more]
"For Whom the Bell Tolls" [Metallica]
"Nothing Else Matters" [Metallica]
"Refuse/Resist" [Sepultura]
"M.B." [Propio]
"Inquisition Symphony" [Seputltura]
"Fade to Black" [Metallica]
"Domination" [Pantera]
"Toreador" [Propio]
"One" [Metallica]

Cuarenta y seis minutos con cuarenta y tres segundos de metal a toda máquina.

Se puede visitar el canal oficial de la banda a través de http://www.youtube.com/apocalypticavideos donde se aprecia realmente la potencia que desarrolla la banda en su puesta en escena, y donde vuelvo a recomendarles: busquen el video “Nothing else Matters”.

Poesía: Romance en los Puertos Grises

2009-10-16T19:18:00.000-03:00

¿Bostezan los Puertos Grises

o sangran rojos desmayos?

No lo sé. Mañana o tarde,

Ellos vienen, cabizbajos.

Ahoga la luz el agua,

Triste partida anunciando.

Señala Elrond la nave,

Despedida, impío hado.

El incógnito, la tierra

De los primigenios Valar

Aguarda un tiempo sin tiempo

¿Cómo postrer estirar

aquel último momento?

¿Con qué mirada mirar,

qué decir o no decir;

cuántas lágrimas llorar,

con qué abrazo despedir?

“No los dejo porque quiero”

– Frodo en un susurro habló –

– “Perpetua herida, perenne

cual el pasado que huyó,

cual tenaz enredadera

mantiene mi alma quebrada.

Querido Sam, he aquí el Libro,

Heredero, amigo mío

Impaciente espera el mar.

Un abrazo. No hay olvido,

Merry, Pippin. No hay lugar

Para una frágil memoria.

Sólo se olvida a quien nunca

En realidad hemos querido

Con un corazón que aflora”

“He de partir. La hora llega

de aquel don tan bienamado,

de la Valinor sagrada,

de la augusta Avallone,

del amor eternizado.

No llores, Sam. No los dejo

Porque quiero. Adiós adiós

A La Comarca. Mi voz

No responde ya, embargada

Las lágrimas la han quebrado.

Una última mirada

Y un último “hasta siempre”

Al abordar su destino

Caminó envuelto en su paz,

De su aura feliz bondad.

Se callan los Puertos Grises.

Frodo se va. Lleva el halo

De la luz sobre la sien.

Palidece, Sam, tu alma

Como el otoño envejece.

Zarpa el adiós. Es la nave

Rumbo al mar, al cielo bueno,

Rumbo a Eru, único y uno

Rumbo al sol, rumbo al silencio,

Rumbo al tiempo que no vuelve.

Otros Mundos: Macross [Animé]

2009-10-16T19:14:00.001-03:00

El fenómeno Macross comenzó el 3 de octubre de 1982 cuando el mundo conoció una serie llamada The Super Dimension Fortress Macross desarrollada por los Estudios de Animación Nue donde Shouji Kawamori (su creador) logró conjugar una historia de amor en forma paralela a una historia de guerra.

La historia transcurre en 1999 cuando una nave extraterrestre cae en la pequeña isla de Ataría del Sur, en el Océano Pacifico. Ante la amenaza de una invasión alienígena, la humanidad se une finalmente bajo un solo régimen: Gobierno de las Naciones Unidas (United Nations Government) y de la misma forma se crea una rama militar para afrontar al posible enemigo del espacio: la UN Spacy. La Nave extraterrestre es declarada propiedad del Nuevo Gobierno, a la vez que se emprende el proyecto de reconstruirla. Sin embargo, en el día de su despegue, la nave es atacada y se ve obligada - junto con los habitantes de la ciudad- a dejar el planeta. Así empieza la lucha de los habitantes de Macross por su supervivencia, lejos de su hogar, en medio de una guerra contra una raza altamente avanzada llamada Zentradi.

A pesar de un trasfondo netamente ficticio, Macross consigue establecer una historia que mantiene al espectador dentro de un entorno realista y trágico donde se narra la vida de personas comunes atrapadas en grandes eventos: una mesera de origen chino que se convierte en una cantante ídolo, un piloto de un circo aéreo que se enlista por amor y se transforma en un líder de un escuadrón de robots, o una oficial militar altamente responsable y fría, que se vuelve una figura romántica que marcará a una generación.

El triángulo amoroso entre el piloto de guerra Ichijo Hikaru, la primera oficial de la nave -Hayase Misa- y Minmay Lynn, la cantante ídolo; la compleja historia sobre la confrontación bélica entre la humanidad y los invasores, junto a un diseño impecable de naves de combate basado en tecnología extraterrestre, convirtieron a la serie en un éxito inmenso.

Este peculiar contexto amoroso como escenario, es único en toda la animación japonesa. Mas no es sólo esto lo que hace a la esencia de Macross, sino también un gran legado musical, una guerra galáctica y una proyección de mecha que se ha convertido en un símbolo generacional.

Fue la serie que consolidó el género llamado "Space Opera", logrando a su vez establecer un nuevo género llamado "Real Mecha". Del mismo modo, creó su propio perfil al haber abordado dentro de su historia, situaciones y personajes que -en su tiempo- fueron los pioneros en una industria que se encontraba en su mejor momento.

Luego de haber conseguido el éxito, Super Dimension Fortress Macross terminó su emisión en Japón el 26 de junio de 1983. Le siguieron una película en 1984: Macross, Do you remember love?, y a modo de despedida el clip Flashback 2012 con el cual en 1987, se dio por finalizada esta línea de la historia. No obstante, luego vendrían las diversas secuelas, siempre en torno a las naves de combate y por sobre todo, al amor, que seguirían hasta el presente.

La épica historia de la fortaleza Macross se convirtió en un referente a nivel mundial en el mundo del anime. Hoy, más de 25 años después de su emisión original, sigue vigente. Seguramente por demostrar que los sentimientos son parte fundamental de la vida, a la vez que transmite un mensaje en contra de la guerra, señalando que hay mejores alternativas a la violencia, y que la música, o la presencia de una sola persona, sí pueden hacer la diferencia.

Secuelas

Super Dimension Fortress Macross - 36 episodios emitidos entre 1982 y 1983.

Macross: Do you remember love? - La aclamada película es una manera condensada y diferente de ver la serie anterior. Dura casi 2 horas y fue emitida en 1984.

Macross: Flashback 2012 - Videoclip de 30 min, emitido en 1987.

Macross 2: Lovers again - Serie de 6 ovas, emitida en 1992. Debido a que fue la única saga no realizada con la animación del Estudio Nue, no forma parte de la línea de tiempo oficial, sino como una historia paralela.

Macross Plus - Serie de 4 ovas de 35 min, fue el retorno de Estudio Nue y Kawamori al staff de Macross. Salio en 1994

Macross 7 - La serie que esperaron los seguidores por más de 11 años. Fueron 49 episodios, emitidos por TV entre 1994 y 1995, a la cual se le agregan 2 ovas llamados Encore (1995) y luego una miniserie de ovas llamada Dynamite 7 (4 ovas de más de 35 minutos, que salieron entre diciembre de 1997 y agosto de 1998).

Macross Zero - 5 ovas de casi 40 minutos cada uno, de una animación impecable y cuentan una historia previa a la serie original (2002-2004).

Macross Frontier: Fue creada para conmemorar el 25º aniversario. Esta serie sigue la cronología original y se esta emitiendo actualmente en Japón.

Artes Visuales: Fotografía - Man Ray

2009-10-16T18:53:00.001-03:00

Su verdadero nombre era Emmanuel Radnitzky. Nació en 1890 en Filadelfia (Estados Unidos) de familia judía, su padre era de Kiev, Ucrania y su madre de Minsk, Bielorrusia. Su familia se traslada a Nueva York en 1897.

Man Ray comenzó a ocuparse del arte en el marco de cursos nocturnos ofrecidos por diversas escuelas, entre las cuales se cuenta la “Escuela Nacional de Diseño de Nueva York”. De 1908 a 1912 estudió dibujo en el “Centro Social Francisco Ferrer” de Nueva York. Desde 1911, trabajó como pintor y escultor independiente. Fue uno de los primeros pintores abstractos de los Estados Unidos de Norteamérica y tuvo estrechos contactos con la vanguardia artística europea.

A partir de 1915 se ocupó también de la fotografía y dio comienzo a sus actividades como fotógrafo independiente, pintor y realizador de filmes. En 1917 le tocó ser co-fundador de la sección dada de Nueva York. En 1921 se instaló en París y tomó contacto con el grupo surrealista, con el que colaboró estrechamente durante los años siguientes. Junto a sus actividades artísticas propias, realizó frecuentemente trabajos por encargo, particularmente retratos y fotografías de moda. Después de la entrada de las tropas alemanas en París, retornó a los EEUU en 1940 y residió hasta 1950 en Hollywood, donde enseñó pintura y arte de la fotografía. Sólo regresó a París en 1951, para residir allí hasta su muerte.

Man Ray está considerado como uno de los grandes pioneros de la fotografía contemporánea. El carácter precursor de sus fotografías se revela especialmente en el campo de la experimentación. Ray desarrolló con Lee Miller el procedimiento de la solarización, aplicándolo no sólo al retrato, sino también a la fotografía de desnudo. Con sus “radiografías” dio también un impulso muy importante a la fotografía sin cámara.

Gracias a su amistad con los grandes artistas de vanguardia de su época, Ray abrió camino para el reconocimiento de la fotografía como género artístico. Man Ray es uno de los primeros artistas cuya obra fotográfica resultó mucho más apreciada por el mundo del arte que su obra pictórica o su obra escultórica.

Otros Mundos: Maestros de lo Fantástico - Henry Rider Haggard

2009-10-16T18:49:00.000-03:00

H.R. Haggard es un autor casi olvidado, del que casi nadie recuerda su nombre aunque sí algunos de sus personajes o de sus libros. Nació en Norfolk, el 22 de Junio de 1856 y fue el octavo de diez hermanos. Su padre, William Haggard, era un clásico terrateniente inglés del siglo XIX.

De pequeño no parecía tener inclinación literaria; más bien seguía la línea del padre, aprendiendo a cazar y cabalgar por la finca. Y si bien éste se manejaba como un autoritario y bondadoso patriarca, era siempre nivelado por su esposa Ella Doverton -mujer sensible y amorosa con sus hijos, amante de la poesía y la música-, que escribía versos e intentaba introducir un clima intelectual en su vida cotidiana.

Como sucede frecuentemente con personalidades que luego brillan en las artes, los estudios de Henry no fueron espectaculares. Aprendió a leer con su hermana, luego fue a un colegio de Londres, pero no logró llegar ni a Oxford ni a Cambridge, así que entró en el Grammar School (una especie de secundario común), donde se destacó por su habilidad de hacer versos latinos, a la manera de Horacio y Virgilio.

Luego empezó una carrera diplomática y acompañó a su vecino, Sir Bulwer, que había sido nombrado gobernador de Natal, África, como secretario. Así es como, a los 19 años, le cambiaría la vida. En su casa era tildado de tonto y torpe, y su madre solía decir que era “más pesado que el plomo, tanto en cuerpo como en espíritu”. Fue África la que transformó su vida, al comenzar a estudiar la vida de los nativos a la par de su tarea administrativa. Cuatro años vivió allí y asistió a una celebración Zulú, que lo inspiraría a escribir un artículo llamado Danza Guerrera Zulú -el cual se publicó en la Gentleman’s Magazine de Julio de 1877 y gustó mucho por su vigor descriptivo-.

A los 21 años fue nombrado Secretario del Tribunal Supremo Pretoria de Transvaal, pero un problema político del momento le hizo alejarse del cargo. Es entonces cuando comienza su improductiva búsqueda comercial-aventurera. Realiza sus primeros escritos y crea su personaje más famoso: Allan Quatermain, un cazador (su alter-ego) que sería protagonista de Las Minas del Rey Salomón (escrito en un mes e inspirado en La Isla del Tesoro, de R. Louis Stevenson). Su libro se convirtió en un éxito tan grande que comenzó a escribir otras novelas. Era increíble la rapidez con la que empezaba una novela y la terminaba, ¡llegando a escribir tres en un año!

En 1888 muere su padre y dos años después, su madre. Esto, sumado a la bancarrota y a una mala salud, lo sumen en una depresión y aislamiento totales. Es en este momento cuando escribe aún más. Al total de su vida, que termina el 14 de Mayo de 1925, había publicado más de setenta novelas y escrito muchos artículos para revistas especializadas.

Sus relatos nos muestran comarcas lejanas y desconocidas civilizaciones perdidas, en donde el mito del héroe está bien marcado, así como el viaje y el eterno retorno (como en Ella y en Ayesha). Escritas con la belleza y el detalle del Romanticismo, cada página sumerge al lector en un mundo tan incomprensible como maravilloso, del que le costará salir, aún después de haber llegado al final.

Algo interesante, es como en sus libros aparecen destellos del futuro. En Ayesha, el personaje proyecta sobre un espejo de agua las imágenes que recibe a la distancia o que recoge de su interlocutor. Mucho de telepatía y un vislumbre de lo que sería mucho después, el cine.

Lo más destacado para leer son todas las aventuras y libros de Allan Quatermain, El Anillo de la Reina de Saba, Beatriz, Cleopatra, La Hija de Moctezuma, y, por supuesto, Ella. El asesor literario Andrew Lang, dijo de esa obra que era “la novela más extraordinaria que jamás había leído”. Esto se puede extender a la segunda parte: Ayesha: El Regreso de Ella. Quizás no sean las novelas más extraordinarias, pero sí los relatos más fascinantes de toda la literatura de aventuras, digno de figurar entre los libros que no sólo entretienen, sino que expanden la imaginación hacia el misterio y la belleza. Lo cual no es poco en un mundo que suele hacer del gris cotidiano una virtud. Tener la posibilidad de viajar con un poco de buena literatura, siempre nos ayuda a expandir los horizontes.

Otros Mundos: Closer [Cine]

2009-10-16T18:46:00.001-03:00

Cuandos los círculos de una relación se estrechan suele pasar a veces que el aire que los cubre se vicia, los intérpretes se desubican y los argumentos empiezan a girar sobre sí mismos. Si los sentimientos cambian de rumbo con facilidad es porque quizá nunca aprendemos que no somos dueños de ellos, y que obedecen un patrón más abierto que el de la fidelidad o el juramento eterno. Con una argumento en principio tan contemporáneo sobre la mesa el veterano Mike Nichols ha realizado, tras su paso por la televisión, una película que discurre a cuatro bandas, en cuatro caras, sobre las relaciones de amor a primera vista. Basada en una pieza teatral de Patrick Marber, guionista de la película, la acción se sitúa en el Londres contemporáneo. Allí los personajes comparten sus vidas con el azar como motor principal y Cupido como enigma de presentación. Irresistible, caprichoso, sincero pero desleal, el amor que surge de sus flechas es tan eficaz que los personajes se entremezclan y se arremolinan en un espinoso juego de seducción y deseo. Podríamos decir que se trata de una película de actores, con unos diálogos muy bien escritos, llenos de contrapuntos inteligentes y chispas de humor ácido, pero si hay que destacar algo, por encima de todo, es Natalie Portman que, al igual que la caricatura de Carmona y Caballero, supera a su ponente, Julia Roberts, en altura moral que no física. Igualmente ocurre entre los hombres, quizá un poco más equilibrado: Clive Owen, ganador del Globo de Oro gracias a este papel, interpreta a un dermatólogo visceral y primitivo en contraposición a un Jude Law sofisticado, mimado y nihilista. Con una estructura que se desarrolla gracias a un certero uso de la elipsis, y con unos giros argumentales muy bien utilizados, podemos decir que "Closer" es una película buena, aunque dude, al igual que sus personajes, entre el cine de autor y el comercial, apostando quizá por el primero sin desmarcarse del segundo, y eso a veces le pase factura, pero sin hacer feos a ningún bando, que conste.

Glosario: Armas con nombre propio en la obra de Tolkien

2009-10-16T18:45:00.001-03:00

En esta tercera entrega, hablaremos de algunas “armas enemigas”, que tuvieron tanto protagonismo como las mencionadas en ediciones anteriores. También haremos una breve referencia a armas que, si bien no tienen un “nombre propio”, sí tienen ciertas características especiales dignas de ser señaladas.

Como es de suponer, no sólo los Elfos, Hombres y Hobbits daban nombres a sus armas. Por lo que encontramos en algunos escritos, también lo hacían los Valar, como es el caso de Morgoth, cuya maza se llamaba Grond, conocida también como "El Martillo de los Mundos Subterráneos". Su nombre significa simplemente "maza" o "porra". En el enfrentamiento singular que tuvo con Fingolfin, Morgoth “hacía caer a Grond como un rayo de tormenta”. Pero cada vez que intentaba herir a Fingolfin, éste le esquivaba, mientras que Grond abría profundos agujeros en la tierra. Con uno de estos boquetes hechos con Grond descargando la furia de Morgoth, tropezó finalmente el exhausto Fingolfin, y así fue como Morgoth le puso fin a su vida.

Posteriormente, durante la Guerra del Anillo, se construyó en las fraguas de Mordor un gran ariete. Se trataba de un gran árbol de alrededor de 30 metros de longitud, dispuesto sobre fuertes cadenas, y en cuyo extremo se había colocado una cabeza con la forma de un lobo enfurecido, hecha de acero negro.

Este ariete fue utilizado en el asedio a Minas Tirith y para trasladarlo se necesitaron varias bestias que, según el contexto, podríamos suponer que se trataba de Mûmakil. El ariete era custodiado por orcos y lo manejaban grandes Trolls de las Montañas. Gracias a éste y al poderoso grito del Rey Brujo, las fuerzas de Mordor lograron romper, al tercer golpe, las Puertas de Minas Tirith, infranqueables hasta aquel momento a los enemigos. El nombre de Grond le fue dado en honor al gran martillo de Morgoth.

Por último, encontramos algunas otras armas "mágicas", que, aunque carecen de nombre propio conocido, también se hicieron famosas. Entre éstas están las armas de los Nazgûl, los nueve servidores de Sauron, y, en concreto, el puñal de Morgul con el que El Rey Brujo intenta atravesar el corazón de Frodo. Se trataba de “un cuchillo largo y delgado y cuya hoja tenía un brillo frío” y que, cuando Aragorn lo toma ante la luz creciente del día, la hoja comienza a fundirse y desvanecerse en el aire como una humareda. La empuñadura, tal y como dice Glorfindel, tenía inscripciones malvadas, invisibles a los ojos de simples mortales y una herida con el puñal era capaz de hacer pasar a un mortal al mundo de las Sombras. Su daño maléfico sólo podía ser curado por unos pocos, como fue, afortunadamente para Frodo, el caso de Elrond.

También parecían tener ciertos “poderes especiales" las armas de los Tumularios, que Tom Bombadil ofrece a los Hobbits después del desagradable episodio dentro del túmulo. Se trataba de dagas, largas y afiladas, “talladas con figuras de serpientes doradas y rojas”. Las hojas estaban alojadas en vainas negras, hechas de algún “raro metal fuerte y liviano, y con incrustaciones de piedras refulgentes”. Estas armas habían sido forjadas mucho tiempo atrás, tal y como contó Tom Bombadil a los Hobbits, “por los hombres de Oesternesse; eran enemigos del Señor Oscuro, pero habían sido vencidos por el malvado rey de Garn Düm en la Tierra de Angmar”. A pesar de los años pasados desde su fabricación, “ya fuese por alguna virtud de estas vainas o por el hechizo que pesaba en el túmulo, parecía que las hojas no hubiesen sido tocadas por el tiempo sin manchas de herrumbre, afiladas, brillantes al sol”. Y fue una de estas espadas la que Merry le clavó al Rey Brujo en “el tendón detrás de la poderosa rodilla”, lo que hizo que el Nazgûl se tambaleara y cayera de bruces. En ese momento, Éowyn hundió su espada entre la corona y el manto que cubría al Rey Brujo y éste fue su fin.

Y, por último, me gustaría hacer una referencia a la Flecha Negra de Bardo, con la que consigue matar a Smaug. Se trataba, también en este caso, de una flecha "especial", que nunca erraba su blanco y siempre era recuperada por su dueño. Era una herencia familiar, que a Bardo le fue transmitida por su padre, al igual que éste la había recibido del suyo. El origen de esta flecha, podemos entreverlo en las propias palabras de Bardo, en las que nos sugiere que fuera forjada en la “fragua del verdadero Rey bajo la Montaña”, justo antes de encomendarla a cumplir su última gran hazaña.

Frase ¿qué quiso decir?

2009-10-16T18:43:00.000-03:00

“Pero el alba es breve y a menudo el pleno día desmiente la promesa de la primera luz; y se acercaba el tiempo de las grandes guerras de los poderes del norte, cuando Noldor, Sindar y Hombres luchaban contra las huestes de Morgoth Bauglir, y así se arruinaron”

Este fragmento podría catalogarse de pesimista, algo inusitado para lo que generalmente se transmite al leer las páginas escritas por Tolkien. Podría pensarse que se debe a todo el carácter del libro en que se inscribe, el Silmarillon, cuyos matices son un tanto más trágicos que otras obras.

La idea de luz esta muy presente en la literatura del profesor de Oxford, reflejando la beatitud y belleza, lo bueno del mundo; como se observa en la frase citada, hay un pesimismo al anunciar que el alba, metáfora de nacimiento y fortaleza, se ve fraguada por acontecimientos venideros que la mellan y diseminan la semilla de la oscuridad, que corrompe las cosas. Las guerras, muy significativas para Tolkien, marcarían esa oscuridad, así como también la figura de Morgoth, el enemigo portador de las sombras para las razas de la Tierra Media.

Pero también subyace aquí la lucha contra las tinieblas. Si bien de estas guerras deviene la ruina de la belleza primera de las razas, la valentía que sostiene y tal vez lleve a la derrota a los pueblos decididos a enfrentar a Morgoth (La Oscuridad), es lo que permitirá seguir manteniendo viva la luz, aunque mellada y cambiada, luz al fin, esperanza para las generaciones futuras.

Tol-quién?

2009-10-16T18:38:00.002-03:00

Hoy pretendo entrar en un tema bien personal. Es sabido por casi todos que Tolkien era muy católico, que se enamoró siendo un jovencito, que el comienzo de su noviazgo fue difícil, que tuvo que separarse de la persona amada, pero nunca del deseo de estar para siempre con ella y así fue ¡lo logró! También se sabe que estudió, se recibió y volvió a buscarla, a ella, su gran amor, su musa inspiradora. Que se casó, que ni la guerra los separó -ya que fue al frente de batalla y volvió- que tuvo hijos, pero… ¿qué pensaba del matrimonio y el amor este hombre, tema que tuvo tan claro en su vida? ¿Cómo pasaría esta enseñanza a sus hijos?

En una carta (bastante extensa) del 6 de Marzo de 1941 le escribe a su hijo Michael:

“El trato de un hombre con las mujeres puede ser puramente físico -en realidad, ello no es posible, por supuesto: pero quiero decir que puede negarse a tener otras cosas en cuenta, con gran daño para su alma (y su cuerpo) y también para los de ellas-; o «amistoso»; o puede ser un «amante» (comprometiendo y mezclando todos sus afectos y potencias de mente y cuerpo en una compleja emoción poderosamente coloreada y animada por el «sexo»). Ésta es una palabra desvalorizada. La confusión del instinto sexual es uno de los principales síntomas de la Caída.”

Aquí podemos apreciar que Tolkien no estaba de acuerdo con una parte sexual que no estuviera ligada al amor verdadero. Sin embargo, es totalmente consciente de su existencia y de los peligros de “caer en su trampa”. Continúa diciendo:

“…¿La «amistad» entonces? En este mundo caído la «amistad» que tendría que ser posible entre todos los seres humanos es virtualmente imposible entre hombre y mujer. El diablo es infinitamente engañoso, y el sexo es su tema favorito. Es tan hábil para atraparte mediante motivaciones generosas, románticas o tiernas como mediante otras de naturaleza más baja y animal. Esta «amistad» ha sido intentada con frecuencia: una parte o la otra casi siempre fracasa. Más tarde en la vida, cuando el sexo se enfría, puede ser posible. Puede ocurrir entre santos. Entre la gente ordinaria rara vez se produce: dos mentes que tienen realmente una afinidad primordialmente mental y espiritual pueden residir por accidente en un cuerpo masculino y en un cuerpo femenino, y sin embargo desear y lograr una «amistad» del todo independiente del sexo. Pero nadie puede contar con ello. Una parte o la otra casi con toda seguridad traicionará «enamorándose»…"

Observen qué interesante cómo su obra, de alguna manera (aunque él lo niegue), está teñida de estos conceptos, ya que le atribuye la atracción puramente sexual a la “Caída” y el amor más noble y puro a los seres que no fueron contaminados con ella. Se ve bastante parecido a cómo Tolkien describe el amor en las razas de la Tierra Media: entre los primeros elfos el amor era más puro y espiritual que entre los hombres (ni qué hablar de su identificación con Beren y Luthien), y así será a través de las edades. No se trata de bondad o maldad, de nobleza o cobardía, tiene incidencia directa en cuánta “contaminación de la Caída” tenga cada raza.

La carta es verdaderamente larga. ¡No sé qué pensaría cada uno si su padre le envía una carta habla de la relación hombre-mujer de unas diez carillas! Asimismo, hay partes que quiero seguir destacando. Continúa hablando de la idea que impuso la religión, de la castidad de la mujer y la autonegación del hombre como paliativo al diablo y cómo marcó toda la sociedad. Voy a citar un párrafo que me dejó con la boca abierta por el tipo de concepto personal q pone en él:

“Por tanto, produce todavía en los que retienen algún vestigio de cristianismo lo que se considera el más alto ideal de amor entre el hombre y la mujer. Sin embargo, aun así considero que tiene sus riesgos. No es del todo verdadero y tampoco es del todo «teo-céntrico». Evita, o cuando menos en el pasado ha evitado, que el hombre joven vea a las mujeres tal como son: como compañeras de naufragio, no como estrellas conductoras. (Uno de los resultados es que el nombre joven se vuelve cínico con la observación de la realidad.) Olvida los deseos, las necesidades y las tentaciones que ellas tienen. […]Una de las consecuencias de esto es que los jóvenes busquen un «amor» que los mantenga siempre abrigados y confortables en un mundo frío, sin esfuerzo alguno de su parte […]Las mujeres, a decir verdad, no tienen mucha parte en esto, aunque; suelen utilizar el lenguaje del amor romántico, pues está muy entrelazado con todos nuestros usos idiomáticos.”

¿Qué tal? Después habla de que la mujer suele enamorarse realmente del hombre, puede idealizarlo, necesitar alguien que la guíe y, en última instancia, siempre creerá que puede cambiarlo, mejorarlo o redimirlo. Y aclara que las mujeres

“…cuando no están corrompidas son por instinto monógamas. Los hombres no lo son .... Es en vano fingirlo. Sencillamente no lo son según su naturaleza animal.”

Es interesante cómo más adelante dice que para los hombres, la monogamia es una cuestión de fe y no de la carne, y que un hombre de 30 años podría engendrar saludablemente algunos centenares de hijos sin dejar de gozar en el proceso, para terminar ese párrafo diciendo:

“Éste es un mundo caído, y no hay consonancia entre nuestros cuerpos, nuestras mentes y nuestras almas.”

¡Un verdadero genio! Poder poner en palabras concretas todo un tratado de relaciones íntimas para mandárselo en una carta a un hijo. No es algo que se vea todos los días y menos con la amplitud de conceptos que encierra; ya que pone todo lo que puede ser, esté él de acuerdo o no, ya que en una parte aclara:

“Me enamoré de tu madre aproximadamente a los 18 años. De manera del todo genuina, como ha quedado demostrado, aunque, por supuesto, defectos de carácter y temperamento han sido causa de que a menudo cayera por debajo del ideal con que había empezado.”

Es decir que aún y a pesar de la Caída, el amor es posible. Y voy a terminar con el final de la carta después de contarle a su hijo cosas personales, tanto íntimas como mundanas de su vida matrimonial, le deja este legado:

“Desde la oscuridad de mi vida, tan frustrada, pongo delante de ti lo que hay en la tierra digno de ser amado: el Bendito Sacramento .... En él hallarás el romance, la gloria, el honor, la fidelidad y el verdadero camino a todo lo que ames en la tierra, y más todavía: la Muerte; mediante la divina paradoja, esa que pone fin a la vida y exige el abandono de todo y, sin embargo, mediante el gusto (o el pregusto) de aquello por lo que sólo puede mantenerse lo que se busca en las relaciones terrenas (amor, fidelidad, alegría) o captar la naturaleza de la realidad, de la eterna resistencia que desea el corazón de todos los hombres.”

Bebé Nazgûl, por Uroboros

2009-10-16T17:46:00.002-03:00

Otros Mundos: John William Coltrane

2009-10-16T17:42:00.001-03:00

“Lo que no se ha vivido no se puede tocar” Charlie Parker

“La cosa más grande que a un músico le gustaría conseguir, es poder darle a los oyentes una imagen de todo lo hermoso que conoce y comprende del universo.” Quien decía esto era un hombre moderado, modesto e introvertido: John Coltrane. Un músico que jamás se detuvo, que siempre buscó nuevas formas, variar los sonidos. Un ser capaz de pasar horas concentrado en un tema, tocarlo tantas veces como creyera necesarias y desarrollarlo de infinitas maneras. Su relación con la música era total. Es decir, era una unidad entre su vida y su búsqueda interior.

Nació en Hamlet, Carolina del Norte, el 23 de Septiembre de 1926 y se estableció en Filadelfia en Junio de 1943. Dos años después se enlistó en la marina y formó parte de la Navy Jazz Band. En 1946, ya vuelto a la vida civil, comenzó sus estudios teóricos sobre jazz con el guitarrista y compositor Dennis Sandole, bajo cuya tutela siguió hasta principios de los años ’50.

Sus primeras apariciones junto a los “grandes” del género fueron en la primera mitad de los años ’50, cuando formaba parte de una banda liderada por Dizzy Gillespie y Johnny Hodges. Pero no fue sino cuando se unió al quinteto liderado por Miles Davis (1955-1957), que consiguió un verdadero reconocimiento. Posteriormente, en 1957 se unió a Thelonius Monk, aunque por un muy corto periodo de tiempo. Al año siguiente volvió a juntarse con Miles con quien permanecería hasta 1960.

“Fue con Miles con quien comencé a tomar conciencia de lo que podía hacer… Con Monk la experiencia fue distinta, pero fue una gran experiencia.”

En ese mismo año, John formó su propio grupo –uno de los cuartetos más impresionantes de la década- integrado por McCoy Tyner en piano, Steve Davis en bajo, y Elvin Jones en batería. También realizó numerosos trabajos con músicos como Don Cherry y John Hartman, entre otros.

A principios del año ’61, Steve Davis fue reemplazado por Reggie Workman en el bajo, a la vez que Eric Dolphy se unió a la banda como segundo saxo. Fue con él con quien tuvo una fuerte relación musical y cientos de ideas en común; hablaban durante horas de lo que querían hacer y de sus experiencias musicales. En estos últimos años, tanto por trabajo como por afición, he escuchado varias conversaciones entre músicos, asistentes, plomos y demás, y casi todo lo que se oye son nombres de marcas, teclados, efectos, pedales, platillos… Parece ser común a casi todo el ambiente musical actual, la charla monotemática sobre la calidad de tal o cual instrumento. Cuando Coltrane y Dolphy charlaban, lo hacían a través de su música.

Coltrane fue un creador; alguien que no podía detenerse, y parecía saber que su fin sería temprano. En su música se siente el apresuramiento y excitación arrolladora de los que necesitan crear “contra el tiempo”.

Una vez, Miles Davis debió decirle a Trane que había tocado un solo demasiado prolongado:

-¿Por qué tocas tan largo? –preguntó Miles.

-Me llevó todo este tiempo poder meterlo dentro- respondió John

Los Libros del Profesor: El Silmarillion

2009-10-16T17:34:00.003-03:00

La gran obra de Tolkien, donde reúne toda la mitología y cosmogonía de la Tierra Media, obra que no fue publicada hasta 1976, cuando Tolkien ya había fallecido. Christopher, tercer hijo de J.R.R. Tolkien, ha reunido en un solo libro los extensos manuscritos que Tolkien escribiera desde los dieciocho años sobre la Tierra Media y su mitología. El libro se divide en varias partes: El Ainulindale y el Valaquenta, una especie de Génesis, en el que se narra cómo los Poderes del Mundo o los Ainur, conciben el mundo con su música, y van forjando la Tierra: Arda. El Quenta Silmarillion es una historia de Elfos, en la que se narra su historia desde su éxodo hacia el Oeste, donde se forjan los Silmarils, gemas de inmensa hermosura, que atrapan la luz de los Dos Árboles de los Valar, luz incluso más pura y antigua que la del Sol y la Luna; gemas que serían robadas por Melkor, el Poder Oscuro de Arda, y que los Noldor (una importante raza de elfos) han jurado recuperar a cualquier costo.

Con este incesante propósito, transcurre la historia de los elfos en Beleriand, un amplio territorio al noroeste de la Tierra Media, donde edifican grandes reinos de hermosura sin par: Gondolin, Nargothrond, Menegroth... reinos que, así como grande fue su magnificencia, grande fue también su caída. Pero también los hombres y los enanos participan en esta historia, aunque en menor escala, luchando contra las fuerzas del mal, encabezadas por los peligrosos Dragones, los aterradores Balrogs, y las grandes huestes de orcos.

Poesía: Dama de Rohan

2009-10-16T17:31:00.002-03:00

Éowyn, Dama de Rohan, bravía alma

Dernhelm férreo de valentía indomable:

cabalga en la oscuridad, páramo negro,

sin temor al peligro, siempre atacando

a los demonios que la Sombra incita,

Imbatible joya etérea entre sus pares,

guerrero corazón, ninguna tacha;

junto a tu alma de mujer enamorada,

se conjugan para hacerte incomparable.

Amazona entre jinetes de la Luz

espada al viento, de ¡Muerte! al fuerte grito,

batallando por ideales yacentes,

que hace estragos entre la maldad sin tregua.

Hermosa y noble mujer, bella conciencia,

que no sabe de derrotas sin intentos:

mientras palpite tu fe y tu entereza

siempre una salida habrá de los abismos

De aquel mal una impiadosa herida

pretendió hacerte caer, romper tu magia;

mas el poder sanador, benigno don

de aquel a quien sincera habías amado,

en Casas de Curación te devolvió la vida.

Éowyn, Dama de Rohan; Amazona justiciera:

Sé el espanto de la Sombra Tenebrosa,

deshaz espectros, pues es tu espada tu espejo.

Busca la felicidad en tus días renovados.

Soberbia mujer de bronce, corazón de tiernas flores,

coraje en tus debilidades, voluntad de hierro:

sea Edoras tu patria; sueña y lucha.

La Tierra Media cobije cada uno de esos sueños

Otros Mundos: Watchmen [Alan Moore & Dave Gibbons]

2009-10-16T17:27:00.003-03:00

“Quis Custodiet Ipsos Custodes?”

Juvenal, (Sátira 6.346–348)

“¿Quién vigila a los vigilantes?”

Con ésta frase concluye la aclamada novela gráfica creada por el guionista inglés Alan Moore y el ilustrador (también británico) Dave Gibbons: Watchmen. La misma fue publicada por primera vez entre los años 1986 y 1987 en doce entregas por la editorial norteamericana DC Comics y luego reeditada en un formato que se volvería extremadamente popular, denominado ‘novela gráfica’ (conteniendo todos los capítulos juntos en un solo volumen).

Pero, antes de alarmarse por haber leído el “final” de la magnifica historia que cambiaría la percepción que se tiene de las historietas, cabe recordar lo siguiente: Watchmen no es una obra convencional; y, por consiguiente, tampoco lo pueden ser los análisis o reseñas que de ella se hacen. De hecho, pretender hacer una reseña de todo el espectro de lo que sucede en sus páginas demandaría, sin duda, otro libro. Sin embargo, intentaremos ir a los puntos más importantes que puedan acercarnos un poco más a la visión de estos autores y al corazón de la novela.

Watchmen ha sido y será la obra que marcó un quiebre en la industria de la historieta mundial. Primero, por haberse animado a apostar a que las historietas podían ser leídas por adultos y, segundo, por los profundos temas que abarca, que se salen de la norma de un medio considerado (hasta ese entonces) pasatista y fantástico.

Watchmen nos acerca en sus páginas a un mundo muy parecido al nuestro en 1987 y azotado por el miedo a una guerra nuclear entre USA y la Unión Soviética. Pero en esta realidad ficticia, Alan Moore añade lo que será su medio para explorar las preocupaciones que entrelazan los destinos de todos los personajes: héroes enmascarados.

Los principales protagonistas (El Dr. Manhanttan, Rorschach, El Búho Nocturno, El Espectro de Seda, Ozymandias y El Comediante) se nos presentan como reflejos frágiles de las emociones que experimentamos todos los lectores: los sufrimientos, miedos, heroísmos y deseos de cualquier mortal. Solo que aquí, algunos han decidido llevar máscara y pelear contra el crimen. Por supuesto, como en todo drama real (y esto es algo que Alan Moore destaca) los encapotados no han funcionado del todo bien: la gente les teme, o les parecen ridículos o incluso peligrosos, lo cual hace que muchos de ellos estén retirados de la actividad por orden del gobierno al momento de comenzar la historia.

El puntapié inicial lo dará el asesinato de Edward Blake (El Comediante) que hará que el héroe enmascarado Rorschach (considerado un paria por ser el único que no acepta el retiro y por sus prácticas violentas y antisociales al momento de impartir su “justicia”) tome cartas en el asunto y comience una larga investigación que moverá todas las piezas del gran “reloj” que es la trama de la novela. Con su visión paranoica de una conspiración a altos niveles (todo un nuevo concepto en el momento que se publicó la novela) irá, poco a poco, haciendo aparecer en escena a los héroes retirados, agregando más tensión al desarrollo del nudo de la historia, siempre ligado a la amenaza de una inexorable guerra nuclear que ni siquiera el fabuloso Dr. Manhattan (Jon Osterman, un físico nuclear ahora devenido en casi Dios por accidente y único personaje con verdaderos poderes sobrehumanos) puede evitar.

Además, nos acercaremos a la inocencia y la idealización del arquetipo del superhéroe con el Búho Nocturno y todos sus aparatos e ingenios a la hora de enfrentarse a los villanos; así como a la sensible pero decidida Laurie Juspeczyk (El Espectro de Seda) que, a medida que avanza la trama, averigua detalles de una niñez marcada por las decepciones, verdades ocultas y fracasos con los que su madre (la original Espectro de Seda) ha impregnado su vida.

Algunos de los personajes secundarios y menos relevantes, como Bernard, un vendedor de diarios, y su cliente, un adolescente que lee un comic en su negocio, se transformarán en parte importante de la narración. Así como también el psicólogo que encara la difícil tarea de analizar las motivaciones de Rorschach una vez aprehendido por la policía. Son estos personajes, quizás, nuestro reflejo más cercano en el mundo de Watchmen, si es que aún no nos hemos identificado con alguno de los protagonistas (cosa casi inevitable por sus matices tan humanos y perfectamente desarrollados por Moore).

Elementos recurrentes nos van hilando un espectacular tapiz de eventos, como el prendedor manchado de sangre del Comediante, las figuras en blanco y negro proyectadas por la máscara de Rorschach, los graffitis a lo largo de los callejones que rezan “¿Quién vigila a los vigilantes?” o la ominosa presencia en cada cierre de capítulo de un reloj que avanza sin detenerse hasta dar las doce.

Guionista y dibujante, entonces, se debaten intensamente entre el poder, la moralidad, el libre albedrío y la noción de destino de todas estas personas a través de una narrativa inteligente y vanguardista que va desde crear un entero capítulo en simetría (siendo la última página un calco de la primera, la anteúltima de la segunda y así) para reflejar la psique quebrada de Rorschach, hasta contar el origen del Dr. Manhattan en tres tiempos simultáneos (pasado, presente y futuro) tal como él los percibe. Tanto por la supresión de las clásicas onomatopeyas, el tratamiento de línea y entintado de Gibbons o el color realista y por momentos opaco de John Higgins, las técnicas desarrolladas por los creativos especialmente para Watchmen parecen no tener fin y han sido, ciertamente, los cimientos de los comics modernos. El mismo Moore se sorprendería, luego, de haber sido el promotor de una era que continúa hasta el día de hoy y en la que los héroes tratan de acercarse más a nuestro mundo primario (con sobrados ejemplos como la reciente saga de Batman de Christopher Nolan).

Por doquier hay referencias a distintos acontecimientos históricos (como la presidencia de Richard Nixon, en la novela, todavía en ejercicio o la bomba atómica lanzada sobre Hiroshima o la invasión de la USSR a Afganistán) que los autores utilizan para enfatizar sus diferentes exploraciones y planteos que tendrán al lector pensando desde el comienzo hasta el final; e, inclusive, más allá del final y después de haber cerrado el tomo.

Desde su publicación y hasta el día de hoy Watchmen continúa siendo lectura obligada para todo verdadero apasionado del noveno arte y, por su carácter trascendente, para todo aquel apasionado de las grandes obras literarias. Críticos, autores y fanáticos por igual la han aclamado y sigue siendo la única novela gráfica en ganar un prestigioso Premio Hugo y figurar entre las cien mejores novelas del siglo según la revista Time. Una película homónima se estrenará el año que viene, dirigida por Zack Snyder (el director detrás de la taquillera adaptación de otra novela gráfica de Frank Miller: “300”) y que promete levantar revuelo entre los fans y el público en general que se acerque a ver de qué se trata todo esto.

Cabe señalar, para finalizar, que mientras nos adentramos en el mundo de estos héroes mundanos y realistas, nos adentramos en nosotros mismos, un territorio conocido, pero a la vez extraño y lleno de recovecos en donde podemos encontrar tanto sombras como luz, villanos o vigilantes. La pregunta que nos propone Watchmen es, entonces: ¿no seremos nosotros mismos los encargados de vigilarnos?

Otros Mundos: Las Aventuras del Baron Munchausen [Cine]

2009-10-16T17:26:00.002-03:00

Esta gran obra dirigida por el siempre original e innovador Terry Gilliam (12 Monos, Pánico y Locura en Las Vegas, Los Hermanos Grimm) tiene una línea de diálogo que bien podría resumirse en pocas palabras: mientras nuestro héroe el Barón levanta vuelo en un globo tejido con ropa interior de varias damas que se ha propuesto salvar de fieros cañonazos turcos, su contrapartida lógica y realista en la forma de un iluminado notario francés (y su némesis durante el film) dice al respecto: “Déjenlo ir: no llegará lejos con aire caliente y fantasía.”

¿Cuál es el lugar de la imaginación y la fantasía en un mundo cada vez más regido por el pensamiento pragmático? Esa es la premisa básica de la película.

El trasfondo planteado por el director nos es familiar: el sangriento asedio turco a una ciudad amurallada que apenas se mantiene en pie a fines del Siglo XVIII. A cargo de la defensa del lugar se encuentran hombres “de teoría y lógica”, encabezados por el antes mencionado notario Horatio Jackson (Jonathan Pryce), que mantiene con el disparatado Sultán turco -entre otras cosas- un irrisorio calendario ‘civilizado’ de batalla en el que los enemigos atacan los Lunes, Miércoles y Viernes, y ellos se defienden Martes y Jueves. Así, la película nos lleva a plantearnos lo ilusorio y ridículo de las leyes y estructuras que a veces se aplican a situaciones tan caóticas y despiadadas como una guerra.

Una compañía de teatro itinerante ofrece la poca diversión que los soldados y civiles se permiten, reviviendo las aventuras del Barón Munchausen, conocidas por ser espectacularmente exageradas. Pero es justamente esto lo que atrae la atención del verdadero Barón Munchausen (John Neville) que, indignado, se propone narrar las historias como ‘realmente’ sucedieron. En este punto, la Fantasía y la realidad comienzan a mezclarse, pues el Barón decide embarcarse en una última campaña en búsqueda de sus magníficos compañeros (capaces de hazañas como correr a velocidades exorbitantes, soplar un huracán o hacer blanco a leguas de distancia con un solo disparo) y así salvar la ciudad. Todo esto gracias a la insistencia de la única persona que todavía cree en él: una niñita llamada Sally, que lo acompañará validando sus historias y a él mismo.

Desde una visita a la Luna, cuyo Rey puede desmontar su cabeza para que no lo molesten las necesidades carnales de su cuerpo, hasta el corazón de un volcán en donde hay irónicas referencias a armas de destrucción masiva a cargo del Dios Vulcano, éstas son algunas de los increíbles aventuras que se viven en este film que llegará al corazón de todo admirador de la fantasía, pues reivindica lo mítico-fantástico ante el implacable avance de la tecnología y el pensamiento científico.

Otros Mundos: Maestros de lo Fantástico - Isaac Asimov

2009-10-16T17:21:00.004-03:00

Isaac Asimov fue uno de los más grandes escritores de ciencia-ficción y de divulgación científica de todos los tiempos. En cuanto a la ciencia-ficción, él fue uno de los “Tres Grandes”, siendo los otros dos Robert Heinlen y Arthur Charles Clarke. Su producción abarcó una inmensa variedad de temas, desde ciencia-ficción a la religión. Siempre se destacó por su facilidad para hacer comprensibles ideas y conceptos complejos, así como por el gran volumen de su producción.

La primera vez que incursionó en la escritura seriamente fue en 1937 un cuento titulado Tirabuzón Cósmico que presentó a la revista Astounding Sciencie Fiction cuyo director era John Wood Campbell. Fue rechazado, pero hizo un amigo, cosa que se revelaría valiosísimo con el correr del tiempo.

Entre 1941 y 1944 publica El Plan de los 1000 años; una serie de historias que serían recopiladas posteriormente en el libro Fundación que es, en opinión de muchos, su mejor obra y el inicio de la mejor serie de ciencia ficción. Pero no es hasta 1950 que escribe su primera novela: Un guijarro en el cielo.

LA “SAGA” DE FUNDACIÓN

Sin duda ésta es su obra más conocida. Las comillas en la palabra “saga” se debe a que muchas personas hablan de la “trilogía” de Fundación. Vamos a explicar este malentendido. Si bien en un principio Fundación fue publicada en forma de trilogía (en ese formato fue que obtuvo el premio Hugo), con posterioridad, el autor le fue agregando otros libros, algunos en forma de secuela y otros de “precuela”. ¿Algún parecido con otras series espaciales tal vez?

Asimov retomó la saga de Fundación en 1982, veintinueve años después de Segunda Fundación y decidió unir dos sagas que siempre había querido mantener separadas la propia de Fundación y las historias de “Robots” (Bóvedas de Acero, El Sol Desnudo, Los Robots del Amanecer, Robots e Imperio, entre otros). Esta conjunción le dio a la serie un nuevo giro que la hizo aún más popular: La “Fundación” desciende de nosotros. El imperio galáctico tiene su semilla en la tierra.

Teniendo en cuenta todos estos cambios el mismo “Buen Doctor” se encargó de indicar el orden en que debería ser leída la saga, incluyendo aquellos relatos que en algún momento fueron totalmente independientes.

Titulo	Año de publicación
· El robot completo.	1982
· Las bóvedas de acero.	1954
· El Sol desnudo.	1957
· Los robots del amanecer.	1983
· Robots e Imperio.	1985
· Las corrientes del espacio.	1952
· En la arena estelar. (las estrellas como polvo)	1951
· Guijarro en el cielo.	1950
· Preludio a la Fundación.	1988
· Hacia la fundación.	1993
· Fundación.	1951
· Fundación e Imperio.	1952
· Segunda Fundación.	1953
· Los límites de la Fundación.	1982
· Fundación y Tierra.	1986

Psicohistoria y Sociología:

La psicohistoria es una ciencia que une historia, psicología y matemáticas a fin de predecir el comportamiento humano. Su creador, Hari Seldon (uno de los personajes principales de la obra), la compara con la teoría de los gases; en cuanto a que es imposible predecir el comportamiento de una molécula de gas, pero sí se puede predecir el comportamiento de millones de ellas. Del mismo modo, esta teoría explica que es imposible predecir el comportamiento de un ser humano particular, pero se puede trabajar con cientos de miles de millones de personas dispersas por el universo y predecir las tendencias de comportamiento de las mismas como un todo.

Luego de varias lecturas no deja de ser sorprendente el hecho de que un científico -tal vez el mayor divulgador de nuestro tiempo en cuanto a obras escritas-, doctor en bioquímica; establezca como mayor ciencia del hombre de todos los tiempos una ciencia “social”. Personalmente, creo que estaba profundamente convencido de que no serían las súper computadoras, ni los autómatas los que llevarían a la humanidad a dar el siguiente gran paso; sino los hombres, al aprender a convivir con sus congéneres y con el planeta.

“ESTILO ASIMOV”

Según cuenta en sus Memorias, cuando ya había escrito Un Guijarro en el Cielo, pero antes de que fuese publicado, el editor Walter Bradbury le pidió otra novela. Al considerarse a sí mismo un autor que ya estaba publicando, intentó esa vez ser lo más literario posible. El editor rechazó los dos capítulos que Asimov había enviado y se produjo el siguiente diálogo:

“-¿Sabes – me preguntó – cómo diría Hemingway ‘El sol salió al día siguiente’?

-No – le dije preocupado (nunca había leído a Hemingway)-. ¿Cómo lo haría, Brad?

-Diría: ‘El sol salió al día siguiente’ - me respondió Brad.

Fue suficiente. Era la mejor lección de literatura que me habían dado jamás, y solo duró diez segundos.”

Esta pequeña anécdota, sirve para ilustrar cual fue el estilo que lo caracterizó. Estableció una comunicación “directa” con el lector. Su estilo carece de poesía o belleza descriptiva en pos de simplicidad, ritmo y de describir las situaciones tal cual estaban sucediendo. El lector de Asimov no se va a detener a imaginar el paisaje de Mercurio, o de Gaia por más de un par de segundos. En todo caso puede hacer un alto en la lectura e intentar descubrir cómo se va a definir una situación aparentemente insoluble antes de dar vuelta la página.

En sus propias palabras (extraído del prólogo de Némesis):

“Hace mucho tiempo tomé la decisión formal de seguir una regla fundamental en mis escritos: ser claro. He desechado cualquier tentación de escribir poéticamente o de modo experimental, o de cualquier otra forma que me permitiera (si fuese lo bastante bueno) obtener el Premio Pulitzer.

He escrito con la mayor claridad y, de este modo, he establecido una cálida relación con mis lectores, y con los críticos profesionales..., bueno, que ellos piensen lo que quieran. [....] Estoy seguro de que el lector no tendrá dificultad alguna en comprenderlo, y ya que todos somos amigos, las cosas quedarán perfectamente claras.”

ASIMOV Y TOLKIEN

Tolkien hace una pequeña referencia a Asimov en sus “Cartas” (Pág. 438 - Ed. Minotauro Año 1993):

“Leo mucho, o, con más verdad, trato de leer muchos libros (en especial los llamados de ciencia ficción y fantasía). Pero rara vez encuentro libros modernos que fijen mi atención. Supongo que es porque estoy sometido a una presión “interna” por acabar mi propia obra. […]

Hay excepciones, he leído todo lo que escribió E. R. Edison, a pesar de su nomenclatura particularmente mala y su filosofía personal [...] Disfruto de Isaac Asimov.”

Por su parte Isaac fue un declarado admirador de Tolkien. Tan es así que le dedica uno de los relatos de Los Viudos Negros en donde realiza un juego de palabras entre “Talking” y “Tolkien” y entre “Murder” y “Mordor”. Al finalizar el relato Asimov escribe esto:

“J. R. R. Tolkien murió el 2 de septiembre de 1973. [....] Esta noticia me conmovió profundamente, y sin embargo, el mismo día en que me enteré de su muerte, gané el premio HUGO por mi novela de ficción Los Propios Dioses y no pude evitar estar feliz. Como había leído El Señor de los Anillos tres veces antes de su muerte (y lo he hecho una cuarta desde entonces) y como disfruté más con ella en cada nueva ocasión, sentí que el único modo de compensar el haberme sentido feliz en aquel triste día era dedicar un relato a su memoria.”

ROBOTS

Tal vez una de las cosas que más se recuerdan de Asimov son sus cuentos de “Robots”, y sobre todo la enunciación de las “Tres Leyes de la Robótica”. En realidad existe “otra” ley, pero dejaremos que sean ustedes quienes la descubran.

Los robots han sido protagonistas excluyentes de su obra, aunque, una vez más, Asimov no hace hincapié en el aspecto “técnico” de los mismos, sino en su interacción con el hombre.

RECOMENDADOS

En pos de facilitar un acercamiento al autor – para quienes no hayan leído nada de su obra- he aquí algunas recomendaciones entre la vasta bibliografía Asimoviana.

La Saga de Fundación: Su obra de mayor envergadura. La mayoría de los libros son independientes, por lo que se pueden leer casi en cualquier orden. Es recomendable –sólo pensando en un mayor disfrute- respetar el orden que indicado anteriormente, en especial con todos aquellos que tengan la palabra “fundación” en el título.

Cuentos: Hace algunos años se planeó editar todos los cuentos de Asimov en una colección de tres volúmenes. Por razones desconocidas sólo se llegó hasta el segundo. En estos dos volúmenes podemos encontrar muchos de los cuentos más famosos, y tal vez pueda ser una buena opción para quien no tenga otros libros de cuentos de Asimov. Dentro de los cuentos, destacamos todos los de robots, sobre todo aquellos en donde participa Susan Calvin: Fraile Negro de la Llama, Anochecer y El Hombre Bicentenario.

Autobiografía: Definitivamente recomendable. Allí se nota la mano del Asimov “contador de historias”. Se trata de un libro entretenido, con cientos de anécdotas que nos harán conocer, entender, y - por qué no- querer a ese personaje que fue Isaac Asimov y que fue inventado por él mismo.

Isaac Asimov falleció el 6 de Abril de 1992 en Nueva York, de un fallo cardiaco y una insuficiencia renal, a los 72 años, después de haber publicado más de quinientas obras.

Glosario: Armas con nombre propio en la obra de Tolkien

2009-10-16T17:18:00.002-03:00

Narsil, (su nombre procede del Quenya y la traducción literal sería la de Sol-luna) la espada de Elendil que estremecía de miedo a Orcos y Hombres, porque resplandecía a la luz del sol y de la luna, fue forjada por Telchar, el herrero de los artesanos de Nogrod de mayor renombre. Según lo que podemos leer en "El Silmarillion", la espada se quebró bajo el propio cuerpo de Elendil cuando éste es muerto por Sauron en la batalla de la Última Alianza, a finales de la Segunda Edad. Sin embargo, Isildur, hijo de Elendil, con un último y desesperado esfuerzo logra cortar el dedo con el Anillo a Sauron, utilizando para ello la empuñadura de Narsil.

Una vez que Isildur muere, traicionado por el Anillo, los fragmentos de la espada se conservaron y fueron pasando de generación en generación entre los herederos de Isildur. E incluso cuando los otros bienes ya se habían perdido, los herederos continuaron guardando la espada como un tesoro, pues se decía entre ellos que esta espada sería templada de nuevo cuando reaparezca el Anillo, el Daño de Isildur.

De esta forma, la espada quebrada de Elendil se conservó hasta que llegó finalmente a las manos de Aragorn, legítimo heredero de Isildur. Y es con Aragorn con quien se cumple lo que se había predicho. Tras el Concilio de Elrond, los herreros de los Elfos que permanecían en Rivendel, forjaron la espada de nuevo y grabaron sobre su hoja el dibujo de siete estrellas, entre la Luna creciente y el Sol radiante, y alrededor trazaron muchas runas; pues Aragorn hijo de Arathorn iba a la guerra en las fronteras de Mordor. Una vez reforjada, la espada fue nuevamente brillante, tal y como lo fue antaño: era roja a la luz del sol y fría a la luz de la luna, y tenía un borde duro y afilado. Es en este momento cuando Aragorn decide darle un nuevo nombre a la espada de sus antepasados, y la llamó Andúril, Llama del Oeste.

Así pues, cuando Aragorn parte desde Rivendel con la Compañía, ya porta consigo a Andúril, para la cual en Lórien recibe como regalo de Galadriel y Celeborn una vaina que estaba adornada por flores y hojas entretejidas de oro y plata y por numerosas gemas dispuestas como runas élficas en las que se leía el nombre y el linaje de la espada.

Con esta espada, Aragorn lucha en Moria, en Helm, en Pelennor y en Morannon, y los hombres que la reconocían reanimaban sus corazones al ver que la espada que estuvo rota iba de nuevo a la batalla, pues sabían entonces que el heredero de Isildur había vuelto para reinar de nuevo entre los Hombres.

“Herugrim” es el nombre de la espada de Théoden, que le había sido ocultada por Gríma, durante el tiempo en el que la mente del rey de Rohan fue cautiva de las palabras viperinas de Lengua de Serpiente. Tal y como informó Háma al rey, Gríma guardaba la espada dentro de un cofre, del cual se negaba a entregar las llaves. Se trataba de una espada larga en una vaina con cierre de oro y recamada de gemas verdes. El nombre de esta espada está en inglés antiguo y significa "salvaje, feroz" y es la espada que portaba Théoden en las batallas de Cuernavilla y de los Campos del Pelennor, donde el rey de Rohan resultó muerto, aplastado por su propio caballo. Al finalizar la Guerra del Anillo, Théoden fue llevado a Edoras, donde fue enterrado junto con su espada Herugrim y otras armas y objetos en el octavo montículo, que pertenecía a su linaje.

La espada de Éomer, hermano de Éowyn y sobrino de Théoden, también tenía nombre propio: “Gúthwinë”, que en la lengua de Rohan significaba "Amiga de la batalla", y fue con esta hoja con la que Éomer se enfrentó a los enemigos en El Abismo de Helm, y también en la Batalla de los Campos del Pelennor.

Artes Visuales: Ilustración - Hermanos Hildebrandt

2009-10-16T17:16:00.002-03:00

Sé que hablar de los hermanos Hilderbrandt es “meterse en camisa de once varas”, ya que pocos ilustradores generan tanta admiración o rechazo como ellos. Es como remover el “viejo caldero Tolkiendili” y ver cómo saltan “sapos y culebras”, pero también hermosa volutas de humo que, al contacto con el sol, proponen nuevos arco iris.

De eso se trata; estos hermanos tuvieron una visión única y diferente de los personajes de Tolkien y muchos no les perdonaron haber imaginado a Aragorn como un elegante corsario, o a Legolas como salido del Bosque de Sherwood. A mí no me molesta porque sé que la obra del Profesor libera la imaginación de formas increíbles. Igual trataré de limitarme: a la técnica, que me parece por demás interesante; a la manera en que construyen sus imágenes, ya q sus acabados son magníficos; y a aclarar que antes, ellos sólo habían ilustrado libros infantiles.

Todo comenzó cuando Judd-Lynn del Rey les encargó la portada para un libro cuentos, que reunía “El Herrero de Wooton Mayor” y “Egidio, el granjero de Ham”. El editor quedó encantado y ellos también, y de ahí en más, se extendió su camino hacia la Tierra Media. A partir de este trabajo es que Ballantine Books les encarga las ilustraciones para el calendario J.R.R. Tolkien de 1976, bajo la supervisión artística de Ian Summers. Las pinturas quedaron increíbles y nunca un calendario tuvo tanta aceptación. La publicidad de “boca en boca” hizo que fuera un éxito y el más vendido ese año. Así ilustraron también los de 1977 y 1978.

Por aquella época, Greg y Tim estaban tan entusiasmados y metidos en el mundo Tolkieniano, que quisieron hacer “El Señor de los Anillos” en dibujos animados. Cuando descubrieron que Ralph Bakshi ya tenía los derechos, su decepción fue grande, pero su editor los alentó y ellos crearon su propia fantasía (Urshurak) con la ilusión de venderla en Hollywood.

Volviendo a los calendarios, espiemos un poco de la “cocina” de los Hildebrandt. Tim solía decir: “Nuestro método consiste en crear pequeños bocetos, después hacer los vestidos, y tomar fotografías del modelo con la iluminación correcta. Todo esto son las papas y la carne. La pintura acabada es como comer el postre.”

Primero leían cuidadosamente el párrafo que iban a ilustrar y se permitían una interpretación libre, siempre y cuando el relato no fuera preciso. Cuando lo era, no cambiaban nada, como se puede apreciar en la pintura de los Argonath, respecto de la cual dijeron que ellos hubieran preferido otra posición para las manos como “acariciando el río”. Sin embargo lo hicieron exactamente como Tolkien lo describía.

Luego de ponerse de acuerdo con la intención que querían darle, hacían un boceto (casi siempre pequeño y muy detallado), luego realizaban las vestimentas lo más parecido posible, donde todo era válido. Desde las sábanas y frazadas de la casa, hasta sombreros sofisticados. Ponían mucha creatividad en esta instancia. Y luego lo que era para ellos más divertido: buscaban los modelos ¡Y ahí no se salvaba nadie, ni ellos mismos! Tanto Greg como Tim posaban según el personaje. El pequeño Gregory y Diana (hijo y esposa de Greg) se convertían en Hobbit y en Galadriel respectivamente. Se les sumaba una comitiva de amigos, reclutados para tal fin, que llegaban y salían de la casa, entre risas, vino y comida.

Cada boceto era actuado y fotografiado desde varios ángulos. Esto daba luz y sombra real y un conocimiento profundo de los pliegues de la ropa, que representaban casi con exquisitez. También le daban suma importancia a los paisajes y, en especial, a los árboles, porque sabían que Tolkien los amaba. La técnica final era acrílico, trabajado de forma bien acabada y realista. Casi siempre trabajaban los dos sobre el mismo lienzo y, si bien eran gemelos, sus personalidades se manifestaban de manera totalmente diferente, aunándose cuando pintaban como si fueran uno.

Por último, sólo queda decir que, cuando vean las obras de los Hildebrandt, no las juzguen, sólo disfrútenlas, ya que desde la textura de los árboles, hasta cada hojita y brizna de hierba, pasando por el movimiento e intención de los personajes y la fuerza del color, crean obras tan discutidas como impactantes.

Si quieren ver algunas ilustraciones, para mí, imperdibles, les recomiendo: Smaug, Gandalf visita a Bilbo, Una Tertulia Inesperada, Los Argonath, La Cura de Éowyn, Cirith Ungol, El Viejo Hombre Sauce, Los Puertos Grises y las dos del Asedio de Minas Tirith.

Frase ¿Qué quiso decir?

2009-10-16T17:04:00.004-03:00

“Y le pareció a Thingol que ese Hombre no se parecía a ningún otro Hombre mortal (…) y que el destino de ambos no podía ser estorbado por ningún poder en el mundo. Por tanto cedió, y Beren tomó la mano de Luthien ante el trono del padre”

Este segmento pertenece a un capítulo del libro “El Silmarillion” donde se narran las hazañas y desventuras de Beren y Luthien. En esta historia, como en tantas otras de Tolkien, sobresale como uno de los ejes principales la cuestión del Destino: La pareja mencionada pertenecía a linajes diferentes, por tanto no les estaba permitido unirse en matrimonio. El camino que recorrieron se presenta colmado de conflictos y desencuentros, pues su elección fue contraria a muchas normas. Hacia el final, como muestra la frase, logran estar juntos; tan grande y fuerte era el sentimiento que los unía.

En este caso se podría decir que Tolkien se corre de su matriz literaria principal, la épica, donde el hado, del cual nadie puede escapar, está señalado desde el comienzo de las historias; asignándole así un nuevo lugar a las elecciones y caminos de los personajes. Tal vez esto es producto de sus propias vivencias con su esposa Edith, con quien tuvo que pasar numerosas desventuras antes y durante su vida juntos. O también, si vamos a la vida académica, lo ejemplifica la decisión de, siendo un catedrático de Oxford, escribir y publicar literatura fantástica, hecho muy criticado por sus pares.

Podría afirmarse que el fragmento refleja una punto importante en toda la obra del Profesor: a pesar de todos los condicionantes externos, los seres perseverantes con sentimientos puros, que se arriesgan a trazar su propio Destino, son los que logran su propósito, por más lejano que parezca, como Beren y Luthien... como Tolkien y Edith.

Tol-quién?

2009-10-16T16:58:00.005-03:00

Tolkien es un personaje tan variado, ameno y reconfortante, que ponerse a escribir sobre él es lo más fácil y entretenido que me puede pasar una triste tarde gris, en donde un tímido sol no alcanza a iluminar mi hoja, ni a entibiar mi alma.

Cuando pensé qué escribir en esta nota, me di cuenta que nunca había hablado aquí de la faceta de artista plástico del “profe”. No hace mucho que me puse a investigar sobre este tema y realmente descubrí cosas sorprendentes. Lo primero viene de la observación. En principio, no sé si tuvieron la oportunidad de ver dibujos que él hizo; si no es así, les recomiendo que lo hagan. Hay libros que recogen estos “tesoros”, aunque también se pueden encontrar por Internet. (http://www.elanillounico.com)

Tolkien nunca se consideró un dibujante, y mucho menos uno bueno. Es la primera vez que no coincido con él, ya que cuando miro sus obras no puedo dejar de pensar que él dibujaba como escribía: con el alma. Y si bien es cierto que él tenía todos los recursos literarios para hacer un buen libro, también es cierto que a esto se sumaba su creencia, su necesidad, su creatividad, y que en esta tarea puso parte de sí mismo (y no de forma autobiográfica). Me refiero a su propia esencia en el mundo que creó. De esta forma, lo que escribía no podían ser sólo palabras, porque cuando se comprometen las emociones y sentimientos, toda palabra se convierte en imagen ¡y él sólo tenía que plasmarlas!

Queda claro que nunca le conformaban demasiado sus incursiones en el dibujo (o en la pintura), ya que la imagen mental pocas veces se ve en el papel de la misma manera y con la misma intensidad que como se imaginó; hasta el más profesional lo sabe. Es muy difícil separar la idea de lo que realmente se puede lograr en lo concreto.

También es cierto que cuando se miran sus dibujos de “La Ciudad del Lago” o “La Sala de Beorn”, uno se da cuenta que tenía “algún recursillo por ahí”, ya que la perspectiva utilizada es compleja y bien lograda; algo nada fácil cuando no se tiene mucha idea del tema.

Y aquí nos metemos de nuevo en su vida personal ¡Pobre profe! Es verdad que él no tenía estudios académicos de dibujo y pintura, pero aprendió todo lo que su madre le enseñó a temprana edad. Ella pintaba muy bien y el pequeño John Ronald la acompañaba siempre y se ponía a dibujar a su lado. Es una pena que su madre muriera tan joven, ya que ese acontecimiento marcó un corte en lo que podría haber sido una carrera artística diferente a la que siguió y tal vez hubiéramos conocido a un Tolkien ilustrador de obras literarias ajenas De todas maneras el pintor quedó dentro de él y eso se nota en su cuento “Hoja de Niggle”, el único en que se permite colar, de forma bien marcada, su realidad física, mental y emocional. Vale la pena recordar la presentación del personaje:

“Niggle era pintor. No muy famoso, en parte porque tenía muchas otras cosas que atender, la mayoría de las cuales se le antojaban un engorro…”. Con esto ya basta para comprender.

Después de la muerte de su madre, el dibujo sería un refugio para el pequeño John, que comenzó a dibujar lo que veía por la ventana de la “habitación de turno”; y cuando salía a la campiña o al mar, tomaba su block y se ponía a copiar paisajes. La mayoría de éstos eran a lápiz y tinta negra. Ya en aquel entonces tenía una sensibilidad especial a la hora de captar árboles, ríos y montañas. Más adelante ya podía darle vida a edificios, calles y barcos, pero no sucedía así con las figuras humanas. Éstas se convertían en dibujos infantiles y hasta cómicos, como bien se puede ver en la ilustración de los Trolls convertidos en piedra.

De todas maneras, lo que diferencia a un “verdadero” artista de uno “bueno”, es que la creatividad y el alma son ingredientes básicos de la “receta” de su obra. Y así, Tolkien utiliza estos recursos infantiles para con los más pequeños. “El Señor Bliss” es prueba de ello, en donde la idea de un “jirafanejo” puede parecer divertida, ¡pero verlo ilustrado es aún mejor!

Si nos adentramos un poco en las técnicas, podemos ver que él amaba las tintas y que prefería el dibujo a la pintura, dando la impresión de “enamorarse de la línea” ¡Y lo comprendo! Una vez tuve que dejar de mirar un águila, sino seguiría agregando líneas a sus plumas, así como Niggle no podía salir de “esa Hoja”. Este profesor de Oxford podría sentarse y, sólo con lapiceras de colores, hacer todo un paisaje. Cuando lo observo no puedo olvidar la técnica del grafismo; él podía convertir miles de circulitos en la copa de un árbol, onditas en las praderas lejanas, líneas curvas en nubes, troncos o piedras, entramados en objetos sólidos, o puntitos en el humo de una hoguera, y así cubrir todo un espacio vacío en la visión de una parte de su historia.

También gustaba de los lápices de colores. Esto queda demostrado ya sea en algo muy simple como “La Muerte de Smaug” o algo tan complejo como “El Bosque de Lothlórien en Primavera”, donde la impresión es casi pictórica, y el detalle de cada flor y cada hojita del suelo nos invita a sentir que estamos allí, y en cualquier momento un elfo podría aparecer de entre los altos Mallorn.

Cuando usaba el pincel, prefería la acuarela. Solía usarla en los motivos con agua, para dar la sensación de movimiento, como en el “Río del Bosque de los Elfos”. Siempre bocetaba antes de pintar, y a veces hacía varios borradores con pequeñas diferencias, antes de elegir cuál le gustaba más.

Era extremadamente detallista con sus dibujos, así como con sus palabras. Pero era con el uso de acuarelas cuando se permitía jugar un poco y relajar su mano, dejando que el pincel fluya por una línea tal vez inexistente; consintiendo, aunque sea, un trazo librado al azar.

Aún no descubrí si pasa lo mismo en alguna pequeña parte de su extensa obra literaria, pero… ¿quién sabe? ¡El que busca encuentra! Y en el caso de Tolkien, nunca nos decepcionaría.

Próximamente

2009-04-14T16:23:00.000-03:00

En las próximas semanas actualizaremos la página con las ediciones mas recientes de la Revista Intyale.

Tol-quién?

2008-07-23T15:21:00.007-03:00

¡Qué bueno esto de reencontrarnos para compartir lo que está por detrás de la obra de J.R.R.Tolkien! Esta vez, comencé con una idea (como siempre), pero me doy cuenta en cada palabra que va a llevar varias entregas, así que hoy comenzaré hablando en forma general de uno de los personajes más versátiles e ignorados ¡sí!, y es por el hecho de estar siempre presente en todos los capítulos, haciendo de soporte a situaciones, hechos y personas, ¿a qué me estoy refiriendo? ¿ya tienen una idea?
Me refiero al PAISAJE así con mayúsculas, ya que en la obra de Tolkien el paisaje es un personaje más. Leyendo El Señor de los Anillos uno no puede imaginarse un enano sin una caverna, un águila sin una montaña, un hombre sin llanura, un Hobbit sin La Comarca. Incluso podríamos ser tan sutiles como para diferenciar los individuos de una raza a través del paisaje. Es decir, un elfo con el mar detrás, seguro que es Teleri, en cambio si se encuentra en un bosque, ya pensamos en un elfo Silvano.
En principio vemos por qué digo que el paisaje es un personaje más de su obra, si observamos un poco, cada lugar de la Tierra Media tiene una personalidad propia, así cada sitio está pensado, sentido y escrito para albergar a cada raza y sobre todo para brindarle lo que precise a nivel físico concreto, pero también en lo emocional y espiritual, ya que cada ser parece ligado y conectado a su entorno más allá de toda circunstancia. Tal vez los caminos lo lleven muy lejos, pero siempre llevará dentro la nostalgia y el recuerdo de “su lugar”, esto está bien plasmado cuando Sam y Frodo están en el monte del Destino, ahí, justo cuando Sam está a punto de rendirse, muerto de sed, recuerda: “… sentía en los dedos de los pies la caricia refrescante del barro cuando chapoteaba en el lago de Delagua…” Miren que interesante, Sam había visto el gran Río Anduin y el Kheled Zaram, el lago espejo, aún así él recuerda el barro del lago en desagua. A eso me refiero, el paisaje no es sólo el telón del acto, está actuando por sí solo.
Para los que vienen compartiendo estas entregas, queda claro que Tolkien no era sólo un escritor, él sentía y hacía propio todo lo que escribía. En el caso de los lugares, la personalidad que le da a cada uno tiene que ver con una particularidad que comparten todas las “almas sensibles”, no importa si son científicos o artistas, cada cual con su tendencia, siempre buscará “el alma escondida en cada ser”. Así una montaña no es sólo un montón de piedra y tierra una sobre otra ¡no puede serlo!, esta montaña es tan antigua como Arda misma y nada menos que Aulë la puso allí, sólo se trata de escuchar y sentir y de pronto el Caradhras dejará de ser un “estorbo” allí frente al camino y se transformará en un ser que parece dormido pero puede aflorar en cualquier momento y permitir o no el paso de los caminantes por su ladera.
Y así Tolkien va de a poco, palabra a palabra descubriendo el alma encerrada en cada cosa y se toma el tiempo de encontrarla y desarrollarla.
Lo más interesante es cuando se comienza a hurgar y uno se entera que muchos de esos lugares maravillosos están inspirados en sitios reales que el autor había visitado.
Creo que uno de los lugares que más me intrigó y me hubiera gustado conocer son las Cavernas Centelleantes y aquí voy a citar a Gimli cuando las ve:

“¡Extrañas son los modos y costumbres de los hombres, Legolas, tienen aquí una de las maravillas del mundo Septentrional ¿y qué dicen de ella? Cavernas la llaman! (…) ¿Sabes mi buen Legolas, que las cavernas subterráneas del Abismo de Helm son vastas y hermosas? (… ) salas inconmensurables, pobladas de la música eterna del agua que tintinea en las lagunas, tan maravillosas como Kheled-Zaram a la luz de las estrellas.
… gemas y cristales y filones de mineral precioso centellean en las paredes pulidas y la luz resplandece en las vetas de los mármoles nacarados luminosos como las manos de la Reina Galadriel Hay columnas de nieve, de azafrán de rosicler, talladas con formas que parecen sueños, brotan de los suelos multicolores para unirse a las colgaduras resplandecientes, alas, cordeles, velos sutiles como nubes cristalizadas ¡pináculos de palacios colgantes! Unos lagos serenos reflejan esas figuras, un mundo titilante emerge de las aguas sombrías cubiertas de límpidos cristales, ciudades como jamás Durin hubiera podido imaginar en sueños, se extienden a través de avenidas y patios y pórticos, hasta los nichos oscuros donde jamás llega la luz. De pronto ¡pim! Cae una gota de plata y las ondas se encrespan bajo el cristal y todas las torres se inclinan y tiemblan como las algas y los corales de una gruta marina (… ) ¡Las Cavernas del Abismo de Helm! ¡Feliz ha sido la suerte que hasta aquí me trajo! Lloro ahora al tener que dejarlas”

¡Qué hermosa visión! Recuerdo que me sentí tan entusiasmada como Gimli ante tal espectáculo!
Pero ahí no terminó mi asombro y grande fue mi sorpresa cuando leí una carta que Tolkien le manda al Sr. Rorke respondiendo a una mención sobre estas cavernas:

“Me complació mucho su referencia a la descripción de las cuevas resplandecientes. Ningún otro crítico, creo, hizo mención especial de ella. Puede que le interese saber que el paisaje se basó en las cuevas de Cheddar Gorge y fue escrito después de haberlas vuelto a visitar en 1940, pero que estaban teñidas de nuevo por el recuerdo que guardaba de ellas mucho antes de que se hubieran comercializado tanto. Había estado allí durante mi luna de miel casi treinta años antes.”

Con este comentario, podemos ver que los paisajes de la obra no distan mucho de los paisajes de la vida del autor. Es decir que escribía sobre los lugares con los que mantenía un vínculo emocional, los describía tal como los recordaba de tiempo atrás, donde la emoción había sido muy fuerte. Es por eso que este autor logra expresar tan bien el sentimiento por el lugar, aparte de la descripción minuciosa, para que el lector pueda imaginarse de forma completa, pero personal cada sitio.
Así, Tolkien logra unir presente y pasado, lo concreto y lo abstracto, lo racional y lo sentimental, encontrando el punto medio entre los extremos y llega a eso que yo llamo “el alma de todas las cosas”.

Graciela "Luinel" Sifran

Frase ¿Qué quiso decir?

2008-07-23T15:16:00.005-03:00

“…- ¿A qué le teméis, señora?- le preguntó Aragorn.
- A una jaula. A vivir encerrada detrás de los barrotes, hasta que la costumbre y la vejez acepten el cautiverio, y la posibilidad y aún el deseo de llevar a cabo grandes hazañas se hayan perdido para siempre…”

Esta frase enunciada por Eowyn a Aragorn pertenece al tercer libro de la trilogía de “El Señor de los Anillos”. Aquí se refleja no sólo el temor más grande de la dama rohirrim, sino también su audacia y valentía, su carácter imponente. El destino asignado por la herencia y la nobleza le pesan más que cualquier cosa, ya que los debe ejercer a costa de su libertad.
Tolkien pone este discurso en boca de una mujer ¡Una mujer con voz y decisión en la épica! Es algo para nada común, por eso tiene una doble fuerza. Es característico de la escritura del profesor la intencionalidad de otorgarle un halo de grandeza a las criaturas que en la literatura tradicional tienden a aparecer sometidas o subordinadas a otros personajes: por ejemplo, la mujer al hombre, el escudero al caballero, etc. En las obras de la Tierra Media esto se presenta dislocado, como en el caso de los hobbits, que en apariencia se constituyen como personajes secundarios y sin embargo cumplen un papel principal. En este sentido, el comentario de Eowyn manifiesta el desplazamiento del lugar tradicional de la mujer en la épica hacia un papel más protagónico, más cercano a la figura de heroína.
Recordando cómo este catedrático de Oxford debió defender al género fantástico, caratulado de menor, de escaso valor literario para los intelectuales de su época, descubro que, en esta frase, está condensada una idea muy fuerte en Tolkien, en donde intenta explicar que se debe tener mucho valor para seguir lo que se siente en el corazón, y más aún si esto implica ir en contra de las normas establecidas.

María Eugenia "Tuiti" Sanllorenti

Glosario: Armas con nombre propio en la obra de Tolkien

2008-07-23T15:04:00.006-03:00

En la vasta obra del profesor de Oxford nos encontramos con una gran cantidad de personajes historias y leyendas; y es sabido que la Historia de los pueblos de la Tierra Media fue forjada a costa de muchas batallas y guerras en las que participaron tantos los Valar como los Maiar, Elfos, Hombres, Enanos y aunque parezca casi imposible, los Hobbits.
En la antigüedad de Beleriand, grandes elfos herreros crearon las más hermosas armas que pudieran encontrarse; su habilidad pasó luego a los hombres, quienes la aprendieron con facilidad. Cada pueblo se distinguió por usar o preferir un determinado armamento. Los Elfos, por ejemplo, utilizaban las armas con gran destreza, y la precisión a la hora de usar el arco y la flecha eran inigualables (en combate también utilizaban lanzas y cuchillos). Los Enanos se hicieron famosos por su destreza al utilizar las hachas, pero también utilizaban espadas, anchas y cortas. Los hombres, al igual que los Elfos, utilizaban espadas, lanzas, arcos y flechas, y eran muy flexibles a la hora de aprender el manejo de las armas. Por su parte, también los orcos manejaban multitud de armas: martillos, hachas, puñales, arcos, picos y pinzas, además de las cimitarras curvas, todas ellas de pésima manufactura.
Tal y como hemos podido observar, dentro de las diferentes historias que se desarrollan, mucho de los personajes tienen armas con un nombre propio, que por su singularidad destacan entre las demás. A lo largo de esta entrega (y de algunas siguientes), haremos un breve repaso por estas armas: la etimología de sus nombres, sus portadores y los hechos en los que intervinieron.
Comenzaremos con las armas mencionadas en “El Hobbit”: Glamdring, Orcrist y Dardo.
Después de enfrentarse con los Trolls, Bilbo, Gandalf, Thorin y su compañía de enanos revisan sus posesiones y encuentran un par de espadas que les llaman especialmente la atención tanto por su factura como por las runas que tienen inscritas, por lo que Gandalf y Thorin deciden conservar una cada uno, mientras que Bilbo se queda con un cuchillo, que, por su tamaño, le puede servir de espada.
Cabe destacar que al tratarse de armas forjadas para ser utilizadas en las guerras contra los orcos, son armas muy conocidas y, sobre todo, temidas por estos últimos. Además, las tres hojas tienen una virtud muy “especial”: brillan con una luz intensa cuando hay orcos cerca.
Cuando esta singular compañía consigue llegar a Rivendel, gracias a los conocimientos de Elrond sobre escrituras antiguas, logran averiguar el origen de las espadas:

“(…) Esto no es obra de los trolls. Son espadas antiguas, muy antiguas, de los Altos Elfos del Oeste, mis parientes. Están hechas en Gondolin para las guerras de los trasgos. (…) En ésta, Thorin, las runas dicen Orcrist, la Hendedora de trasgos en la ancestral lengua de Gondolin; fue una hoja famosa. Esta, Gandalf, fue Glamdring, Martillo de enemigos, que una vez llevó el rey de Gondolin. ¡Guárdalas bien!”

Con la espada Glamdring, la Martilla Enemigos (Demoledora), Gandalf luchó en la Batalla de los Cinco Ejércitos y también con ella se enfrentó y mató al Balrog de Moria.
Orcrist, la Hiende Trasgos (Mordedora) le fue arrebatada a Thorin cuando fue capturado por los Elfos del Bosque Negro. Sin embargo, tras su muerte en la Batalla de los Cinco Ejércitos, Thranduil, el rey de los Elfos del Bosque, decide depositar a Orcrist sobre la tumba del valeroso Enano, donde ésta -según cuentan las antiguas canciones- sigue brillando en la oscuridad cada vez que un enemigo se aproxima.
El puñal con el que se queda Bilbo, al contrario de lo que ocurre con las dos espadas, no tiene un nombre inscrito en runas antiguas. El nombre de “Aguijón”, le será dado por el mismo Bilbo, cuando lo utiliza en el enfrentamiento con las arañas del Bosque Negro. En este punto, sería importante aclarar que la espada “Aguijón” es, en realidad, la misma “Dardo” que aparece en “El Señor de los Anillos”.
Bilbo conserva su espada y se la lleva consigo a Rivendel cuando, tras la celebración de su 111º cumpleaños, decide marcharse. Tras el Concilio de Elrond, cuando Frodo es designado portador del Anillo, Bilbo le entrega a su sobrino la cota de mithril y a Dardo, la espada que tanto servicio le había prestado en sus aventuras, pues la espada procedente de los Túmulos que le había dado Tom Bombadil a Frodo, se había roto en el vado. Aguijón/Dardo es, por tanto, la misma espada con la que Sam hiere a Ella-Laraña y que finalmente, aunque con reticencias, Frodo vuelve a aceptar para lucirla en la coronación de Aragorn.

Marcela "Ganell" Lombardo Flores

Los Libros del Profesor: El Señor de los Anillos

2008-07-23T14:57:00.006-03:00

La gran Obra de Tolkien, que nació como una continuación de "El Hobbit" (sugerida por el editor Allen & Unwin), tras el rotundo éxito que ésta fue. La historia épica recoge, ahora sí, muchos de los aspectos mitológicos de la cosmogonía creada por Tolkien años atrás, y los evoca a lo largo de las aventuras de los hobbits y la comunidad del anillo como recuerdos de épocas pasadas. La obra, separada en tres extensos volúmenes, narra la historia de la destrucción del Anillo Único, posesión del Señor Oscuro, ahora en manos de Frodo Bolsón, quien lo recibió de Bilbo, quien a su vez encontró el anillo mágico en una de sus aventuras narradas en "El Hobbit". El primer volumen, "La Comunidad del Anillo" ("The Fellowship of the Ring)", narra el viaje de Frodo y sus amigos hobbits a Rivendel, donde se determina que la Compañía del anillo —formada por los cuatro hobbits Frodo, Sam, Merry y Pippin; el elfo Legolas; el enano Gimli; Boromir, el príncipe de Gondor; Aragorn, montaraz y heredero de los reinos de Arnor y Gondor, y el poderoso mago Gandalf— debe ir a la Tierra de Mordor, territorio de Sauron, el Señor Oscuro, a destruir el anillo en las grietas del Monte del Destino, donde fue forjado. El segundo volumen "Las Dos Torres" ("The Two Towers)", narra las aventuras de los diferentes miembros de la Compañía, una vez disuelta, y los preparativos para la gran Guerra sostenida entre Gondor y las huestes enemigas de Mordor, comandadas por los temibles espectros del anillo, también llamados Nâzgul. El tercero y último, "El Retorno del Rey" ("The Return of the King"), narra la terrible Guerra del Anillo, sostenida en las tierras adyacentes a Minas Tirith, la gran fortaleza de los hombres; y la destrucción del anillo en el Monte del Destino, tras una larga y penosa travesía de Frodo y Sam por la Tierra Tenebrosa. "El Señor de Los Anillos", es, según las mismas palabras de Tolkien, una historia de Hombres, en la que los Elfos tienen poca (por no decir nula) participación, pues su fin en esta tierra ha llegado.

Bibliografía de JRRT
[1937] El Hobbit
[1945] Hoja, de Niggle
[1949] Egidio, el Granjero del Ham
[1954-55] El Señor de los Anillos
[1962] The Adventures of Tom Bombadil
[1964] Árbol y Hoja
[1967] El Herrero de Wootton Mayor

Bibliografía póstuma
[1976] Cartas de Papá Noel
[1977] El Silmarillion
[1979] Pinturas y Dibujos de J.R.R. Tolkien
[1980] Cuentos Inconclusos
[1980] Poemas de J.R.R. Tolkien
[1983] HdlTM 1 - Cuentos Perdidos 1
[1984] El Señor Bliss
[1984] HdlTM 2 - Cuentos Perdidos 2
[1985] HdlTM 3 - Las Baladas de Beleriand
[1986] HdlTM 4 - La Formación de la Tierra Media
[1987] HdlTM 5 - El Camino Perdido
[1988] HdESdlA 1 - El Retorno de la Sombra
[1989] HdESdlA 2 - La traición de Isengard
[1990] Cartas de J.R.R. Tolkien
[1990] HdESdla 3 - La Guerra del Anillo
[1992] HdESdlA 4 - El Fin de la Tercera Edad
[1992] HdlTM 6 - La Caída de Númenor
[1993] HdlTM 7 - El Anillo de Morgoth
[1994] HdlTM 8 - La Guerra de las Joyas
[1996] HdlTM 9 - Los Pueblos de la Tierra Media
[1998] Roverandom
[1998] Los monstruos y los críticos, y otros ensayos
[2006] Las Aventuras de Tom Bombadil
[2007] Los Hijos de Húrin

Poesía: El caballero de Gondor

2008-07-23T14:49:00.006-03:00

Boromir de Minas Tirith... Paladín... ¡Qué hidalguía!
Regresa a la Torre Blanca y descansa, caballero.
Todo la nación de Gondor llorará tu cuerno roto
Añorando siempre aquel gallardo porte de guerrero

Un instante desgraciado sucumbiste a lo prohibido
Enarbolando sincera la razón del patriotismo.
Noble espíritu, al amparo del calor de tu bandera
Sueñes a la libertad que asomó con tu altruismo

Superaste las barreras de la oscura tentación,
Siendo tu último acto, de tu alma lo mejor.
Inmortal tu corazón se alió con el bien común
Defendiendo al indefenso y ennobleciendo el dolor

Aquel cuerno, aquel escudo, y las flechas asesinas
De aquel orco, empañando la esperanza renacida;
Serán memoria viviente del Caballero de Gondor:
Aquel que por sus amigos supo dar hasta su vida.

En el aire la victoria hace eco de tu nombre.
Los bravos de Minas Tirith al clarín se alzarán
Del combate, impulsados por tu cuerno protector
¡ Victoria en la Tierra Media ! a una voz proclamarán

Y en el recuerdo de todos Boromir se quedará.

Marisa "Arwen" Arana

Artes Visuales: Fotografía - Oliviero Toscani

2008-07-23T14:45:00.003-03:00

Oliviero Toscani es un fotógrafo italiano, reconocido principalmente por sus campañas publicitarias diseñadas para la marca de ropa Benetton, las cuales provocaron controversia en las décadas de 1980 y 1990.
Nacido en Milán, en 1942, estudió fotografía en Zúrich, Suiza, entre 1961 y 1965. Entre 1982 y 2000, Toscani trabajó para Benetton, contribuyendo al crecimiento de la marca United Colors of Benetton hasta ser una de las marcas más reconocidas mundialmente.
Una de sus campañas más famosas incluía una fotografía de un enfermo de SIDA agonizando en una cama de hospital, rodeado de familiares dolientes. Otras, incluían alusiones al racismo, la guerra, la religión y la pena capital. En 1990, Toscani fundó la revista Colors (propiedad de Benetton), junto con el diseñador gráfico Tibor Kalman. Bajo el lema "una revista sobre el resto del mundo", Colors explotaba el multiculturalismo prevalente en la época, así como a las campañas publicitarias de Benetton. La línea editorial era independiente de la marca de ropa. En 1993, Toscani creó Fabrica, un centro de investigación sobre el arte en la comunicación; y encargó el diseño al arquitecto japonés Tadao Ando.
En 2005, Toscani levantó polémicas nuevamente, cuando hizo fotografías para la campaña publicitaria de la marca de ropa masculina "Ra-Re". Los retratos aludían a la homosexualidad masculina, de un modo que enardeció a diversos grupos que debatían los derechos homosexuales.
Además de trabajar con Benetton, Toscani ha sido el diseñador de campañas publicitarias para Esprit, Valentino, Chanel y Fiorucci. Las campañas de Toscani han ganado cuatro veces el premio Lion d'Or en el Festival de Cannes. Personalmente, Toscani ha recibido, entre otros premios, el UNESCO Grand Prix, y dos veces el premio Grand Prix d'Affichage. Ha tenido exposiciones individuales, en orden cronológico, en las ciudades de Venecia, Sao Paulo, Milan, ciudad de México, Helsinki, Roma y otras catorce ciudades.

Otros Mundos: Maestros de lo Fantástico - Jan Guillou

2008-07-23T14:42:00.004-03:00

Para los que no tememos a los templarios ni buscamos el santo grial o algún código o sociedad secreta necesaria para entender las cruzadas, este es un viaje fenomenal, ominoso y hasta se diría filosófico. Si uno va en busca del santo grial y quiere recorrer los pasos de Tristán o alguno de los héroes de tiempos casi olvidados, esta trilogía puede tener cientos de sorpresas y hasta algún mensaje escondido (o no tanto en algunos casos) acerca de lo que en realidad significaron las cruzadas. También ilustra acerca del rol protagónico que éstas tuvieron en la historia económica y social de una Europa que recién daba sus primeros pasos luego del Imperio Romano y que abrazaba al cristianismo como religión de una forma quizá exagerada, ayudada frecuentemente por las sulfurosas y autoritarias diatribas de una iglesia que en muchos casos estaba ejerciendo las funciones del estado o bastante metida en sus asuntos.
Decir que es la historia de un hombre sería minimizar la tarea que implica la elaboración de una Trilogía ¡Tres libros! Este hombre posee una historia y una herencia que nos hace querer ir a la ciudad Santa de Jerusalén y reclamarla como lo que en realidad es, un monumento al ansia del género humano por acercarse a Dios, a esa entidad que nos inspira a lo más excelso y en cuyo nombre muchas veces se han cometido las mas horrendas atrocidades. Sin embargo, no es de esto de lo que hablan estas tres partes de una historia que nos lleva por caminos religiosos y humanos de una forma vigorosa y a la vez exquisita.
“Camino a Jerusalén” (el primer libro) nos introduce en la historia. En el año 1150 nace Arn Magnusson, hijo de Sigrid y Magnus, ambos de importantes estirpes emparentadas con los linajes reales noruegos y suecos. Arn es acogido por los monjes cistercienses en el monasterio de Varnhem, donde recibe la mejor educación espiritual y terrenal de su época. Cuando regresa a casa a los diecisiete años se ve envuelto en las intrigas de los pretendientes al trono de una Suecia destrozada por las luchas por el poder. Tras su vida en el monasterio se encuentra también por primera vez ante la mujer, el deseo y el amor. Dos hermanas encienden su llama, un crimen que según la ley godo-occidental exige el mayor de los castigos: la Iglesia condenará a Arn a convertirse en caballero templario en Tierra Santa. Ha comenzado el camino a Jerusalén.
Una vez en Tierra Santa, el caballero Arn Magnusson o Al Ghouti como se lo conocía en Palestina y de una forma en la que no se podía ver otra cosa que la mano de Dios, salva la vida de nada más ni nada menos que Yussuf Ibn Saladd-Din, a quien los cristianos llamaban Saladino. Es a partir de esta charla (en un árabe que sorprendió a sus enemigos) que descubren que no se encuentran hablando con el enemigo, sino con otro ser humano y como se desprende de las palabras de Fakhr, hermano de Saladino : “ Si todos los enemigos fuesen como Al Ghouti nunca venceríamos, pero por otra parte si todos nuestros enemigos fuesen como él, no sería necesario luchar” Y es así que la guerra en Tierra Santa y la posterior derrota de los cruzados respondió a que Dios, cansado de las iniquidades y pecados decidió castigarlos como antes había hecho con sus hijos musulmanes.
En el año 1192, después de veinte años de caballero templario, Arn vuelve a Götaland, su tierra, con grandes proyectos y una enorme fortuna para realizarlos. En primer lugar, ansía reencontrarse con su amada Cecilia para formar una familia y, en segundo, tiene que pensar en una forma de buscar la paz entre los linajes enfrentados. Arn trae consigo un grupo muy variado de constructores, artesanos y médicos, tanto cristianos como sarracenos, que aportarán sus conocimientos para ayudarlo. Estos inmigrantes y todo lo que Arn ha aprendido en sus años de exilio serán el punto de partida para una nueva época en toda Europa y establecerán los cimientos sobre los que se asentará un nuevo concepto de Estado.
La épica batalla de Gestilren en 1210 es el punto culminante de "Regreso al Norte", la tercera y última parte del relato de Jan Guillou acerca de Arn Magnusson y Cecilia Algotsdotter y de la creación del reino de Suecia a finales del siglo XII.
Periodista de profesión, nacido en Suecia en 1944, Jan Guillou retrata en estos libros el mundo del Medievo en Europa y Jerusalén a través del personaje Arn Magnusson. “Yo soy periodista, no escribo ni una sola línea, no aporto ningún dato que no esté comprobado”, explica el autor y agrega que trabajó durante cinco años en esta trilogía aunque ya había alcanzado fama internacional con su serie de novelas de espías, protagonizadas por Carl Gustaf Gilbert Hamilton, de las que ha vendido más de cuatro millones de ejemplares. Es el autor más vendido de Suecia junto con Astrid Lindgren. Trabajó como periodista y comenzó su carrera de escritor en los años setenta, publicando tanto novelas como obras de no ficción. El primero de los libros de la saga Hamilton apareció en 1986, y hasta hoy ha sido traducido a quince idiomas.
El origen de esta Trilogía se encuentra en 1996, cuando el escritor estuvo inmovilizado durante dos días en un hotel de Asia Central. “Lo único que podía hacer era ver la CNN. Comprobé cómo los Estados Unidos estaban gestando una segunda guerra de religiones, cómo sus medios demonizaban al musulmán y lo identificaban como el enemigo. Se está gestando una guerra muy larga de la que seguramente no veré su final”. En 1998, Guillou decidió escribir su ambiciosa Trilogía de las Cruzadas, una obra magnífica ambientada en el norte de la Europa del siglo XII que se ha convertido en un auténtico fenómeno de ventas desde que se publicó en Suecia en 1999. Allí se ha organizado una ruta turística basada en el viaje que realiza el protagonista de esta trilogía. Es el escritor con más éxito de Suecia, además de un periodista combativo y polémico. En 1973 desenmascaró una red secreta de espionaje sueca, aunque la independencia de su investigación, que divulgó innumerables documentos secretos, le costó una condena de un año de cárcel.
La redacción de esta serie de novelas sobre las cruzadas supuso también para el escritor reinventar un lenguaje del que no quedaban referencias documentales. "En Suecia apenas se conservan textos medievales, escribir este libro fue como crear música", un ritmo especial en la narración que se ha intentado transmitir en sus traducciones al castellano y catalán. La trilogía se ha convertido en todo un fenómeno social en su país.

Alejandro "Sauron" Amaya

Otros Mundos: El Laberinto del Fauno [Cine]

2008-07-23T14:39:00.003-03:00

Situado en España en el año 1944, quinto año de “paz” franquista, el film narra la apasionante historia de Ofelia, una chica de 13 años, (interpretada por Ivana Baquero) que se traslada con su madre embarazada, Carmen (Ariadna Gil), hasta una casa rural ocupada por el ejército franquista. En ese lugar se encuentra el capitán Vidal (Sergi López), padrastro de Ofelia, quien comanda el ejército en esa zona y está obsesionado con acabar con los vestigios del ejército republicano.
Al llegar queda claro que Ofelia y su padrastro no se tienen ningún afecto. La salud de Carmen se ve perjudicada durante el viaje, debido a su avanzado embarazo, y es poca o ninguna la atención que pueda prestarle a la niña. En ese entorno afectivo tan pobre, rodeada de guerra y desolación, se vuelve invaluable la compañía del ama de llaves, Mercedes (Maribel Verdú) quien nos regala una admirable actuación.
Mientras el capitán Vidal despliega su crueldad, Ofelia busca refugio en los cuentos de hadas. Una noche se adentra en las ruinas de un laberinto, donde sorpresivamente se encuentra con un fauno (Doug Jones), quien le revela una maravillosa historia referente a su extraordinario origen. Así Ofelia descubre que es la princesa de un mundo subterráneo lleno de magia, y que tiene que superar una serie de pruebas para poder regresar a él.
Dichas pruebas están cargadas de horrendos monstruos y situaciones de peligro, donde descubrimos que la fantasía no es siempre un lugar seguro donde escondernos de la realidad. Aún así el capitán Vidal resulta un villano tan despiadado, que supera cualquier atrocidad surgida de la imaginación.
La fotografía, la música, las ambientaciones, el diseño y la interpretación de las criaturas hacen que trascienda la creatividad del director mejicano Guillermo del Toro. Su excelente manejo del suspenso logra que nos mantengamos con la misma expectación, tanto en las escenas bélicas como en las de fantasía.
Lo maravilloso de esta película es que posee claramente dos lecturas:
Una, donde todo es imaginado por la chica como una vía de escape ante la horrible realidad que le toca vivir. Otra donde efectivamente es la princesa de un mundo mágico y el fauno es la única ayuda para volver a él. Ambas resultan posibles y ninguna se muestra como “única verdad” de manera que es el espectador quien decide finalmente por cuál optar.

Marina "Arien" Abdala

Otros Mundos: Malice Mizer

2008-07-23T14:29:00.005-03:00

Malice Mizer fue una importante banda dentro del movimiento japonés denominado “visual kei” que tuviera como mayores exponentes desde mediados de los ochenta, a X Japan y Luna Sea.
Activa desde 1992, Malice Mizer se convirtió en una de las más creativas y originales bandas del movimiento, combinando impresionantes puestas en escena, vestuario extravagante y una música prácticamente inclasificable, en la cual se encuentran elementos de clásicos barrocos, bandas de sonido de viejas películas de terror italianas e inglesas, technopop ochentoso, metal, glam rock, gótico y electrónica.
Durante los nueve años de su existencia, todos sus trabajos discográficos y shows en vivo fueron inspirados por un concepto básico que la banda dio en llamar “ningen to wa”? (¿Qué es ser humano?”), desarrollado en distintas etapas y formas que fueron cambiando a medida que los integrantes se iban o volvían a la banda.
Malice Mizer fue formada en 1992 como la hija prodigio de los guitarristas Mana y Közi. Previamente habían tocado juntos en una banda llamada Matenrou, en la cual ya despuntaba el espíritu gótico/oscuro combinado con un sonido compacto de hard rock y heavy metal. Cuando Matenrou se separó, Mana y Közi decidieron crear una nueva banda basada en dos guitarras, algunas veces sintetizadas, e incorporar elementos de bandas de sonido de películas clásicas de terror y toques de electro pop. Pronto se sumó al proyecto el vocalista Tetsu (que venía de Nervous), el bajista Yu-ki (ex ZE:RO) y el baterista Gaz (ex Datura). Con esa formación no llegaron a grabar ni a presentarse en vivo y sólo pasaron unos meses dándole forma al sonido que querían lograr. El baterista Gaz fue reemplazado al cabo de un corto tiempo, e ingresó Kami (proveniente de la banda Kneuklid Romance), quien permanecería tras los tambores hasta su muerte en 1999.
Lentamente la banda comenzó a avanzar, y durante los dos primeros años lograron establecerse en la escena independiente japonesa realizando varias giras y grabando cuatro demos, además de editar su primer álbum de estudio, “Memoire”, en 1994. Sin embargo, el cantante, Tetsu, a finales de ese año decidió separarse de la banda para comenzar una carrera solista, dejando al grupo en suspenso durante unos cuantos meses.
Este tiempo fue aprovechado para audicionar cantantes y finalmente, en la primavera nipona de 1995, encontraron al hombre indicado para el puesto: Camui Gackt, ex Cains:Feel. Además de contar con la nueva presencia “principesca” de este cantante, la banda comenzó a introducir algunos cambios tanto en su apariencia como en su música, virando hacia lo más teatral y con un vestuario más basado en la estética europea pre-Victoriana, incluyendo también temas de una línea más dulcificada y romántica, sin dejar de lado el costado oscuro y vampiresco que ya los venía caracterizando. Durante este período editaron los simples “Uruwashiki kamen no shoutaijou” y “Ma chérie”, y a partir de la salida de su segundo álbum de estudio, titulado “Voyage sans retour”, la creciente popularidad de la banda atrajo la atención del sello Nippon Columbia, que decidió contratarlos en la primavera de 1997.
Durante sus años con Columbia, la banda alcanzó la cima de su popularidad, editando cinco simples más y el álbum “Merveilles”, y ya para ese momento contando con amplia cobertura en televisión, prensa gráfica y radial. Sus conciertos se trasladaron de salas de capacidad media a estadios y arenas y cada vez más elaborados desde lo visual, con enormes escenarios de cuidadísima y bella escenografía y espectaculares efectos especiales y de iluminación. Posiblemente debido a este crecimiento desmedido y relativamente rápido de su popularidad, a muy poco de editado el disco Merveilles, el cantante, Gackt, anunció aprincipios de 1999 que dejaba la banda; ninguna de las partes adujo las razones verdaderas de su alejamiento. Para completar un año fatal para el grupo, el baterista Kami murió por una hemorragia cerebral en junio del mismo año.

Columbia canceló su contrato con la banda y retornaron al sello independiente Midi:Nette, con el cual continuaron su actividad musical sin vocalista ni cantante, editando los simples “saikai no chi to bara” y “kyomu no naka de no yuugi” además de un homenaje a Kami “Shinwa” en los meses subsiguientes.
A partir de allí la banda retomó con más energía su costado gótico y darkie, y decidieron buscar otro cantante para continuar por ese camino. El elegido fue Klaha, quien hizo su debut en los shows del Nippon Budokan de agosto y septiembre de 2000. Klaha representaba perfectamente el rol de “aristócrata gótico” gracias a su apariencia y dotes histriónicas sumadas a una voz profunda y misteriosa. La banda editó los simples “Gardenia”, “Beast of Blood” y “Garnet” en el 2001 y filmó una cortometraje mudo titulado “Bara no konrei”,
La larga historia de Malice Mizer finalizó en diciembre de 2001, cuando anunciaron que iban a tomar un “descanso por tiempo indeterminado”. Todos los miembros tomaron caminos separados y a excepción de Yu-ki, el bajista, todos encararon proyectos solistas, con más o menos éxito en cada caso. Közi fue parte de un dúo, Eve of Destiny, y también editó discos solistas hasta el año 2006, al igual que Klaha, que siguió grabando y editando música en sellos independientes. Gackt se convirtió luego de su salida de la banda en una de las estrellas pop/rock más importantes de Japón, editando varios álbumes y realizando impresionantes y exitosas giras por ese país y el resto de Asia. También complementa su carrera musical con la actoral, ya que actualmente está filmando una película que se estrenará en 2009, donde actúa como co-protagonista de Josh Hartnett y Demi Moore.
Mana formó en 2004 la banda Moi Dix Mois, de corte netamente oscuro y estilo “gótico europeo” con una gran carga visual en los shows y un sonido netamente metálico. Con esta banda ya ha hecho varias giras dentro y fuera de Japón, especialmente en Francia, España y Escandinavia, en donde se los considera un bastión importantísimo dentro de la escena goth metal. Aparte de Gackt, es el único de los miembros de Malice Mizer que continúa editando discos, realizando giras y proyectos paralelos (una marca de ropa espectacular llamada Moi Meme Moitie, por ejemplo), de forma continuada.
Debido a que se trata de una banda japonesa NO editada nunca fuera de ese país, resulta sumamente difícil conseguir material original, por lo que la aproximación a la música y a la estética del grupo debe hacerse fundamentalmente via internet.
En youtube se pueden encontrar varios videoclips, “fanvids”, y extractos de shows de todas las eras de la banda, con solo tipear “Malice Mizer” como palabras clave.
Si alguien luego de “chusmear” queda prendado de la originalidad del grupo, tanto en la época Gackt como en la de Klaha y desea más información, fotos o música del grupo, puede escribirme a sansretourvoyage@gmail.com

Silvana "Cool Valar" Andrada

Otros Mundos: Death Note [Takeshi Obata & Tsugumi Ohba]

2008-07-23T14:10:00.006-03:00

Death Note es un manga creado por Takeshi Obata junto a Tsugumi Ohba. Fue publicado por la revista semanal Shōnen Jump entre el diciembre de 2003 hasta mayo del año 2006. En total se publicaron 108 capítulos semanales, formando un total de 12 volúmenes. La adaptación al formato anime fue emitida en Japón entre el 3 de octubre de 2006 hasta el 26 de junio de 2007 por el canal de televisión NTV, transmitiéndose un total de 37 capítulos.
La historia nos presenta a un joven estudiante del último curso de bachillerato, Light Yagami, quien cuenta con un intelecto, sin duda, fuera de lo normal. Por otro lado, tenemos la figura del shinigami Ryuk, quien, aburrido y hastiado de la paz reinante en su mundo, decide dejar caer su cuaderno de muerte en el plano humano, siendo éste el cuaderno que utilizan los shinigami para segar vidas humanas a voluntad, al anotar los nombres de sus víctimas.
Las vidas de Ryuk y Light se cruzarán en el momento que éste último encuentre el cuaderno de muerte que el shinigami dejó caer, y decida utilizarlo para asesinar a todos los criminales, pretendiendo crear así un mundo utópico , y proclamarse él mismo como Dios. A partir de entonces las numerosas e inexplicables muertes de los criminales captan la atención de la policía, la cual llama a un detective que es conocido mundialmente como "L". A partir de este momento, el argumento de Death Note se dispone como si fuera una partida de ajedrez ,enfrentado a dos intelectos excepcionales en lo que resulta ser un combate a muerte, dentro del cual el resto de los personajes de la historia no parecen ser sino meros peones.
Pero ¿es lícito matar para obtener un mundo idílico? Si tuvieras la oportunidad de establecer un orden donde sólo lo bueno perdure por el “módico precio” de sacrificar a todos los criminales de la sociedad, ¿te atreverías a hacerlo, o seguirías la ley y el orden que la sociedad impone? A medida que transcurre la historia, estos interrogantes comienzan a aparecer, cuestionando al lector acerca de lo arbitrario, desacertado o injustificable que puede resultar la justicia y el carácter ecuánime e inexorable que puede revelar un acto considerado injusto.
Death Note es un manga para los amantes de las buenas historias de misterio y de los thrillers psicológicos, con algunos toques de acción descarnada nada despreciables. Si bien en ocasiones el argumento puede resultar demasiado denso, luce unos personajes con caracteres y personalidades de gran complejidad que, unido a las ilustraciones de Obata, otorgan a Death Note un espíritu diferente que no pasará inadvertido ante quien se aproxime a ella con total entrega.

Pía "Morwen" Basualdo

Bebé Nazgûl, por Uroboros

2008-07-23T14:00:00.004-03:00

Http://axxon.com.ar/uroborismos/c-Uroborismos.htm

Nuevo sistema de etiquetas

2008-04-12T09:37:00.002-03:00

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